sábado, 12 de octubre de 2019

Kaos Pirandello en el Teatro San Martín



El Ministro de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires Enrique Avogadro con la directora del Instituto Italiano de Cultura, la directora del Teatro Coliseo, el director de Kaos Pirandello y los curadores de la muestra de fotografías presentada en la Fotogalería 
(Buenos Aires)
Ayer arrancó  Kaos Pirandello, con dirección general  de Vincenzo Pirrotta en el Teatro San Martín. Hubo diversas actividades que continúan  durante este fin de semana y se presentó la obra Sagra del Signore della Nave , de Pirandello en versión de Vincenzo Pirrota.
También se inauguró en la Fotogalería del teatro una muestra de fotografías relacionadas con el dramaturgo italiano Luigi Pirandello

Sagra del Signore della Nave

La obra transcurre el primer domingo de septiembre en la explanada de una iglesia rural, se desarrolla la Fiesta del Señor de la Nave. Ahí se dan cita nobles y plebeyos, religiosos y milagreros, comerciantes de todo tipo, músicos ambulantes, mujeres de mala vida, ladronzuelos, charlatanes de cualquier calaña. Hay tabernas al aire libre, mataderos y venta de carne de cerdo. Todos se atiborran de comida , se emborrachan, se ebrutecen.
En esa agitación se lleva a cabo el diálogo entre el señor Lavaccara, quien vendió su cerdo al carnicero Nicola, y el joven pedagogo. El señor Lavaccara quiere demostrar que su cerdo Nicola era inteligente (“sólo hablar, solo hablar  le faltaba”) . Más inteligente y más humano que muchos hombres “cerdos” entre todos los que estaban allí atragantándose y emborrachándose. “No y no”, dice el joven Pedagogo. “Un cerdo es un cerdo, porque come y se lo engorda para los demás. Un hombre, en cambio, por más que se comporte como un cerdo, come y engorda para sí mismo”.
La obra que fue representada en Italia en versión de Pirrota en 2005, producida por el Teatro de Roma, es un grotesco pirandelliano llevado al exceso. Según Vincenzo Pirrota, gracias al grotesco es posible llegar un poco más al fondo del alma de las personas y de los personajes. Y mucho más con un texto en el que aparece un fuerte contraste entre pecado y espiritualidad.
El espectáculo se divide en dos partes, en principio la feria que congrega a todos esos personajes grotescos; luego la reflexión sobre la naturaleza del hombre, en una catarsis más metafísica que no descuida la acción teatral.
El cierre es un gran ritual escrito por Pirrotta, que completó con agregados al texto de Pirandello,  que parte de una oda al cerdo como si fuera un rito antiguo. El carnicero que mató al cerdo y lleva su cabeza sobre un palo que chorrea la sangre del animal como un trofeo o una demostración de devoción, la transforma en una llama dionisíaca que puede contagiar a todos los presentes hasta destruirlos. Como se desmoronan, por su parte, sobre el escenario, las cabezas colgadas de los palos que empuñan.
Luego de esta taranta ancestral, de esta danza báquica, no queda racionalidad que pueda salvar a esas criaturas de perder la cabeza.
También hay en este espectáculo – imaginado como un conjunto de procesiones – un fuerte contenido de imágenes alusivas a la religiosidad popular. La música, está relacionada con los cantos religiosos que Pirrota escuchó en su infancia.
Hay en Sagra del Signore della Nave algo de Fellini, en esos personajes, como el señor Lavaccara y su familia, entre otras cosas.
Para Pirrota, la obra es un desafío donde se muestra al espectador el abismo al que nos asomamos.

 Sagra del Signore della Nave (Fiesa del Señor de la Nave)
Es un apólogo sobre la dignidad de la naturaleza del hombre, animal noble que en ocasiones, como las fiestas populares, se animaliza. Se vuelve un cerdo, incluso, para luego recuperar su dignidad frente al símbolo del sacrificio y del dolor, frente a la imagen del Cristo Crucificado. Sobre el espectáculo dice Vincenzo Pirrotta: “Muchos me dicen que es una locura llevar a escena un texto considerado irrepresentable (en Italia se conocen solo tres puestas en escena en casi cien años, incluida la del mismo Pirandello en 1925). Pero cuando leí el texto fue para mí como un golpe en el estómago, sin dudas por esa humanidad retratada que se derrumba, por ese contraste entre la atmósfera de celebración campesina y la aparición final del Cristo sangrante. El desafío que me atraía era jugar en escena con estos contrastes trágicos, para mostrar al espectador el abismo al que nos asomamos, que hoy me parece hasta un deber civil”.
La elección de las obras de Pirandello que confluyen en las diez instalaciones del KAOS PIRANDELLO no es casual: en cada una de ellas se produce una mutación, tanto del alma como del cuerpo. Muchas de ellas hablan del universo teatral del que Pirandello fue un profundo innovador. ¿Qué mejor ejemplo que el juego del devenir, de convertirse en otra cosa? Los personajes eligen cambiar, transformarse, por elección o porque así lo demanda la sociedad. En otros, es el sentimiento el altera las situaciones, rompiendo los esquemas ordinarios y transformando el monstruo que habita dentro de cada uno. 
Vincenzo Pirrotta



Elenco
Gastón Biagioni, Mariano Caligaris, Florencia Cappiello, Gabo Correa, Nacho de Santis, Cristina Ferrajoli, Nancy Lombardo, Gaby Paez, Mariela Passeri, Emilio Spaventa, Maximiliano Trento
Bailarines
Alejandro Alonso, Braian Bre, Carla Bugiolacchi, Paz Corinaldesi, Debon Darío,  Rodrigo García, Maya Jimenez, Efrain Rada, Armando Ressi, Lara Rodríguez
Músicos
Manuel Delrío (trombón y guitarra), Juliana Fernández (acordeón), Bruno Lo Bianco (percusión), Gonzalo Pereyra (trompeta)

Arreglos y reposición de música: Nahuel Carfi
Música Ramberto Ciammarughi
Reposición diseño de iluminación Magdalena Berretta Miguez
Reposición diseño de vestuario Lucila Rojo
Reposición diseño de escenografía Isabel Gual
Director asistente Leonardo Kreimer
Dirección Vincenzo Pirrotta


Este fin de semana (sábado 12 y domingo 13 de octubre) el Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) tendrá las siguientes actividades:

ESTACIONES DEL KAOS
Hall Central Alfredo Alcón y otros espacios del teatro
Sábado 12 y domingo 13 a las 16.30 y a las 21.30 hs.
Entrada libre y gratuita (sujeta a la capacidad del lugar)
Duración (aproximada): 60 minutos.

L’UOMO DAL FIORE IN BOCCA E NELLA MIA CARNE (EPILOGO IN SETTE MOVIMENTI)
Espectáculo con sobretitulado en español
Sala Cunill Cabanellas
Sábado 12 y domingo 13, a las 18 hs.
Platea: $300.
Duración (aproximada): 60 minutos.

SAGRA DEL SIGNORE DELLA NAVE
Espectáculo en español
Sala Martín Coronado
Sábado 12 y domingo 13, a las 19 hs.
Platea: $280. Pullman: $ 210.
Duración (aproximada): 60 minutos.

LOS PIRANDELLO
LA FAMILIA Y LA ÉPOCA EN IMÁGENES
Fotogalería
Sábado 12 y domingo 13, de 12 a 21 hs.
Entrada libre y gratuita (sujeta a la capacidad del lugar)

jueves, 3 de octubre de 2019

Ritual Electroandino: En el día de la Diversidad Cultural DYA - Desierto y Agua presenta junto al Museo Histórico Nacional



DYA - Desierto y Agua 
DYA - Desierto y Agua en uno de sus espectáculos 


Andrea Feiguin integrante de DYA - Desierto y Agua 



(Buenos Aires) 

Ritual Electroandino es una una ceremonia participativa, musical y audiovisual que  presentará el sábado 12 de octubre a las 16 con entrada gratuita - capacidad limitada - con  el Museo Histórico Nacional  DYA - Desierto y Agua.
Para celebrar el Día de la Diversidad Cultural se Invita a vivir una experiencia única un Ritual Electroandino, para esto se solicita a los asistentes llevar una piedra para formar una "apacheta" al ingreso (en caso de no llevar cuentan  con algunas para provisionar a los asistentes), como símbolo de ofrenda a la madre tierra, antes de comenzar el viaje ritual musical y audiovisual.

Podrán participar dentro de la sala quienes lo deseen activamente, la ceremonia se divide en los 4 elementos: agua, tierra, fuego y aire y cada elemento a su vez tiene un totem de la cosmovisión andina que le representa. Será complementado con una proyección visual elaborada por el Licenciado en Artes Multimediales Pablo A. Varela sobre la escena, pintando con un efecto holográfico la acción artística.
Desierto y Agua fusiona INSTRUMENTOS INDÍGENAS DE SUDAMÉRICA con música electrónica orgánica, y sus líricas son en relación al cuidado de la tierra y la igualdad entre las personas.

Podés escuchar sus producciones acá:



                                                         

Se invita  a visitar antes de la ceremonia el maravilloso Museo Histórico Nacional, especialmente la sala con 1033 piezas de arte precolombino, proveniente de la colección privada de Nicolás García Uriburu, y cedida al Estado por su hija Azul.
Antes de la llegada de los españoles a América, en 1492, distintas culturas ya se habían desarrollado desde México hasta el Cono Sur, dejando huellas permanentes en lo que hace a escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalista y pintura. Pero más allá de las expresiones artísticas, sus creaciones nos permiten tener conocimiento de la vida cotidiana de nuestras civilizaciones originarias. A esas realizaciones artísticas e intelectuales, desde una perspectiva eurocéntrica, se las conoce como Arte Precolombino.   
Museo Histórico Nacional
Defensa 1600
Ciudad Autónoma de Buenos Aires 

prensa:

Desierto y Agua:


jueves, 26 de septiembre de 2019

Happyland, de Gonzalo de María en el Teatro San Martín

foto: Carlos Furman

Gonzalo Demaría foto;Carlos Furman
Alfredo Arias foto: Carlos Furman 

(Buenos Aires)

En la Sala Casacuberta del Teatro San Martín se estrenó la obra Happyland de Gonzalo Demaría dirigida por Alfredo Arias.
Happyland es una sátira  con elementos de  music hall que tiene como personaje principal a Isabel Martínez de Perón – su verdadero nombre es María Estela Martínez de Perón – quien se convirtiera en la primera presidenta de la Argentina al morir Juan Domingo Perón en el año 1974. Por elecciones María Estela Martínez de Perón había sido elegida como vicepresidenta al integrar la fórmula Perón-Perón.
Happyland  se desarrolla en un tono carnavalesco, donde los fantasmas de los muertos aparecen y dialogan con los vivos. Los escenarios son la residencia El Mesidor donde la expresidenta estuvo presa durante más de cinco  años por orden de la Junta Militar que la derrocó en marzo de  1976, y un cabaret, llamado Happyland  ubicado en Panamá. La obra gira alrededor de un mito ya que la historia de Isabel es poco conocida y los historiadores no han podido develarla. (1) (2)
Al respecto cito un párrafo de la entrevista que realicé a la historiadora María Sáenz  Quesada en ocasión de publicar su libro Isabel Perón – La Argentina en los años de María Estela Martínez, editorial Planeta.

"...María Sáenz Quesada:
“…Podrían profundizarse los aspectos que necesitan una prueba documental, por ejemplo el tema de cómo llegó realmente Isabel a conocer a Perón.

Araceli Otamendi

-Es interesante esto último porque en el libro se dice que Isabel es una enviada o parece ser una enviada desde la Argentina para conectarse con Perón.

María Sáenz Quesada:

-La persona que me dio esta versión, Landajo había sido secretario de Perón en Panamá. De modo que es un testigo de aquella época. Desde luego es alguien que no la quiere a Isabel y que me dio esta versión que creo yo que hay que seguir trabajando porque parece verosímil que los servicios del gobierno argentino en colaboración o no con servicios del gobierno de los Estados Unidos siguieran la actividad del ex presidente Perón cuya capacidad de movilización de las masas era muy grande - que hubiera sido derrotado no significaba que fuera una persona muerta y en política eso se sabe-. Y que buscaran a alguien que no era realmente una copera como se dijo tantas veces sino una muchacha independiente, bastante rebelde, de clase media que quiso hacer su vida y que seguramente le pudo haber ido mal en esa gira artística que emprendió. Lo que sí está claro es que Perón rápidamente aceptó a esta persona, a esta joven que era tan necesaria para un hogar donde había hombres, suboficiales, y gente que realmente necesitaba una presencia femenina y que valorara susu lealtad en circunstancias muy difíciles, cuando Perón estaba exiliado en Caracas y hubo desde un atentado del gobierno argentino antiperonista, de la “Revolución libertadora” y luego cuando la caída del dictador Pérez Jiménez que lo había protegido hasta entonces. Isabel estaba con Perón y no lo abandonó. Ella fue leal y Perón, ya sabemos, eso es lo que realmente valoraba….”(1)

 En el tono carnavalesco de la obra Eva Perón, de Copi,  que vi representada en Buenos Aires hace varios años en un pequeño teatro de San Telmo,  transcurre esta pieza, donde algunos se acercarán al mito y otros recordarán sucesos trágicos. El mismo Alfredo Arias que dirige Happyland en el Teatro San Martín fue el encargado de la puesta en escena de Eva Perón, de Copi en 1970, en el teatro de l´ÉPée de Bois, con el grupo TSE, y escenografía de Roberto Plate, vestuario de Juan Stopani y las actuaciones de Facundo Bo, Marucha Bo, Phillipe Bruneau, Jean-Claude Drouot y Michéle Moreti.
La pieza tuvo un enorme éxito y sufrió un atentado durante su representación. No hubo heridos pero el teatro quedó muy dañado. La obra siguió en cartel aunque con custodia policial. Desde entonces Copi tuvo prohibida su entrada en la Argentina hasta 1984. (3)
El elenco de Happyland  está integrado por Carlos Casella, María Merlino, Marcos Montes, Adriana Pegueroles, Alejandra Radano y Josefina Scaglione. La asistente de escenografía es Emilia Pérez Quintero, la asistente de vestuario es Analía Morales, la asistencia artística es de Luciana Milione y Estefanía Florez Bernal, el diseño de sonido y música original es de Axel Krygier, el diseño de iluminación es de Paula Fraga, el diseño de vestuario es de Julio Suárez, y el diseño de escenografía es de Julia Freid.
Isabel joven está interpretada por Josefina Scaglione e Isabel por Alejandra Radano.
Es muy bueno el trabajo de todo el elenco.

Las funciones se ofrecerán de miércoles a domingos a las 20.30 .


Duración: 90 minutos

SOBRE EL DIRECTOR

Alfredo Arias nació en Buenos Aires. Participó en el movimiento artístico del Instituto Di Tella como artista plástico y puestista. Vive en Francia, pero en los últimos años ha presentado con frecuencia sus trabajos en Argentina: Tatuaje, Deshonrada, Cinelandia, Divino Amore. Sus creaciones se desplazan del repertorio clásico -Shakespeare, Goldoni, Aristófanes- a su escritura personal, o a la continuidad de diversas colaboraciones con autores contemporáneos. Su actividad diversificada lo ha llevado de la ópera al music hall sin alejarse de sus experiencias audiovisuales en cine o televisión. Alfredo Arias ha exaltado en sus obras numerosos mitos de la cultura argentina: Eva Perón, Nini Marshall, Doña Petrona C. de Gandulfo, Miguel de Molina, Fanny Navarro.




Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

Bibliografía:
(1)Entrevista a la historiadora María Sáenz Quesada por Araceli Otamendi, publicada en la revista Archivos del Sur

 (2)María Sáenz Quesada, La primera presidente, Isabel Perón una mujer en la tormenta, editorial Sudamericana, Buenos Aires, 2016


 (3)Copi, Eva Perón, editorial Adriana Hidalgo, Buenos Aires, 2007

Miguel Bonasso, El presidente que no fue, editorial Planeta, Buenos Aires, 1997


domingo, 22 de septiembre de 2019

Se estrenó Danza macabra, el clásico de August Strindberg en el Teatro Regio

Leonor Manso y Antonio Grimau 
Analía Fedra García 


Antonio Grimau, Leonor Manso y Gustavo Pardi

(Buenos Aires)

Se estrenó Danza macabra, el clásico de August Strindberg en el Teatro Regio.
La nueva versión de Danza macabra es de Analía Fedra García quien también la dirige y ha traducido del alemán.  La traducción del sueco al alemán es de Emil Schering
Con un elenco integrado por Leonor Manso, Antonio Grimau y Gustavo Pardi, y la musicalización en escena de Gustavo García Mendy, la obra indaga en el vínculo tormentoso de un matrimonio, Alicia y Edgardo, que cumple sus bodas de plata. Ella es una actriz que ha dejado su carrera hace muchos años. El es un capitán del ejército, que está estancado en su carrera y además es alcohólico. Los hijos ya han dejado  la casa y los personajes se encuentran solos, aislados y reviven permanentemente los problemas personales y  de la pareja.  La irrupción después de muchos años sin verse de un primo de Alicia, Kurt, quien presentó a  Alicia y Edgardo, en la vida de estos dos personajes aumenta los conflictos de la relación.
Edgardo, el capitán, es un personaje manipulador del que nunca se sabe si
dice la verdad o miente. Alicia no se queda atrás en lo conflictivo pero depende económicamente de Edgardo.
Kurt llega para asumir un cargo de responsabilidad  y arrastra su propia historia con un matrimonio deshecho.
La relación de Alicia y Edgardo oscila del amor al odio sin ningún tipo de lógica. Son personajes impulsados y cegados por sus pasiones que apenas pueden razonar acerca de sus sentimientos.
Esta obra de Strindberg fue escrita en 1900, y retrata una situación donde las mujeres no tenían tantas alternativas como en la actualidad  para afrontar la  vida y sus dificultades.
La interpretación de Leonor Manso, Antonio Grimau y Gustavo Pardi  es excelente y también se destaca la musicalización en escena de Gustavo García Mendy quien está a cargo del diseño sonoro.
Además participan: Julieta Sirvén y Catalina Telerman (coordinación de producción), Mariano Fernández (producción técnica), Cecilia Acosta y Mauro Oteiza (asistencia de dirección), Lara María Treglia (asistencia de escenografía). 
Juan Pablo Sierra (asesoramiento corporal y coreografía), Marco Pastorino (diseño de iluminación), Paula Molina (diseño de vestuario) y Rodrigo González Garillo (diseño de escenografía).

AUGUST STRINDBERG
August Strindberg (Estocolmo, 1849-1912) es, junto con Henrik Ibsen y Antón Chejov, uno de los precursores del teatro contemporáneo. Tuvo una vida atormentada y conflictiva, y produjo una obra vasta que incluye, además de obras teatrales, novela, cuento, historia, filología, trabajos sobre magia y alquimia, y textos autobiográficos como El hijo de la sierva (1886). En su dramaturgia, aparecen desde el historicismo de cuño romántico y el realismo naturalista hasta el simbolismo y el expresionismo. Entre otras obras insoslayables, escribió El padre (1887), La señorita Julia (1888), las tres partes de Camino de Damasco (1898-1904), Sonata de espectros (1908) y El pelícano (1908).

ANALÍA FEDRA GARCÍA
Estudió violín y canto en el Conservatorio Julián Aguirre y se formó como actriz en Andamio 90 y en el  CELCIT (Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral). Es licenciada en dirección escénica por la UNA (Universidad Nacional de las Artes) y doctoranda en Artes (Universidad Nacional de La Plata). Se desempeña como docente de dirección teatral y actuación (Universidad Nacional de las Artes y Universidad Nacional de San Martín). Obtuvo una beca para asistir a seminarios intensivos de dirección escénica en la XIII Edición de los Schillertage en Mannheim, Alemania, en 2005. Fue becada para asistir durante el proceso de montaje y dirección de Leonce und Lena de Georg Büchner, bajo la dirección de Jan Bosse, en el Teatro Maxim Gorki de Berlín, en 2009. Como directora, se destacan sus montajes de Chiquito de Luis Cano, El nombre de Jon Fosse, Greek de Steven Berkoff, Muchas felicidades de Francisco Urondo, Noche de reyes de William Shakespeare, Las patas en las fuentes de Leónidas Lamborghini, El tiempo abundante de la noche con dramaturgia propia, Camaradería de August Strindberg, Relojero de Armando Discépolo, entre otros. Sus puestas han recibido nominaciones a los Premios ACE, Trinidad Guevara, María Guerrero y Florencio Sánchez (actuación, mejor obra y dirección). Ha obtenido el premio ACE y María Guerrero a Mejor dirección por Greek y premio ACE a mejor obra dramática por Relojero.




Las funciones son de miércoles a sábados a las 20.30  y los domingos, a las 20. 

Los días sábado 28 de septiembre, domingo 6 y viernes 11 de octubre, se ofrecerán funciones accesibles del espectáculo, con servicios de aro magnético individual, sonido amplificado, audiodescripción, audiointroducción y programa de mano en braille.
Duración: 90 minutos

Teatro Regio
Av. Córdoba 6056
Ciudad Autónoma de Buenos Aires











viernes, 13 de septiembre de 2019

Se realizó la conferencia El devenir de la cultura en Caras y Caretas



(Buenos Aires)

El pasado lunes 9 de septiembre se realizó en Caras y Caretas la conferencia El devenir de la cultura que tuvo como eje central la gestión teatral en el escenario actual, las nuevas dinámicas de producción y los desafíos que presenta la realización teatral.  Con entrada libre y gratuita asistieron cientos de personas. 

El encuentro reunió a los artistas hacedores de la programación 2019 del teatro: Norman Briski, Gabriel Chamé Buendia, Mauricio Kartun, María Onetto, Pedro Saborido, entre otros artistas, y contó con la moderación de la periodista especializada en teatro, Sandra Commisso. 



Norman Briski planteó la complejidad del abordaje de la cuestión cultural, y destacó el fenómeno de Caras y Caretas 2037, como espacio de "diversidad teatral". El director de "Potestad" dijo que "la cultura es la lucha, que es cruel, y es mucha" en referencia a la actualidad argentina. También analizó que la alianza "entre la invención y su rentabilidad" siempre es un tema difícil de abordar, y apeló a pensar el trabajo creativo desde "el carácter de la denuncia o revisión de las cosas".

Gabriel Chamé Buendia valoró la posibilidad de pensar colectivamente en el teatro, y destacó la posibilidad de "subvención de la cultura" que se da en Caras y Caretas 2037 con entradas muy baratas. Habló de la grieta entre el teatro comercial y el teatro independiente, y de la dificultad de acceder al teatro oficial. También puntualizó en como "el teatro independiente se recicla constantemente a precio del sacrificio". Y destacó la "dimensión poética" de la programación teatral de la sala, por sobre una lógica realista o reivindicativa.

Mauricio Kartun jerarquizó la vigencia del teatro. Pensando el futuro habló de una sensación de "cierto optimismo" acerca del teatro dentro de la cultura, y que se vienen "épocas mejores". Según indicó, el teatro "es una de las grandes ceremonias" alrededor de un relato público (al igual que el cine). Y planteó la hipótesis de que el cine monopolizó ese relato -en desplazamiento del teatro- hasta la aparición del streaming. En ese sentido, su planteo habló de la vigencia del teatro, como "el único lugar donde permanece un público frente a un relato", siempre generando el "acto de sorpresa". El director expresó que el teatro es "el último de los rituales frente a una narración que sostiene un tiempo real y un punto de vista único".
Por otra parte, Kartun destacó al espacio Caras y Caretas 2037 como experiencia única, en tanto que es un teatro que "hace producción en el marco de una universidad", y que esa universidad "depende de una organización de trabajadores" y que lo hace "sin fin de lucro" pensando en una cultura colaborativa.

María Onetto destacó la "vitalidad y lucha del sector cultural" en la actualidad, y puntualmente de la experiencia en la sala Caras y Caretas 2037 y el "alto nivel de creatividad" que existe. También expresó el orgullo que le produce el éxito de "Potestad", la primera producción original de la sala, que fue un gran riesgo "frente a la puesta original de Pavlovsky". La actriz finalmente reflexionó sobre la importancia de que el Estado pueda generar mayor apoyo económico a los artistas.

Pedro Saborido retomó la idea del "optimismo" en el quehacer teatral, comparándolo como un "camión que todos empujamos sin saber a donde va". Con mucho humor, analizó la idea de "experiencia" que implica el momento de ir al teatro, y que muchas veces requiere "romper el confort" de gestionar todos los consumos culturales desde el teléfono móvil. También reflexionó sobre la oportunidad de hacer "algo inusitado en el teatro" aunque no implique un negocio económico.
Del encuentro participaron Marcelo Melingo y Horacio David, responsables de la Dirección Artística y Producción Ejecutiva de Caras y Caretas 2037. También estuvieron presentes Martín Pavlovsky, Rafael Bruza, Tony Lestingi, Claudio Martinez Bel, Matías Bassi, Gabriel Beck, Elvira Gómez y Martín López Carzolio, como parte de las obras "POTESTAD", "TERRENAL", "OTHELO", "LA KERMÉS 2037".

lunes, 2 de septiembre de 2019

Teatro x la identidad en Septiembre



(Buenos Aires)


Festival de teatroxlaidentidad – Teatro Nacional Argentino - Teatro Cervantes – Del 4 al 8 de septiembre

Nuevamente este año se llevará a cabo el esperado Festival de Teatroxlaidentidad, donde habrá espectáculos teatrales para adultos y niñes y también música y desfile callejero. Se estrenará la nueva producción de “Idénticos”. Como siempre esta es una iniciativa de la Comisión de txi para llevar un gran mensaje a la población, en apoyo a la tarea que arduamente realizan las Abuelas de Plaza de Mayo por recuperar a sus nietos. Con entrada libre y gratuita. Programación en http://teatroxlaidentidad.net/

Idénticos en teatroxlaidentidad – Teatro El Nacional – Desde el lunes 9 de septiembre

El gran espectáculo de 13 micromonólogos, protagonizado por grandes artistas y con reconocidos autores y directores, con selección de textos de Mauricio Kartun y dirección general de Daniel Veronese.
Luego del concurso dramatúrgico de donde surgieron los 13 micromonólogos, estos son los que se presentarán a partir del lunes 9 de septiembre a las 20 horas, y por todos los lunes de septiembre y octubre con entrada libre y gratuita, en el Teatro El Nacional:
LA DUDA - Actúa: Dalia Gutman (septiembre) Malena Guinzburg (octubre) / Dirección: Mariela Asensio. Autor: Santiago Varela - Malena Guinzburg.
VENCERE - Actúa: Vicky Almeida. Dirección: Maruja Bustamante. Autor: Daniel de Pace
APOSTASÍA - Actúa: Marina Bellati. Dirección: Mercedes Scapola. Autor: Facundo Zilberberg
NUESTRA CARA - Actúa: Melina Petriella. Dirección: Lorena Vega. Autor: Javier Pomposiello
LA VOZ - Actúa: María José Gabín. Dirección: Claudio Martínez Bel. Autor: Mariano Saba
LEÑA - Actúa: Coco Sily. Dirección: Roman Podolsky. Autor: Javier Pomposiello
CURATE GERARDO - Actúa: Alejandro Viola. Dirección: Maruja Bustamante. Autor: Alejandro Lifschitz
EL QUE LLORA ÚLTIMO - Actúa: Daniel Fanego. Dirección: Gonzalo Martínez. Autor: Mariano Saba
LUCY - Actúa: Moro Anghileri. Dirección: Cristian Drut. Autora: Anabella Valencia
FOTOS - Actúa: Malena Sánchez. Dirección: Edgardo Millán. Autora: Silvina Melone
A NIVEL DEL MAR - Actúa: Iair Said. Dirección: Ignacio Sánchez Mestre. Autor: Alejandro Turner
KONMARI - Actúa: Alejandro Fiore. Dirección: Fabián Vena - Pepe Arias. Autor: Pablo dos Reis
COMENTAME ÉSTA - Actúa: Todo el elenco. Dirección: Daniel Veronese. Autora: Mariana Cumbi Bustinza
Música en vivo: Esteban Morgado


Instituciones o escuelas que quieran reservar lugar pueden mandar mail



Funciones: Lunes de septiembre y octubre a las 20 horas / Entrada libre y gratuita
Las entradas se retiran a partir de una hora antes en la boletería del teatro el día de cada función.
Teatro El Nacional – Av. Corrientes 960 – CABA