miércoles, 18 de diciembre de 2019

El Complejo Teatral de Buenos Aires presentó la Temporada 2020




Jorge Telerman, Horacio Rodríguez Larreta y Enrique Avogadro (de izquierda a derecha)

Enrique Avogadro y Jorge Telerman 


(Buenos Aires)

Jorge Telerman, Director General del Complejo Teatral Buenos Aires presentó la Temporada 2020 en el Hall Alfredo Alcón del Teatro San Martín, con la presencia del Jefe de Gobierno de la Ciudad, Horacio Rodríguez Larreta, el Ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro y actores, actrices, directores y medios de prensa.
"La próxima temporada estará atravesada por un foco nacional sobre la Argentina y lo argentino", destacó Telerman y enfatizó: “un camino de reflexión sobre la identidad de nuestro país que atravesará las salas del Complejo Teatral. Este programa se desplegará en varias temporadas, en la programación de los próximos años”.
Algunos espectáculos en esta línea serán  Luz mala, dirigido por Pablo Rotemberg, El tiempo que no me di, dirigido por Paula y María Marull; Las Ciencias Naturales y Las cautivas, las dos primeras obras de una tetralogía en residencia que realizará Marian o Tenconi Blanco con la Compañía Teatro Futuro. Se presentará también una retrospectiva de la obra de Mariana Chaud en el programa Artista en residencia, junto con el estreno de Pequeña Pamela en el Teatro Sarmiento. 
Dentro del Foco Nacional, volverán La vis cómica, dirigida por Mauricio Kartun y Happyland, dirigida por Alfredo Arias. Entre Lo mejor del CTBA,  se presentarán algunas de las producciones más reclamadas por el público de los últimos cuatro años del Complejo Teatral, que afirma así su voluntad de ser tanto teatro de producción como teatro de repertorio. Hamlet, dirigido por Rubén Szuchmacher; El porvenir (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín), dirigido por Eleonora Comelli, Recuerdos a la hora de la siesta, dirigido por Emiliano Dionisi; La biblioteca de los libros desordenados (Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín), dirigido por Román Lamas y La isla desierta (Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín), dirigido por Adelaida Mangani.

El Foco Manuel Puig consistirá en la reposición de Cae la noche tropical, con dirección de Pablo Messiez, con Leonor Manso e Ingrid Pelicori; Boquitas pintadas, dirigida por Oscar Araiz y Renata Schussheim, en una nueva versión del espectáculo estrenado en el Teatro San Martín en 1997. Se ofrecerá también una instalación visual junto a intervenciones de personajes de Puig en todo el teatro, un ciclo de cine en la Sala Lugones y charlas en el Hall Alfredo Alcón, tal como se realizó durante la temporada 2019 con Pirandello durante la temporada Italia in scena.

Por otra parte, se estrenarán espectáculos que parten de biografías y bio-ficciones de mujeres destacadas: ¿Quién es Clara Wieck? , dirigida por Betty Gambartes y Diego Vila, sobre Clara Wieck-Schumann; El amo del mundo, dirigida por Francisco Lumerman, alrededor del texto de Alfonsina Storni; ¡Recital Olímpico! dirigida por Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas, en la indagación del cruce epistolar entre Nika Turbina -poeta ucraniana- y la atleta rumana Nadia Comaneci. Además, las responsables artísticas de los teatros del CTBA dirigirán en el Teatro San Martín. Vivi Tellas lo hará con Bodas de sangre de Federico García Lorca, y Eva Halac con Manos sucias, de Jean-Paul Sartre. Se estrenarán también Don Gil de las calzas verdes, el clásico de Tirso de Molina dirigido por Pablo Maritano, que reflexiona sobre el género de mil modos distintos, y Vassa, a  partir de la obra de Máximo Gorki, con dirección de Felicitas Kamien. 

El director general y artístico del Complejo Teatral de Buenos Aires repasó algunos hitos del periodo 2016-2019. Entre ellos, la reapertura del Teatro San Martín a mediados de 2017, la reapertura del Teatro de La Ribera, el afianzamiento de la identidad del Complejo Teatral, con un perfil curatorial por teatro. Además, el regreso a las grandes producciones y el pleno funcionamiento de la estructura y dinámica de “teatro-fábrica”, con un abordaje integral del hecho artístico y el pleno funcionamiento de sus elencos estables, el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín y Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Se creó el Área de Formación y regresaron las temporadas internacionales, que tuvieron como países invitados a Francia, Gran Bretaña, Uruguay e Italia, con 22 espectáculos, conciertos y otras actividades. El proyecto Teatros Accesibles, desarrollado junto a la Fundación Amigos del Teatro San Martín, y que contempla adaptaciones edilicias y comunicacionales, incrementará sus funciones inclusivas en 2020, destinadas a contribuir a la plena participación en la vida cultural de las personas con discapacidad. 

Jorge Telerman destacó que “el teatro público debe recorrer con igual énfasis e interés los textos clásicos -argentinos y universales- y también los que experimentan y desarrollan nuevos lenguajes, que expresan una rica tensión entre la tradición y la innovación. Las obras que se muestran en nuestras salas son las representaciones de un concepto de teatro público que busca ser masivo, experimental, innovador, clásico, crítico y abierto, que desde la ciudad de Buenos Aires se proyecta a toda la Argentina, a toda la región y al mundo. Su vocación es la de representar en sus salas los acontecimientos, las ideas, los conflictos, los desafíos y las aspiraciones presentes, aquí y en el mundo, en nuestra historia y nuestro tiempo.” Para finalizar, afirmó que “el teatro es una fiesta popular, con capacidad vital formadora y transformadora, por eso celebramos el encuentro, la posibilidad de reflexionar en todas las salas, pasillos y escenarios sobre nuestros conflictos y nuestra identidad”.

"El Teatro San Martín y todo el Complejo Teatral de Buenos Aires no paran de crecer y nos ofrecen una nueva temporada con las mejores obras y el talento de miles de artistas para que disfrutemos todos. Esta es otra manera de acompañar el esfuerzo de los vecinos con propuestas culturales de calidad que estén al alcance de todos", aseguró el jefe de gobierno porteño, Horacio Rodríguez Larreta.

Por su parte, el ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro, sostuvo que “el teatro público tuvo una temporada por demás exitosa otorgando un valioso impulso a la vida teatral de Buenos Aires. Y esta oferta de calidad fue premiada con una gran respuesta de los ciudadanos que agotaron entradas en casi todas las funciones. El Complejo con todas sus propuestas es un ejemplo de nuestra visión cultural: de calidad, accesible y descentralizada”.








sábado, 23 de noviembre de 2019

Se estrenó Macbeth con el Ballet contemporáneo del Teatro San Martín y dirección y coreografía de Alejandro Cervera






(Buenos Aires)

Se estrenó “Macbeth” con el ballet contemporáneo del Teatro San Martín,coreografía y dirección de Alejandro Cervera sobre la obra de William Shakespeare.
Con un gran despliegue en escena, excelente vestuario y coreografía, esta versión de una de las tragedias del dramaturgo inglés se acerca a la cuestión planteada en la obra: la ambición desmedida por el poder de una figura dirigente de un país, que está convencido de que el poder le corresponde por derecho y decide, de manera desastrosa ganarlo por la violencia.
Para consolidar esta autoridad organiza las muertes no sólo de rivales o colegas, sino también, a medida que las cosas se descontrolan, de niños e inocentes.
Un estado construido mediante la violencia contra el “enemigo exterior” se convierte entonces en el “enemigo interior”, y degenera al punto de que el líder llega a ordenar a sus  esbirros “ahorcar a aquellos que hablen de temor”. Con muchas dificultades la oposición logra agruparse y luego de una terrible batalla el país es una vez más puesto en libertad.
Son muy buenas las interpretaciones de los personajes Macbeth, Lady Macbeth y  las tres "brujas”. Estas últimas son personajes que Shakespeare presenta en Macbeth de manera incómoda demasiado cerca de las fanáticas denuncias por brujería comunes en Europa por la época de la obra.
Lady  Macbeth, posee cada una de las cualidades de su marido pero en exceso: orgullo, pocos escrúpulos, superstición.
Shakespeare se inspiró en las Crónicas de Holinshed, para escribir Macbeth. Estas crónicas dedican dos párrafos a Macbeth, un legendario guerrero escocés que consiguió el trono mediante asesinatos, fue a su vez muerto y lo sucedió el hijo de una de sus víctimas. Este hijo es Fleance, reputado ancestro del rey Jacobo, ante quien la obra de Shakespeare se representó por primera vez.
Se hicieron varias versiones de esta tragedia  y en el siglo XX son recordadas la puesta de Orson Wells en 1936 o la versión de infierno existencialista de William Gaskill en 1966 con Alec Guiness y Simone Signoret. Otra versión aclamada fue la de Trevor Nunn para la RSC en 1976, con Ian McKellen y Judi Dench en los roles protagónicos.
Otras versiones son las filmadas por la versión muda de D. W. Griffith en 1906, la adaptación de Orson Wells en 1948, hasta Trono de sangre, de Kurosawa en 1957.
Es muy destacable la dirección musical de Zypse y acertada la música en escena y la iluminación y escenografía.

En la Sala Martín Coronado




Asistente de escenografía: Juan Selva. Asistente de vestuario: Analía Morales. Asistente de iluminación: Cristian Gadea. Asistente de coreografía y dirección: Paz Corinaldesi.
Músicos en escena: Arauco Yepes, Lautaro Molina Blasina, Luciano Slaibe y Francisco Molinos.
Dirección musical y música original: Zypce.
Diseño de iluminación: Omar Possemato.
Diseño de vestuario: Julio Suárez.
Diseño de escenografía: Laura Copertino.

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín está dirigido por Andrea Chinetti y codirigido por Miguel Angel Elías.
martes a las 20 hs., y los jueves, sábados y domingos a las 15 hs. 

Duración (aproximada): 75 minutos.

Espectáculo sugerido para mayores de 16 años.

SOBRE LA OBRA
“Si bien la ambición adquiere formas más sutiles y sofisticadas en las sociedades de nuestro tiempo, por momentos, la ferocidad y la brutalidad agazapadas dejan de esconderse y aparecen listas para dar el zarpazo. El gran mecanismo del poder y la pesadilla del asesinato son la esencia de Macbeth. Matar. No se puede dejar de matar hasta la propia muerte.”  
Alejandro Cervera.

SOBRE EL DIRECTOR
Alejandro Cervera. Músico, régisseur y coreógrafo argentino, realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Municipal Manuel de Falla, y los específicos de su carrera de danza en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y en la Escuela de Danza Contemporánea que dirigiera Oscar Araiz. En forma independiente trabajó con los maestros Ilse Wiedmann, Wassil Tupin, Norma Binaghi, Renate Schotellius, Ana María Stekelman, Betty Jones, Jennifer Muller y Miguel Ángel Soto. Coreógrafo invitado en el Ballet Contemporáneo y Ballet Juvenil del Teatro San Martín, Ballet Estable del Teatro Colón, Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata, Ballet Oficial (Córdoba), Taller Coreográfico de la UNAM (México), Dayton Contemporary Dance Company (USA), Luna Negra Dance Theatre (USA), Ballet Hispánico de Nueva York (USA) y Ballet Argentino / Julio Bocca, entre otras compañías de danza. Como régisseur ha montado Las Indias Galantes, Idomeneo y El Conde de Luxemburgo para el Teatro Colón de Buenos Aires; La Traviata, Tosca, Turandot y Eugenio Oneguin para el Teatro del Libertador San Martín de Córdoba; I Pagliacci para el Teatro del Círculo de Rosario; Armida para la Compañía de las Luces y Dido y Eneas para la Universidad de B.A. y Carmen para el Teatro San Martín de Tucumán. La trayectoria y la obra de Alejandro Cervera han recibido los auspicios del United States Information Service (Intercambio Profesional / New York 1986) American Dance Festival 1986/87 y del Ministerio de la Cultura de Francia (Séjour Culture / París 1997). Entre otras distinciones ha recibido los premios ACE, María Ruanova 2009 y Teatro del Mundo 2018. Se ha desempeñado como Director Asociado del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Director del Ballet del Sur de Bahía Blanca, Director Ejecutivo de Prodanza (Ministerio de Cultura, GCBA) y Director Artístico del Ballet Oficial de la Provincia de Córdoba.

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

bibliografía: McLeish-Unwin, Shakespeare, una guía, Adriana Hidalgo editora


domingo, 3 de noviembre de 2019

Campo minado, espectáculo de Lola Arias en el Teatro San Martín

Marcelo Vallejo, soldado argentino  voluntario en la Guerra de Malvinas y performer
en Campo minado 
los performers



(Buenos Aires)

Muchas obras se han escrito y filmado sobre el tema Guerra de Malvinas*.
El jueves 31 de octubre se estrenó Campo minado en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín.  El tema de Campo minado es la Guerra de Malvinas, el conflicto bélico que  mantuvieron la Argentina y el Reino Unido en 1982 por la soberanía de las Islas Malvinas, Georgias del Sur y Sandwich del Sur. Las islas fueron usurpadas  por el Reino Unido en 1833 y el archipiélago fue dominado desde entonces por el Reino Unido, algo nunca aceptado por la Argentina que las sigue reclamando como parte integral e indivisible de su territorio. El saldo que dejó la Guerra de Malvinas para la Argentina fue de más de seiscientos muertos, más de mil heridos y numerosos ex soldados padecieron secuelas psicológicas y  se suicidaron después de la guerra.
Sólo en el hundimiento del Crucero General Belgrano de la flota argentina murieron más de trescientos hombres.
En este espectáculo de Lola Arias, un grupo compuesto por tres veteranos argentinos y tres ingleses recuerdan la guerra y cada uno aporta su propia historia. Considerando lo que dice la escritora británica P.D. James acerca de la memoria en su libro “La edad de la franqueza” :
“…Y el pasado no se mantiene estático. Sólo puede revivirse en la memoria, y la memoria es un mecanismo que nos permite tanto olvidar como recordar. Tampoco es inmutable. Redescubre, reinventa, reorganiza. Como un pasaje en prosa, puede ser revisado y vuelto a puntuar. En cierta medida, toda autobiografía es una obra de ficción y toda obra de ficción es una autobiografía…”.
En este caso, al ver Campo minado como un espectáculo creo  necesario tener en cuenta las palabras citadas de P.D. James.
Síntesis:
Campo minado es un proyecto que reúne veteranos argentinos e ingleses de la guerra de Malvinas para explorar lo que quedó en sus cabezas treinta y siete años más tarde. En un set de filmación convertido en máquina del tiempo, los que combatieron se teletransportan al pasado para reconstruir sus recuerdos de la guerra y su vida de posguerra. 
Lou Armour fue tapa de todos los diarios cuando los argentinos lo tomaron prisionero el dos de abril y hoy es profesor de niños con problemas de aprendizaje. Rubén Otero sobrevivió al hundimiento del Buque General Belgrano y ahora tiene una banda de tributo a los Beatles. David Jackson pasó la guerra escuchando y transcribiendo códigos por radio y hoy escucha a otros veteranos en su consultorio de psicólogo. Gabriel Sagastume fue un soldado que nunca quiso disparar y hoy es abogado penalista. Sukrim Rai fue un Ghurka que supo usar su cuchillo y actualmente trabaja como guardia de seguridad. Marcelo Vallejo fue apuntador de mortero y ahora es campeón de triatlón. Lo único que tienen en común todos ellos es que son veteranos. Pero ¿qué es un veterano: un sobreviviente, un héroe, un loco? El proyecto confronta distintas visiones de la guerra, juntando a viejos enemigos para contar una misma historia. Campo minado indaga las marcas que deja la guerra, la relación entre experiencia y ficción, las mil formas de representación de la memoria.




Campo minado,  espectáculo escrito y dirigido por Lola Arias y traducido por Daniel Tunnard  se estrenó en 2016 en el Royal Court Theatre de Londres, y ese mismo año realizó una corta temporada en Buenos Aires a sala llena. Desde su estreno, fue presentada en 36 ciudades y en numerosos festivales internacionales.
Los performers del espectáculo son Lou Armour, David Jackson, Gabriel Sagastume, Ruben Otero, Sukrim Rai y Marcelo Vallejo. La investigación y producción es de Sofia Medici y Luz Algranti, la composición musical de Ulises Conti, el Video de IDV, el diseño de sonido de Ernesto Fara, el  diseño de vestuario de Andy Piffer, el diseño de escenografía de Mariana Tirantte, el diseño de luces y la dirección técnica de David Seldes. El asistente de iluminación es Facundo David, el asistente de dirección técnica es Martín Fernández Paponi, la asistencia técnica es de Ezequiel Paredes, la asistencia de producción de Gabriela Sofía Britos, la asistencia de vestuario de Federico Castellón Arrieta, la asistencia en Gran Bretaña de Kate O’Connor y la productora asociada es Gema Films. 

“Campo minado” es una obra comisionada por LIFT y Royal Court Theatre, Brighton Festival, Universidad Nacional de San Martín, Le Quai Angers, Athens and Epidaurus Festival, Künstlerhaus Mousonturm, Theaterformen y hTh CDN Montpellier.
Con el apoyo del British Council, la Embajada de la República Argentina en Gran Bretaña e Irlanda del Norte, Arts Council England, The Sackler Trust.
Lola Arias 

Lola Arias

Es escritora, directora de teatro y cine y performer. Colabora con personas de distintos ámbitos (veteranos de guerra, ex comunistas, niños búlgaros, etc) en proyectos de teatro, literatura, música, cine y artes visuales. Sus obras transitan la frontera entre la ficción y lo real. Escribió y dirigió Mi vida después (2009), en la que seis jóvenes reconstruyen la juventud de sus padres en los 70 a partir de fotos, cartas, cassettes, ropa usada, etc.; Familienbande (2009) sobre la vida de una familia con dos madres en el teatro Kammerspiele Munich; y That enemy with in (2010) en colaboración con dos gemelas idénticas en el teatro HAU, Berlin. En Chile, estrenó El año en que nací (2012), basada en biografías de jóvenes chilenos nacidos durante la dictadura. Melancolía y Manifestaciones (2012) es un diario sobre la melancolía de su propia madre creada en Buenos Aires y estrenada en Viena en el Festival Wiener Festwochen.
El arte de hacer dinero (2013) está protagonizada por mendigos, músicos de la calle y prostitutas de la ciudad de Bremen. En colaboración con el artista Stefan Kaegi dirigió Chácara Paraíso, una instalación biográfica con policías brasileños, y Airport kids, un proyecto sobre niños internacionales en Suiza. Entre 2010 y 2012 curaron Ciudades paralelas, un festival con 8 intervenciones en el espacio público que se realizó en Berlín, Buenos Aires, Varsovia, Zúrich, Copenhagen. Campo Minado (2016), comisionado por Lift Festival, reúne a seis veteranos argentinos e ingleses de la guerra de Malvinas. Estrenada en el Gorki Theater de Berlín, Atlas des Kommunismus (2016) reconstruye el derrotero socialista en la Alemania del último siglo a través de la vida de ocho mujeres vinculadas a la RDA. Arias creó también la exhibición interdisciplinaria Doble de Riesgo (2016), en la que repasa los últimos cuarenta años de historia argentina a través de testimonios, documentos, canciones y videos; la performance duracional Audición para una manifestación (2014 – 2017) en Berlín, Atenas, Praga y Buenos Aires; y Formas de caminar con un libro en la mano (2017), un project site-specific para lectores en librerías y espacios públicos. Su primer largometraje, Teatro de guerra (2018), protagonizada por los mismos protagonistas de su proyecto Campo minado, fue seleccionada por el 68th Forum of the Berlinale Film Festival. Además, junto con Ulises Conti, compone música y toca en vivo. Grabó el disco El amor es un francotirador (2007) y Los que no duermen (2011). Publicó poesía, teatro y narrativa: Campo minado (Oberon House), Mi vida después y otros textos (Random Penguin House), Los posnucleares (Emecé), Striptease/ Sueño con revólver/ El amor es un francotirador (Entropía), Poses para dormir (Antología dramaturgias. Entropía), La escuálida familia (Libros del Rojas), Las impúdicas en el paraíso (Tsé-Tsé). Sus textos fueron traducidos a más de siete idiomas y se presentaron en festivales en todo el mundo, tales como: Steirischer Herbst, Graz; Festival d’Avignon; Theater Spektakel, Zurich; We are here, Dublin; Spielart Festival, Munich; Alkantara Festival, Lisbon; Radicals Festival, Barcelona: Under the Radar, NY. Y en espacios de arte como: Red Cat LA, Walker Art Centre Minneapolis, Museum of Contemporary Art Chicago.

Funciones: de jueves a domingos a las 20.00
Funciones accesibles: 8 y 21 de noviembre, 1º y 6 de diciembre a las 20 hs.
Última función: domingo 15 de diciembre.



*Otras notas  relacionados con la Guerra de Malvinas publicadas en la revista Archivos del Sur:

Cine: Soldado argentino sólo conocido por Dios

Exilio de Malvinas

Canal Encuentro programación especial a 31 años de la Guerra de Malvinas

Canal Encuentro estrena el documental  Informe Rattenbach





viernes, 1 de noviembre de 2019

En su 7° temporada vuelve La Wagner con dramaturgia y dirección de Pablo Rotemberg

Belén Iniesta
Paola Evelina Gallarato












Pablo Rotemberg



(Buenos Aires)

La Wagner, con dramaturgia y dirección de Pablo Rotemberg vuelve a presentarse en el Espacio Callejón desde el 3 de noviembre
los domingos a las 21.
Es la 7° Temporada en Buenos Aires, después de su última gira internacional con funciones en el Teatro Español de Madrid.


 

SINOPSIS 

En La Wagner, cuatro mujeres, como cuatro valquirias, se montan sobre la música de Richard Wagner para denunciar estereotipos y prejuicios asociados con la femineidad, la violencia, la sexualidad, el erotismo y la pornografía. ¿Y por qué unir este propósito con la música y figura de Wagner? Porque no ha habido otro compositor más polémico. Su música es de las más prodigiosas (y sensuales) que se hayan escrito. Pero su feroz antisemitismo lo ha condenado y la apreciación de su música sufrió las consecuencias. En La Wagner bizarramente se pondrán a rodar juntos estos dos universos, y la provocación entrará en contacto con lo sublime, y lo irreverente con lo consagrado.
     
Ficha técnico-artística:

Elenco: Ayelén Clavin, Bárbara Alonso, Carla Di Grazia y Carla Rímola
Música: Richard Wagner
Iluminación: Fernando Berreta
Objetos: Mauro Bernardini
Sonido: Facundo Montoya, Guillermo Juhasz
Fotografía: Hernán Paulos, Paola Evelina Gallarato
Video: Martín Berra
Prensa: Mutuverría PR
Colaboración artística: Martín Churba
Producción y Distribución: Leila Barenboim
Asistente de dirección: Natalia Ponso
Dramaturgia y Dirección: Pablo Rotemberg 

Duración: 60 minutos
     

Espacio Callejón, Humahuaca 3759, CABA
Reservas al 4862-1167 o en Alternativa Teatral
Última función: 15 de Diciembre

PABLO ROTEMBERG

Director, coreógrafo, músico y docente argentino. Es Profesor Superior de Música egresado del Conservatorio Nacional de Música Carlos López Buchardo y Licenciado en Cinematografía egresado de la Fundación Universidad del Cine/FUC. Realizó estudios de perfeccionamiento en danza, teatro y música en Argentina, Bélgica, Alemania, Francia y Estados Unidos. Sus obras se han presentado en Europa y Latinoamérica. Recibió becas y subsidios del Fondo Nacional de las Artes, de la Fundación Antorchas, del American Dance Festival/ADF, del Instituto Prodanza, del Instituto Nacional del Teatro/INT y del Instituto Proteatro. Es titular de Cátedra en el Departamento de Artes del Movimiento de la Universidad Nacional de las Artes/UNA, y dicta regularmente seminarios y workshops tanto en Argentina como en el exterior. Ha sido jurado del Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga, XXXVI Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea Instituto Nacional de Bellas Artes/INBA y la Universidad Autónoma/UAM de México. Obras recientes: La oscuridad cubrió la tierra (co-producción entre el XII Festival Internacional de Buenos Aires/FIBA y el X Festival Buenos Aires Danza Contemporánea, 2019); Savage (Compañía de Danza de la Universidad Nacional de las Artes/UNA, 2018); El cisne  salvaje (Complejo Teatral de Buenos Aires, 2018); El verdadero arte es el que no te deja ileso (CCK, 2017); Tango Alemán (Complejo Teatral de Buenos Aires, 2016); Mujeres Enamoradas (2016); La noche obstinada (Residencia artística realizada en el Centro Cultural Gabriela Mistral/GAM, Santiago de Chile, 2015); La Wagner (Ganadora del Primer Premio en Dirección Coreográfica y Coreografía en los Premios Teatro del Mundo, 2014); Todos o Ninguno (Fondo Nacional de las Artes, 2014); Las Vírgenes (Proyecto de Graduación del Departamento de Artes Dramáticas de la Universidad Nacional de las Artes/UNA, 2013); La idea fija (Ganadora de 2 Premios Trinidad Guevara: rubros Coreografía e Iluminación; 4 Destacados de los Premios Teatros del Mundo en los rubros Coreografía, Dirección, Iluminación y Música Original, 2010); La casa del diablo y La noche más negra (Ballet Contemporáneo del Teatro General San Martín de Buenos Aires, 2008 y 2012); Joan Crawford (Ballet Argentino de Julio Bocca, 2010); Nada te turbe, nada te espante (Ciclo Óperas Primas, C.C.Ricardo Rojas, 2009); Bajo la luna de Egipto (C.C.Ricardo Rojas, 2008); Sudeste (Centro de Experimentación del Teatro Colón/CETC, 2008); El Lobo (2008). Por su trabajo como actor en Souvenir de Stephen Temperley (dirección: Ricky Pashkus) recibió el Premio María Guerrero "Categoría Estímulo", y fue nominado a los Premios ACE y Clarín como Actor Revelación.

Espacio Callejón, Humahuaca 3759, CABA

Reservas al 4862-1167 o en Alternativa Teatral
Última función: 15 de Diciembre




martes, 29 de octubre de 2019

El Cultural CAVA en el Castillo de Sandro

Olga Garaventa, Omar Abboud (derecha) y Luis Ortiz (izquierda)
instrumentos que pertenecieron a Sandro, fotografías y
recuerdos 


(Buenos Aires)

El sábado 26 de octubre se inauguró el Cultural CAVA (Centro de las Artes y la Viticultura Argentina) en el Castillo de Sandro, proyectado por el cantante popular argentino que lo soñó para albergar su música y el estudio de grabación más grande de Latinoamérica.
El mismo Sandro dibujó los planos e hizo construir personalmente cada uno de los detalles del lugar, que ahora se pueden apreciar después de un importante trabajo de restauración y puesta en valor.
En este lugar funcionaron después las oficinas de Sandro, pero no se utilizó como estudio de grabación, ya que el cantante comprobó que había tecnologías más nuevas y sofisticadas al viajar a los Estados Unidos.
El Cultural CAVA fue declarado sitio de interés cultural de la ciudad de Buenos Aires  por la Legislatura porteña y se descubrió una placa con la presencia de Omar Abboud, Presidente de la Comisión de Cultura de la Legislatura porteña,  Olga Garaventa, la viuda de Sandro, Luis Ortiz, director del CAVA  y numeroso público, periodistas e invitados. Olga trabajó en estas oficinas durante más de diez años.
El lugar estará gestionado por una asociación civil y funcionará como centro cultural. Se podrá disfrutar de distintas actividades relacionadas con la gastronomía, el arte, el bienestar y la sustentabilidad. Entre otros talleres hay de pintura, cine, teatro, literatura, conducción de televisión, producción de contenidos para redes sociales, piano, humor gráfico, cocina sin TACC entre muchas otras actividades.
El Cultural CAVA está ubicado en el corazón del barrio de Boedo, Av. Pavón 3939, CABA.





viernes, 25 de octubre de 2019

Reinos, escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula


las autoras y directoras 



(Buenos Aires)

En el Teatro Sarmiento se estrenó Reinos, una obra escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula.
Estas tres autoras y directoras se dispusieron a escribir y dirigir una obra inspirada en el diario de la abuela de Margarita, escrito durante varios años e iniciado en los años 30.
Una mujer que vive con su familia en el campo y trabaja con la tierra y los animales va contando su experiencia en el diario.  El contacto con la naturaleza, la observación  cotidiana  de los animales y las plantas, el trabajo duro, las cosas más simples llevan a la autora del diario a volcarlas en el papel.
En el escenario hay personajes que integran una familia, y que se interrogan y piensan en conjunto acerca de lo que ocurre día a día en el campo. El nacimiento de un ternero, aserrar madera, el canto de los pájaros, el amanecer, el crepúsculo, todo da pie a filosofar.
No están ausentes los planteos actuales entre las actividades de hombres y mujeres,  ya que la autora del diario trabaja en el campo
haciendo actividades rudas, para ayudar a los padres.  Otro de los temas es la maternidad, lo que lleva a los personajes a preguntarse cómo fue que el ser humano primitivo que ni siquiera disponía de lenguaje oral llegó a  asociar  el embarazo con el acto sexual.
Hay una relación entre los personajes que abarca tres generaciones.
Con humor, Reinos invita a pensar en aquellas cosas que en la ciudad se enmascaran y cerca de la naturaleza están al desnudo.
El final, donde aparecen personajes con unas máscaras con forma de pájaro tiene algo lúdico y de ritual.
Hay que destacar la actuación de todo el elenco, la poesía y el humor, en una muy buena puesta.


El elenco está integrado por Rosario Bléfari, Mariana Chaud, Margarita Molfino, Susana Pampín, Camilo Polotto y Mariano Saborido. La música original y el diseño de sonido es de Liza Casullo, el diseño de vestuario es de Gabriela A. Fernández, y el diseño de escenografía e iluminación es de Matías Sendón.

de jueves a domingos, a las 20.30 hs.
Teatro Sarmiento  (Av. Sarmiento 2715),


Duración (aproximada): 75 minutos.


"La abuela de Margarita, Leonor, escribió un diario íntimo durante su juventud en los años '30 que nos sirvió de inspiración y guía para imaginar nuestro propio campo. La tríada formada por mujeres-naturaleza-escritura se volvió algo atractivo para nosotras, mujeres que vivimos en una ciudad en el siglo XXI pero que somos herederas de los textos que tantas mujeres escribieron mientras los hombres salían a estudiar y a gobernar. Estos materiales son para nosotras una especie de legado a desentramar. En la obra, una familia vive y trabaja en el campo y también -al igual que Leonor- honra el tiempo dedicado al pensamiento y a la imaginación. Cómo mostrar en escena algo tan huidizo como el cielo o el lenguaje de los animales, cómo pensar la escritura como una forma de existencia clandestina, una manera de registrar lo que pocos suelen detenerse a mirar. Las plantas, los animales, el trabajo, las tormentas, las palabras: escapar a la determinación aprendida y entender que un cuerpo puede ser cualquier cosa, un alma o una idea, un cuerpo sonoro, un árbol o una comunidad. Todo lo que es nombrado puede mutar".

Margarita Molfino, Agustina Muñoz, Romina Paula

LAS DIRECTORAS

Margarita Molfino nació en Rafaela, Santa Fe, en 1980, es actriz, bailarina, coreógrafa y Licenciada en Artes (UBA). Su última obra como intérprete, autora y directora es Palíndroma.

Agustina Muñoz nació en Buenos Aires en 1985, es autora, directora y actriz. Su última obra como autora y directora es Las piedras.

Romina Paula nació en Buenos Aires en 1979, es autora y directora. Sus últimas obras como autora y directora son Cimarrón en teatro, y la película De nuevo otra vez.