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sábado, 2 de noviembre de 2024

James Brown usaba ruleros, de Yasmina Reza, versión y dirección de Alfredo Arias se presenta en el Teatro Sarmiento

 

 


 

 
















(Buenos Aires)

La obra James Brown usaba ruleros, de Yasmina Reza, versión y dirección del reconocido Alfredo Arias en el Teatro Sarmiento, transcurre en una clínica psiquiátrica.

El joven Jacob, interpretado por Dennis Smith, se cree la cantante Celine Dion. Ese es el motivo por el que los padres, que lo visitan lo han internado ahí.

Jacob conoce a otro joven en la clínica, Phillipe, interpretado por Juan Bautista Fernandini. Este personaje es blanco pero se autopercibe negro y se comporta reivindicando esta identidad.

Otro personaje, el de la psiquiatra, interpretado por  Adriana Pegueroles  se hace cómplice, por momentos de los dos jóvenes, les sigue el juego.

Los padres de Jacob, interpretados por Claudia Quinteros y Marcos Montes, se muestran desconcertados durante las visitas a Jacob en la clínica. El asombro se instala en ellos por el comportamiento del hijo, que no abandona a su personaje de Celine Dion. Ellos se preguntan qué ha pasado, en qué se equivocaron, cuál es el motivo de esta extraña conducta de Jacob. El vestuario y los diálogos de los padres de Jacob, muestran el estrato social al que pertenecen, y que seguramente no aceptaría al hijo tal cuál se comporta en el presente.

Los padres están a la expectativa de lo que ocurra.

Por otro lado, Phillipe, el joven blanco que se autopercibe negro, no es visitado por nadie, y hace todo tipo de reivindicaciones tanto de su identidad como de la ecología – quiere llevar una planta de una maceta y plantarla en el parque de la clínica-, entre otras cosas.

Es un personaje más enigmático y más solitario que Jacob.

La obra plantea problemas de relaciones familiares, identidades, sociales, que existen y lleva al espectador a pensar.

La escenografía plantea una escena despojada , con compartimentos de plástico o acrílico que llevan a pensar en el aislamiento, la fragmentación, la soledad de los personajes, de los padres desconcertados y de la psiquiatra.

Es muy bueno el diseño lumínico, la música,  el sonido, la dirección y el trabajo de todos los actores.

La traducción del francés al español y la adaptación es de Gonzalo Garcés.

 

El elenco está integrado (por orden de aparición) por Marcos Montes, Claudia Cantero, Dennis Smith, Adriana Pegueroles y Juan Bautista Fernandini.

El diseño de sonido es de Nahuel Martínez y Mauro do Campo, la asistente de dirección es Luciana Milione, la música original fue compuesta por Alejandro Terán, el diseño de iluminación es de Matías Sendón, el diseño de vestuario de Julio Suárez y el diseño escenográfico de Julia Freid.

Las funciones de James Brown usaba ruleros tendrán lugar de jueves a domingos a las 20 horas.

 

Duración: 65 minutos

 

Acerca de Yasmina Reza

 

Reconocida como una de las más sagaces y despiadadas retratistas de las contradicciones, inconsistencias y flaquezas humanas, la dramaturga, narradora, directora y ocasional actriz Yasmina Reza nació en París, hija de padre iraní y madre húngara, ambos judíos. Tras sus estudios en la Universidad de París y en la Escuela de Arte Dramático Jacques Lecoq, comenzó a trabajar como actriz, pero pronto dejó el escenario para crear sus propias obras: Conversaciones después un entierro (1987), La travesía del invierno (1989), Arte (1995), El hombre del azar (1995), Tres versiones de la vida (2000), Una comedia española (2004), Un dios salvaje (2007), Cómo cuenta usted la partida (2011) y Bella figura (2015). Por estas obras recibió varias veces el premio Molière, además del Laurence Olivier, el Evening Standard y el Nestroy-Theatreprize. Entre su producción narrativa destacan Hammerklavier (1997), Una desolación (1999), Ninguna parte (2005), En el trineo de Schopenhauer (2005), El alba, la tarde o la noche (2007), Felices los felices (2013), Babilonia (2016) y Serge (2021), en todos los casos grandes éxitos comerciales en Francia.

 

Alfredo Arias comenzó su carrera como artista plástico en el Instituto Di Tella, donde presentó su primera puesta en escena, Drácula, y a fines de los sesenta se radicó en París con la puesta en escena de Eva Perón de Copi. Arias modeló un mundo poético propio con sus creaciones Peines de Coeur d’une chatte Anglaise, Mortadela y Tatuage, entre otras. De su trabajo sobre obras de repertorio se destacan La bestia en la jungla de Henry James con adaptación de Marguerite Duras, La tempestad de Shakespeare en el Festival de Aviñón, Las criadas de Jean Genet en el Théâtre de l’Athénée, La dama de las camelias con adaptación de René de Ceccatty en el Théâtre Marigny y Las aves de Aristófanes en la Comédie-Française. Entre sus últimas creaciones figuran Rake ́s Progress de Ígor Stravinski en el Teatro Colón y Bela Vamp en El Extranjero. En las salas del Complejo Teatral de Buenos Aires presentó La mujer sentada de Copi (Teatro San Martín, 1998), Incrustaciones (Teatro Alvear, 2007), Tatuaje (Teatro Alvear, 2010), Cinelandia (Teatro de la Ribera, 2016), Divino amore (Teatro de la Ribera, 2018) y Happyland (Teatro San Martín, 2019/2020). Alfredo Arias recibió el Molière de Honor por su carrera y fue nombrado Chevalier, Officier y Commandeur des Arts et des Lettres y Chevalier de l’ordre National du Mérite por el gobierno de Francia.

 

 

La obra James Brown mettait des bigoudis de Yasmina Reza se presenta en Argentina a través de un permiso otorgado por Thaleia Productions, 6 rue Sédillot 75007 Paris France.

 

 

 

 

El Teatro Sarmiento integra el Complejo Teatral de Buenos Aires, organismo inaugurado en 2000 que reúne seis salas teatrales dependientes del Ministerio de Cultura de la Ciudad: San Martín, Presidente Alvear, Regio, De la Ribera, Sarmiento y El Plata.

 

 

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

lunes, 14 de octubre de 2024

Se estrena James Brown usaba ruleros, de Yasmina Reza en el Teatro Sarmiento con dirección de Alfredo Arias



(Buenos Aires) 

Alfredo Arias estrena la obra de Yasmina Reza James Brown usaba ruleros, una versión con traducción y adaptación de Gonzalo Garcés y dirección de Arias. 

 El director argentino radicado en Francia aborda una pieza mordaz y poco convencional sobre la identidad y la diferencia de la exitosa dramaturga francesa.

 El próximo jueves 31 de octubre tendrá lugar en el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715) el estreno de James Brown usaba ruleros, una pieza de Yasmina Reza que se presenta con traducción y adaptación de Gonzalo Garcés, en versión y con dirección de Alfredo Arias.

El elenco está integrado (por orden de aparición) por Marcos Montes, Claudia Cantero, Dennis Smith, Adriana Pegueroles y Juan Bautista Fernandini.

El diseño de sonido es de Nahuel Martínez y Mauro do Campo, la asistente de dirección es Luciana Milione, la música original fue compuesta por Alejandro Terán, el diseño de iluminación es de Matías Sendón, el diseño de vestuario de Julio Suárez y el diseño escenográfico de Julia Freid.

 Las funciones de James Brown usaba ruleros tendrán lugar de jueves a domingos a las 20.


Duración: 65 minutos

Previo al estreno, el espectáculo se presentará en el marco del FIBA (Festival Internacional de Buenos Aires) los días viernes 18 y 25, y sábados 19 y 26 de octubre a las 20 horas (entradas en www.fiba.ar).

 

¿Hay mayor alegría que jugar a ser otro?

La vida del matrimonio Hutner cambia cuando su hijo Jacob les anuncia que es la cantante Céline Dion. Ahora, en la clínica psiquiátrica donde lo internaron, Jacob (o Céline) tiene un sólo amigo: Philippe, un muchacho blanco que asegura ser negro.

Los angustiados padres de Jacob (o Céline) se cuestionan: ¿acaso ellos, los normales, no interpretan también sus papeles? ¿Jacob (o Céline) está loco o eso que otros llaman locura es una forma de belleza que el mundo no comprende? La psiquiatra no ayuda a aclarar las cosas: como Mefistófeles, está ahí para confundir las pistas.

En el parque de la clínica, un espacio fuera de la realidad, tiene lugar estanueva y sofisticada comedia de Yasmina Reza (la premiada autora de Art y Un dios salvaje), que combina esa obsesión de nuestra época con la autopercepción y la corrección política con preguntas más perdurables y profundas: ¿hay mayor alegría que jugar a ser otro? ¿Pero quién puede cantar su alegría solo?

“La pieza de Yasmina Reza avanza con toques sutiles y casi impresionistas enla desesperación de unos padres por recuperar a su hijo”, dice el director Alfredo Arias. “A veces los caminos avanzan en una sola dirección y sin vuelta atrás. Yasmina Reza me propuso escenificar su texto, una invitación irresistible”.

Reconocida como una de las más sagaces y despiadadas retratistas de las contradicciones, inconsistencias y flaquezas humanas, la dramaturga, narradora, directora y ocasional actriz Yasmina Reza nació en París, hija de padre iraní y madre húngara, ambos judíos. Tras sus estudios en la Universidad de París y en la Escuela de Arte Dramático Jacques Lecoq, comenzó a trabajar como actriz, pero pronto dejó el escenario para crear sus propias obras: Conversaciones después un entierro (1987), La travesía del invierno (1989), Arte (1995), El hombre del azar (1995), Tres versiones de la vida (2000), Una comedia española (2004), Un dios salvaje (2007), Cómo cuenta usted la partida (2011) y Bella figura (2015). Por estas obras recibió varias veces el premio Molière, además del Laurence Olivier, el Evening Standard y el Nestroy-Theatreprize. Entre su producción narrativa destacan Hammerklavier (1997), Una desolación (1999), Ninguna parte (2005), En el trineo de Schopenhauer (2005), El alba, la tarde o la noche (2007), Felices los felices (2013), Babilonia (2016) y Serge (2021), en todos los casos grandes éxitos comerciales en Francia.

 

Alfredo Arias comenzó su carrera como artista plástico en el Instituto Di Tella, donde presentó su primera puesta en escena, Drácula, y a fines de los sesenta se radicó en París con la puesta en escena de Eva Perón de Copi. Arias modeló un mundo poético propio con sus creaciones Peines de Coeur d’une chatte Anglaise, Mortadela y Tatuage, entre otras. De su trabajo sobre obras de repertorio se destacan La bestia en la jungla de Henry James con adaptación de Marguerite Duras, La tempestad de Shakespeare en el Festival de Aviñón, Las criadas de Jean Genet en el Théâtre de l’Athénée, La dama de las camelias con adaptación de René de Ceccatty en el Théâtre Marigny y Las aves de Aristófanes en la Comédie-Française. Entre sus últimas creaciones figuran Rake ́s Progress de Ígor Stravinski en el Teatro Colón y Bela Vamp en El Extranjero. En las salas del Complejo Teatral de Buenos Aires presentó La mujer sentada de Copi (Teatro San Martín, 1998), Incrustaciones (Teatro Alvear, 2007), Tatuaje (Teatro Alvear, 2010), Cinelandia (Teatro de la Ribera, 2016), Divino amore (Teatro de la Ribera, 2018) y Happyland (Teatro San Martín, 2019/2020). Alfredo Arias recibió el Molière de Honor por su carrera y fue nombrado Chevalier, Officier y Commandeur des Arts et des Lettres y Chevalier de l’ordre National du Mérite por el gobierno de Francia.

 La obra James Brown mettait des bigoudis de Yasmina Reza se presenta en Argentina a través de un permiso otorgado por Thaleia Productions, 6 rue Sédillot 75007 Paris France.

El Teatro Sarmiento integra el Complejo Teatral de Buenos Aires, organismo inaugurado en 2000 que reúne seis salas teatrales dependientes del Ministerio de Cultura de la Ciudad: San Martín, Presidente Alvear, Regio, De la Ribera, Sarmiento y El Plata.

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

 


miércoles, 23 de agosto de 2023

Medida por medida (La culpa es tuya);de William Shakespeare se estrenó en el Teatro Sarmiento

 





 

(Buenos Aires)

Medida por medida, una tragicomedia de William Shakespeare se estrenó con gran éxito en el Teatro Sarmiento, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires.

La versión de Gabriel Chamé Buendía, uno de los clowns más destacados de la Argentina y del mundo le aporta el humor necesario para hacer de esta obra una pieza teatral de inusual atractivo.

En Medida por medida se aborda el tema del abuso de poder sexual. El texto de Shakespeare no pierde vigencia. La visión sobre la ley, la corrupción, la piedad y la culpa,  entre otros temas son abordados en la obra. En una Viena corrupta, donde nadie cumple con la ley, se castiga con la muerte el tener relaciones sexuales sin estar casado.

En la trama, una novicia es puesta a prueba ya que para salvar la vida de su hermano tiene que tener relaciones sexuales con un juez. Pero la novicia no quiere ser violentada, a pesar de querer salvar al hermano.

La religión y la corrupción, también la compasión, son algunos de los temas de Medida por medida.

La obra no decae sino que va atrapando al espectador con recursos de clown, escenografía, música, luces y vestuario.

 Teatro Sarmiento (Avenida Sarmiento 2715) Medida por medida (La culpa es tuya), adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida por Gabriel Chamé Buendia, el elenco está integrado por  integrado por Matías Bassi, Nicolás Gentile, Elvira Gómez, Agustín Soler y Marilyn Petito.

El entrenamiento de baile es de Damián Malvacio, la asistencia artística de Lorena Booth, el diseño sonoro de Sebastián Furman y Gabriel Chamé Buendia, el diseño de vestuario de Cecilia Allassia y el diseño de iluminación y escenografía de Jorge Pastorino.

 

viernes, 11 de agosto de 2023

Medida por medida (La culpa es tuya) se estrena en el Teatro Sarmiento


 

(Buenos Aires)

Se estrena Medida por medida (La culpa es tuya) en el Teatro Sarmiento.

Tras la suspensión momentánea por la lesión de un actor se presenta la versión de Gabriel Chamé Buendia del clásico shakespeareano.

El próximo jueves 17 de agosto a las 20 horas se estrenará en el Teatro Sarmiento (Avenida Sarmiento 2715) Medida por medida (La culpa es tuya), adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida por Gabriel Chamé Buendia, cuyo estreno se vio postergado a causa de la lesión de un actor del elenco, integrado por Matías Bassi, Nicolás Gentile, Elvira Gómez, Agustín Soler y Marilyn Petito.

El entrenamiento de baile es de Damián Malvacio, la asistencia artística de Lorena Booth, el diseño sonoro de Sebastián Furman y Gabriel Chamé Buendia, el diseño de vestuario de Cecilia Allassia y el diseño de iluminación y escenografía de Jorge Pastorino.

 

Las funciones serán de jueves a domingos a las 20 horas.

 

Duración: 105 minutos

 

 Luego de diez años de éxito con Othelo. Termina mal, Gabriel Chamé Buendia presenta junto con su equipo de actores otra obra de Shakespeare, siempre a través del humor y la lúdica del gag físico y poético. En Medida por medida se desarrolla una cuidadosa exposición dramática de la naturaleza moral del hombre en relación a la justicia humana y el vicio y se invita a la reflexión sobre la ley, la corrupción y la religión. La obra oscila entre lo ético, lo sexual y el poder, contrastando la conciencia y el instinto. En ese sentido, la mujer ocupa un lugar central con un tema muy actual: el abuso de poder en lo político y lo sexual.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

sábado, 29 de abril de 2023

Se estrenó Burguesa, la obra de Alfredo Allende, en el Teatro Sarmiento

 



(Buenos Aires)

Se estrenó Burguesa, la obra de Alfredo Allende en el Teatro Sarmiento, integrante del Complejo Teatral de Buenos Aires.



Inspirada en El burgués gentilhombre de Molière, Burguesa transcurre en 1966, en la Argentina, año en que una dictadura militar derrocó al Gobierno democrático de Arturo Illia. En un mundo polarizado por la Guerra Fría y en lo nacional por lo argentino y lo extranjero, el arte tradicional y el arte de vanguardia y la represión de la Noche de los bastones largos en la Universidad, la protagonista, Dorys Gordini, interpretada por Merceditas Elordi, una mujer divorciada vía Paraguay – no existía el divorcio en la Argentina -, aspira vivir en un exclusivo country y codearse con los propietarios, a los que considera de un nivel cultural superior.

La escenografía kitsch al extremo enmarca la escena. Dorys ha contratado a un profesor de filosofía, socialista, expulsado de la universidad durante la Noche de los bastones largos, para que le dé clases de cultura general.

También ha comprado obras de arte estrafalarias, a un artista que la estafa permanentemente. Así va derrochando su dinero, mientras no le paga al mayordomo, y ante la desesperación de la hija, religiosa y devota al extremo.

Una escena de teatro dentro del teatro, de El burgués gentilhombre, interpretada por la hija de Dorys, el mayordomo y el profesor, intenta hacer recapacitar a Dorys para que no insista en pertenecer a un lugar donde no la van a aceptar y deje de derrochar dinero.

El humor atraviesa toda la obra en una excelente puesta de Sebastián Bauzá.

Son muy buenas las actuaciones de todo el elenco.

Elenco:

 

Merceditas Elordi, Patricio Paz, Bianca Vicari y Juan Pablo Carrasco

 

 

 

Diseño técnica clown: Julieta Carrera. Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco. Diseño de vestuario: Alejandra Robotti. Diseño de escenografía: Magali Acha. Dirección: Sebastián Bauzá

Desde el sábado 22 (funciones para público general)

 

Sábado 22 y domingo 23 a las 16 horas

 

Jueves 27, viernes 28, sábado 29 y domingo 30 a las 20 horas

 

Jueves 4, viernes 5, sábado 6 y domingo 7 de mayo a las 20 horas

 

 

 

Burguesa integrará el programa PRIMER ACTO, un conjunto de obras para estimular la asistencia de nuevos espectadores, con espectáculos especialmente diseñados para el público joven en horarios especiales para que puedan asistir estudiantes de todos los niveles.

 

Este proyecto incluirá la asistencia de profesionales de las artes escénicas a establecimientos educativos para complementar la experiencia teatral con encuentros de apreciación y análisis de la obra, además de la entrega de materiales didácticos para el trabajo en clase de docentes y estudiantes.

 

 

 

Duración: 85 minutos

 

Teatro Sarmiento

 

(Avda. Sarmiento 2715)

 

 

miércoles, 2 de noviembre de 2022

Se estrenó Hielo negro en el Teatro Sarmiento con una exitosa función de prensa

 




(Buenos Aires)

Con elementos que recuerdan a la Comedia del arte italiana y la perfomance se estrenó la obra Hielo negro en el teatro Sarmiento, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires. Fue en una exitosa función de prensa el sábado 29 de octubre pasado.

Recordemos que la Comedia del arte a  finales del siglo xx se reconocía en claves esenciales del teatro independiente, el cine burlesco y, como modelo didáctico, en la ideología de un teatro completo (basado en el actor y el colectivo), recuperador del poder del gesto y la improvisación, como se percibe en la obra de Meyerhold, Jacques Copeau, Jean-Louis Barrault y, en especial, de Dario Fo.(1)

La obra Hielo negro  

Hielo negro de Luciana Acuña y Luis Biasotto, con dirección de Luciana Acuña. Los textos son de Luis Biasotto, Luciana Acuña y Mariana Chaud. Los intérpretes y creadores son Milva Leonardi, Francisco Dibar, Santiago Gobernori, Luciana Acuña y Matías Sendón, a partir de una creación original de Luciana Acuña y Luis Biasotto. La asistencia artística y coreográfica es de Ana Inés García, la producción y colaboración artística son de Gabriela Gobbi, el video y la colaboración dramatúrgica de Alejo Moguillansky, la música original es de Gabriel Chwojnik, el diseño de iluminación de Matías Sendón, el diseño de vestuario de Mariana Tirantte y el diseño de escenografía de Ariel Vaccaro.

Las funciones se ofrecerán de viernes a domingos a las 20 horas, hasta el domingo 4 de diciembre.

 

Viernes (día popular)

Duración: 70 minutos

 

Hielo negro

Esta obra fue creada en distintas residencias en Ecuador, EEUU y La Plata. La primera versión fue en febrero de 2019 en Hamilton NY, lugar colmado de nieve para ese momento del año. La nieve es un fenómeno que no existe en Buenos Aires, por lo que toda la creación de Hielo negro estuvo teñida por este paisaje excepcional que fue, para sus creadores, de absoluta inspiración. Todo estaba dispuesto para que un nuevo imaginario se desplegara en la escena. La obra invita a entrar en dicho imaginario y al universo de dos creadores que se conocieron de memoria y que llevaron consigo muchísimos años de creación juntos y de amistad.

 “‘Hielo negro’ es el último residuo de la nieve. Cuando la temperatura supera los cero grados, el blanco impoluto se disuelve. Lo que queda es una fina capa transparente que, al ser invisible, es zona de peligro constante.

Ésta es otra obra sobre la muerte, pero también sobre dos amigos; sobre el insondable abismo de la creación; sobre los paisajes imposibles; sobre Romeo y Julieta; sobre los fantasmas.

La muerte en esta obra causa risa. Los muertos resucitan pero no causan terror. Quizás los muertos resuciten porque no podemos vivir sin ellos. Quizás no haya nada en el mundo que no haya estado antes, en algún otro tiempo o lugar. Quizás haya un momento donde no podamos diferenciar más la fantasía de la realidad”.

Luciana Acuña / Luis Biasotto – 2020

Hielo negro

Esta nueva versión de Hielo negro contiene todas las anteriores. El color blanco, la textura, el frío, la nieve y sus consecuencias. El cuerpo comandando la acción, el lenguaje físico duro y brutal. Las palabras, textos sencillos y escuetos; las historias, inventadas.

Hielo negro es una obra creada por dos amigos, dos creadores que ya no están.

Autores que, como fantasmas, se hacen presentes en la representación.  

Autores que murieron en el pasado y vuelven disfrazados de presente. La lógica del sueño parece reinar en Hielo negro: un teatro disfrazado de teatro, unos cuerpos tomados por otros cuerpos, una obra poseída por otra, dos autores que están vivos y muertos a la vez.

¿Cómo hacer teatro después de la muerte? ¿Cómo hacer teatro con fantasmas?

La tradición no es exactamente nueva, los ballets siempre se alimentaron de los espectros: las sílfides, Giselle, las willis, el espectro de la rosa, los cisnes, el padre de Hamlet, ¡Shakespeare!

Aunque Hielo negro, más allá de reflejarse en ese pasado, por sus mecanismos de representación, se posiciona de forma contundente dentro de la escena contemporánea.

A partir del presente, no toca temas del presente, sino que el presente es un punto de partida, y no un punto de referencia. Un punto de partida inevitable hacia la abstracción, hacia la muerte.

Lejos de ser una obra que reflexione sobre el tema de manera discursiva o documental, Hielo negro trabaja directamente con la materialidad propia de la ficción. Se ubica entre esa ficción y su propio origen. En ese pequeño intervalo, en ese limbo donde todas las ficciones son posibles.

Los creadores

Luciana Acuña y Luis Biasotto fundaron juntos el Grupo Krapp cerca del año 2000. Desde entonces sacudieron la escena argentina y Krapp es, hoy, un grupo que nadie dudaría en llamar de culto y de gran influencia en la escena. Sus obras fueron mostradas en teatros y festivales de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. En paralelo a Krapp, ambos hicieron obras por su cuenta, colaborando o bailando uno y otra en la creación de su compañero. Sin embargo, hasta 2019 nunca habían hecho un dúo entre ellos dos. Ese dúo es Hielo negro. Allí se plasman y cristalizan todas sus obsesiones: el eterno cuestionamiento sobre qué es danza; el corrimiento de límites entre danza, teatro, cine, performance; la explosión física característica de su lenguaje; la imaginación desatada; la actuación como forma del movimiento; la voluntad férrea de ficción; la convivencia de materiales sonoros y visuales como imágenes puras e inabordables; el naufragio escénico; el abismo y la muerte; y -finalmente- el humor: la carcajada como forma posible de la libertad o del amor. Por otro lado, no nos equivocaríamos si afirmamos que es una obra sobre su amistad de más de veinte años trabajando juntos.

En el Complejo Teatral el Grupo Krapp presentó en 2017 El futuro de los hipopótamos, en el marco del ciclo “Danza al borde” del Teatro de la Ribera. 

(1) Fuente: Wikipedia

 

miércoles, 26 de octubre de 2022

Se estrena Hielo negro, de Luciana Acuña y Luis Biasotto en el Teatro Sarmiento

 




TEATRO SARMIENTO

 

Hielo negro

Se estrena la obra de Luciana Acuña y Luis Biasotto 

 (Buenos Aires)

El  domingo 30 de octubre a las 20, se estrenará  en el Teatro Sarmiento (Avda. Sarmiento 2715), perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires la obra  Hielo negro de Luciana Acuña y Luis Biasotto, con dirección de Luciana Acuña. Los textos son de Luis Biasotto, Luciana Acuña y Mariana Chaud. Los intérpretes y creadores son Milva Leonardi, Francisco Dibar, Santiago Gobernori, Luciana Acuña y Matías Sendón, a partir de una creación original de Luciana Acuña y Luis Biasotto. La asistencia artística y coreográfica es de Ana Inés García, la producción y colaboración artística son de Gabriela Gobbi, el video y la colaboración dramatúrgica de Alejo Moguillansky, la música original es de Gabriel Chwojnik, el diseño de iluminación de Matías Sendón, el diseño de vestuario de Mariana Tirantte y el diseño de escenografía de Ariel Vaccaro.

Las funciones se ofrecerán de viernes a domingos a las 20 horas, hasta el domingo 4 de diciembre.

Duración: 70 minutos

 

Hielo negro

 

Esta obra fue creada en distintas residencias en Ecuador, EEUU y La Plata. La primera versión fue en febrero de 2019 en Hamilton NY, lugar colmado de nieve para ese momento del año. La nieve es un fenómeno que no existe en Buenos Aires, por lo que toda la creación de Hielo negro estuvo teñida por este paisaje excepcional que fue, para sus creadores, de absoluta inspiración. Todo estaba dispuesto para que un nuevo imaginario se desplegara en la escena. La obra invita a entrar en dicho imaginario y al universo de dos creadores que se conocieron de memoria y que llevaron consigo muchísimos años de creación juntos y de amistad.

 “‘Hielo negro’ es el último residuo de la nieve. Cuando la temperatura supera los cero grados, el blanco impoluto se disuelve. Lo que queda es una fina capa transparente que, al ser invisible, es zona de peligro constante.

Ésta es otra obra sobre la muerte, pero también sobre dos amigos; sobre el insondable abismo de la creación; sobre los paisajes imposibles; sobre Romeo y Julieta; sobre los fantasmas.

La muerte en esta obra causa risa. Los muertos resucitan pero no causan terror. Quizás los muertos resuciten porque no podemos vivir sin ellos. Quizás no haya nada en el mundo que no haya estado antes, en algún otro tiempo o lugar. Quizás haya un momento donde no podamos diferenciar más la fantasía de la realidad”.

Luciana Acuña / Luis Biasotto - 2020

Hielo negro

Esta nueva versión de Hielo negro contiene todas las anteriores. El color blanco, la textura, el frío, la nieve y sus consecuencias. El cuerpo comandando la acción, el lenguaje físico duro y brutal. Las palabras, textos sencillos y escuetos; las historias, inventadas.

Hielo negro es una obra creada por dos amigos, dos creadores que ya no están.

Autores que, como fantasmas, se hacen presentes en la representación.  

Autores que murieron en el pasado y vuelven disfrazados de presente. La lógica del sueño parece reinar en Hielo negro: un teatro disfrazado de teatro, unos cuerpos tomados por otros cuerpos, una obra poseída por otra, dos autores que están vivos y muertos a la vez.

¿Cómo hacer teatro después de la muerte? ¿Cómo hacer teatro con fantasmas?

La tradición no es exactamente nueva, los ballets siempre se alimentaron de los espectros: las sílfides, Giselle, las willis, el espectro de la rosa, los cisnes, el padre de Hamlet, ¡Shakespeare!

Aunque Hielo negro, más allá de reflejarse en ese pasado, por sus mecanismos de representación, se posiciona de forma contundente dentro de la escena contemporánea.

A partir del presente, no toca temas del presente, sino que el presente es un punto de partida, y no un punto de referencia. Un punto de partida inevitable hacia la abstracción, hacia la muerte.

Lejos de ser una obra que reflexione sobre el tema de manera discursiva o documental, Hielo negro trabaja directamente con la materialidad propia de la ficción. Se ubica entre esa ficción y su propio origen. En ese pequeño intervalo, en ese limbo donde todas las ficciones son posibles.

Los creadores

Luciana Acuña y Luis Biasotto fundaron juntos el Grupo Krapp cerca del año 2000. Desde entonces sacudieron la escena argentina y Krapp es, hoy, un grupo que nadie dudaría en llamar de culto y de gran influencia en la escena. Sus obras fueron mostradas en teatros y festivales de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. En paralelo a Krapp, ambos hicieron obras por su cuenta, colaborando o bailando uno y otra en la creación de su compañero. Sin embargo, hasta 2019 nunca habían hecho un dúo entre ellos dos. Ese dúo es Hielo negro. Allí se plasman y cristalizan todas sus obsesiones: el eterno cuestionamiento sobre qué es danza; el corrimiento de límites entre danza, teatro, cine, performance; la explosión física característica de su lenguaje; la imaginación desatada; la actuación como forma del movimiento; la voluntad férrea de ficción; la convivencia de materiales sonoros y visuales como imágenes puras e inabordables; el naufragio escénico; el abismo y la muerte; y -finalmente- el humor: la carcajada como forma posible de la libertad o del amor. Por otro lado, no nos equivocaríamos si afirmamos que es una obra sobre su amistad de más de veinte años trabajando juntos.

En el Complejo Teatral el Grupo Krapp presentó en 2017 El futuro de los hipopótamos, en el marco del ciclo “Danza al borde” del Teatro de la Ribera. 

 

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

Año del 40° Aniversario de la Guerra de Malvinas. “En homenaje a los veteranos y caídos en la defensa de las Islas Malvinas y el Atlántico Sur”

 

 

 

 

viernes, 22 de julio de 2022

Artes urbanas en el Teatro Sarmiento: Next Level


 

(Buenos Aires)

Una muestra de jóvenes artistas que participaron en los talleres de DJ, breakdance, danzas urbanas, beatbox y MC/rap/trap

  El próximo viernes 29 de julio desde las 19.30 horas se realizará en el Teatro Sarmiento perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Airse  (Avda. Sarmiento 2715) la presentación final de los jóvenes que participaron de los talleres de Next Level Academy de los Estados Unidos. 

 Next Level Academy es una academia de hip-hop y artes urbanas que compartió su experiencia con 48 jóvenes talentos argentinos a partir de una convocatoria organizada por la Embajada de los Estados Unidos, la Dirección General de Música del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y el Instituto Cultural Argentino Norteamericano (ICANA)

 Next Level es asimismo el título del programa de intercambio cultural, musical y educativo para jóvenes. El género que se pone en escena es el hip-hop  y comprende disciplinas como danza, DJ, MC/Rap/Trap y beatboxing.

 La entrada a esta presentación es gratuita y las localidades podrán retirarse desde dos horas antes en la boletería del Teatro Sarmiento. La capacidad es limitada. 

 

Duración aproximada: 150 minutos



Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

Año del 40° Aniversario de la Guerra de Malvinas.”En homenaje a los veteranos y caídos en la defensa de las Islas Malvinas y el Atlántico Sur” 




















viernes, 25 de octubre de 2019

Reinos, escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula


las autoras y directoras 



(Buenos Aires)

En el Teatro Sarmiento se estrenó Reinos, una obra escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula.
Estas tres autoras y directoras se dispusieron a escribir y dirigir una obra inspirada en el diario de la abuela de Margarita, escrito durante varios años e iniciado en los años 30.
Una mujer que vive con su familia en el campo y trabaja con la tierra y los animales va contando su experiencia en el diario.  El contacto con la naturaleza, la observación  cotidiana  de los animales y las plantas, el trabajo duro, las cosas más simples llevan a la autora del diario a volcarlas en el papel.
En el escenario hay personajes que integran una familia, y que se interrogan y piensan en conjunto acerca de lo que ocurre día a día en el campo. El nacimiento de un ternero, aserrar madera, el canto de los pájaros, el amanecer, el crepúsculo, todo da pie a filosofar.
No están ausentes los planteos actuales entre las actividades de hombres y mujeres,  ya que la autora del diario trabaja en el campo
haciendo actividades rudas, para ayudar a los padres.  Otro de los temas es la maternidad, lo que lleva a los personajes a preguntarse cómo fue que el ser humano primitivo que ni siquiera disponía de lenguaje oral llegó a  asociar  el embarazo con el acto sexual.
Hay una relación entre los personajes que abarca tres generaciones.
Con humor, Reinos invita a pensar en aquellas cosas que en la ciudad se enmascaran y cerca de la naturaleza están al desnudo.
El final, donde aparecen personajes con unas máscaras con forma de pájaro tiene algo lúdico y de ritual.
Hay que destacar la actuación de todo el elenco, la poesía y el humor, en una muy buena puesta.


El elenco está integrado por Rosario Bléfari, Mariana Chaud, Margarita Molfino, Susana Pampín, Camilo Polotto y Mariano Saborido. La música original y el diseño de sonido es de Liza Casullo, el diseño de vestuario es de Gabriela A. Fernández, y el diseño de escenografía e iluminación es de Matías Sendón.

de jueves a domingos, a las 20.30 hs.
Teatro Sarmiento  (Av. Sarmiento 2715),


Duración (aproximada): 75 minutos.


"La abuela de Margarita, Leonor, escribió un diario íntimo durante su juventud en los años '30 que nos sirvió de inspiración y guía para imaginar nuestro propio campo. La tríada formada por mujeres-naturaleza-escritura se volvió algo atractivo para nosotras, mujeres que vivimos en una ciudad en el siglo XXI pero que somos herederas de los textos que tantas mujeres escribieron mientras los hombres salían a estudiar y a gobernar. Estos materiales son para nosotras una especie de legado a desentramar. En la obra, una familia vive y trabaja en el campo y también -al igual que Leonor- honra el tiempo dedicado al pensamiento y a la imaginación. Cómo mostrar en escena algo tan huidizo como el cielo o el lenguaje de los animales, cómo pensar la escritura como una forma de existencia clandestina, una manera de registrar lo que pocos suelen detenerse a mirar. Las plantas, los animales, el trabajo, las tormentas, las palabras: escapar a la determinación aprendida y entender que un cuerpo puede ser cualquier cosa, un alma o una idea, un cuerpo sonoro, un árbol o una comunidad. Todo lo que es nombrado puede mutar".

Margarita Molfino, Agustina Muñoz, Romina Paula

LAS DIRECTORAS

Margarita Molfino nació en Rafaela, Santa Fe, en 1980, es actriz, bailarina, coreógrafa y Licenciada en Artes (UBA). Su última obra como intérprete, autora y directora es Palíndroma.

Agustina Muñoz nació en Buenos Aires en 1985, es autora, directora y actriz. Su última obra como autora y directora es Las piedras.

Romina Paula nació en Buenos Aires en 1979, es autora y directora. Sus últimas obras como autora y directora son Cimarrón en teatro, y la película De nuevo otra vez.