sábado, 29 de junio de 2019

Por primera vez en la Argentina se estrenó El adulador de Carlo Goldoni

Alejandro Awada, Gullermo Arengo y Noralih Gago


(Buenos Aires)

La comedia El adulador de Carlo Goldoni se estrenó en el Teatro Regio adaptada y dirigida por Luciano Suardi y traducción al español de Andreina Giampaolini.
Con una excelente actuación de Alejandro Awada como Don Segismundo – el personaje que adula constantemente tanto a Don Sancio – el gobernador  interpretado por Guillermo Arengo - como a Doña Luisa – la mujer del gobernador  interpretada por Noralih Gago - y también a todos de los que puede obtener alguna ventaja. Con un elenco que se destaca por su buena actuación. 
La obra transcurre antes de la Revolución Francesa y los personajes viven en los umbrales de una crisis moral y política.
Componendas, dádivas y mentiras están a la orden del día en la corte del gobernador y el autor presenta una crítica mordaz tanto a la aristocracia corrompida y en disfavor de la clase alta en el choque entrela nobleza, la burguesía y el pueblo.
Luciano Suardi adaptó y dirige El adulador, y elige uno de los dos finales de la comedia, el que Goldoni escribió primero y luego modificó porque allí ocurría algo que no era apropiado para la comedia de la época.
La puesta de Suardi se atreve a desafiar a los espectadores en el encuentro de una teatralidad actual y nos interroga al revelar aspectos de la actividad política presente.
Teniendo en cuenta que el fundador de la comedia italiana moderna, el veneciano Carlo Goldoni (1717-1783) fue  un innovador de la escena de su tiempo, mantuvo a lo largo de su obra – más de doscientas comedias sin contar sus ensayos y un voluminoso tomo de memorias - un inconformismo militante como cronista de una época y una geografía únicas: la Venecia del siglo XVIII, la versión de Luciano Suardi de El adulador se puede decir que tiene vigencia.
También nos hace recordar que no hay nada más peligroso que un adulador para quien permite que lo adulen.


    

    

El elenco está integrado por Alejandro Awada, Guillermo Arengo, Noralih Gago, Francisco Lumerman, Julia Gárriz, Fabiana Falcón, Fernando Contigiani, Adriana Ferrer, María José Ardohain, Renata Boldini, Tomás Fernández Castaño, Micaela Gaudino, Lisi Gay, Santiago Martín, Gisela Rebichini y María Florencia Zarate.

La asistencia de iluminación es Diego Emilio Becker, la asistencia de vestuario corresponde a Sofía Davies, la asistencia de escenografía a Lara María Treglia y la asistencia artística a Julieta Abriola. La música original y el diseño de sonido son de Carmen Baliero, el diseño de iluminación corresponde a Ricardo Sica, el diseño de vestuario a Betiana Temkin y el diseño de escenografía es de Rodrigo González Garillo.


Las funciones se ofrecerán de jueves a sábados a las 20.30 hs. y los domingos a las 20 hs. 


    
    
Duración (aproximada): 75 minutos
    
En El adulador, el italiano Carlo Goldoni pone en ridículo debilidades y manías para conseguir privilegios en el poder que, ciertamente, no solo son atribuibles a la sociedad del siglo XVIII. El autor se arriesgó a tratar asuntos políticos en un desarrollo cómico, cuando se reservaba esas cuestiones a la tragedia. Revisitar esta pieza desconcertante, anómala, comedia exótica nunca representada en la Argentina, propone el desafío de encontrar una teatralidad contemporánea al tiempo de interrogar al espectador acerca de aspectos sustanciales de la actividad política presente.

EL DIRECTOR
Actor, director y docente, Luciano Suardi estudió con Alejandra Boero, Augusto Fernandes y Vivi Tellas. Becado por la Fundación Antorchas, se perfeccionó en el Lee Strasberg Theatre Institute de Nueva York. Como actor trabajó con numerosos directores de renombre en el teatro oficial y alternativo de Buenos Aires y participó en festivales y giras por Brasil, España, Francia, Alemania, Japón y Estados Unidos. Dirigió espectáculos de su autoría y de dramaturgos clásicos y contemporáneos en el Complejo Teatral de Buenos Aires, el Centro de Experimentación del Teatro Colón, el Teatro Nacional Cervantes, el circuito comercial, el teatro independiente y en diferentes festivales y ciclos del país y en Alemania, Francia y Suecia. Fue distinguido con numerosas nominaciones y premios. Fue artista en residencia en la Akademie Schloss Solitude de Alemania y en el McCarter Theatre de Princeton en los Estados Unidos. Dictó seminarios en Universidades nacionales y extranjeras. Actualmente es profesor de Actuación en la Universidad Nacional de las Artes.

EL AUTOR
Considerado el fundador de la comedia italiana moderna, el veneciano Carlo Goldoni (1717-1793) no solo fue un renovador incansable de la escena de su tiempo. También mantuvo a lo largo de su obra – más de doscientas comedias sin contar sus ensayos y un voluminoso tomo con sus memorias–, un inconformismo militante como cronista de una época y una geografía únicas: la Venecia del siglo XVIII. Goldoni supo tomar lo mejor de la tradición italiana de la Commedia dell’Arte para hacerla evolucionar, y dotó al panorama teatral de su tiempo de una perspectiva creadora de inusitadas posibilidades de juego dramático. Y pudo hacerlo por su enorme intuición, por su conocimiento profundo de las costumbres cotidianas y por una lucidez práctica para aproximarse directamente al fenómeno teatral (y no a los tratados y a las normas, que siempre menospreció). En el Teatro San Martín se estrenó, en 1976, una versión de Los rústicos, que dirigió Rodolfo Graziano en la Sala Martín Coronado, con María Rosa Gallo, Miguel Ligero y Tincho Zabala en el elenco. Y, en 1997, se presentó La trilogía del veraneo en la Sala Casacuberta, en versión y con dirección de Daniel Suárez Marzal, con Adriana Aizenberg, Aldo Braga, Lidia Catalano, Verónica Llinás, Emilia Mazer y Fabio Posca, entre otros. En 2007, Alicia Zanca dirigió en el Teatro de la Ribera Arlequín, servidor de dos patrones, con Alejandra Perluzky, Marcelo Savignone, Marcelo Xicart y Luisana Lopilato, entre otros.  
    

Teatro Regio (Avda. Córdoba 6056) Ciudad Autónoma de Buenos Aires




domingo, 23 de junio de 2019

Diez centímetros de diferencia, de Lucía Laragione en Patio de actores




(Buenos Aires)

Una única actriz en escena, Sandra Martínez, monologa y escucha discos de Elvis Presley.
La historia se va descubriendo de a poco, el personaje le habla a una ausencia, la hija, a
la que alucina en films protagonizados por Elvis. La obra de Lucía Laragione, inspirada en un
caso real  que conmovió a la opinión pública en los años 60, se centra en el personaje de la madre
de la adolescente que nunca regresó de su clase de inglés.
La adolescente era  Norma Penjerek, hija de un matrimonio judío y la historia que se convirtió en
un resonante caso policial, en la actualidad podría ser nombrado como femicidio, multiplicó
la tirada de los diarios más populares de la época.
Con una muy buena actuación de Sandra Martínez y la dirección de Marcela Robbio, el texto de
Lucía Laragione muestra en profundidad al personaje de la madre, sobreviviente de la
ausencia, y en constante diálogo con el recuerdo, tal vez la única manera de sobrellevar el dolor.

Ficha técnica:
Autora: Lucía Laragione 
Actriz: Sandra Martínez
Vestuario: Sandra Martínez, Marcela Robbio
Escenografía: Cali Mallo
Edición de sonido: Emma Cukierman
Operación técnica: Alfonsina Stivelman
Diseño gráfico: Cali Mallo
Asistencia de dirección:Emma Cukierman
Puesta de luces: Alfonsina Stivelman
Dirección: Marcela Robbio
Duración: 50 minutos

Patio de Actores
Lerma 568
Ciudad Autónoma de Buenos AIres
Sábados 17,30

Reservas: www.alternativateatral.com.ar
Acerca de la autora:
Lucía Laragione es escritora y dramaturga. Nacida en una familia de intelectuales, estuvo en contacto desde niña con la literatura y el teatro. Autora de las obras Cocinando con Elisa, La fogarata, El silencio de las tortugas, La mayor, la menor, el del medio, Palabristas, Sorteo – en el ciclo Teatro por la identidad -, Criatura de aire, El ganso del Djurgarden, El reino de las imágenes nítidas. También tiene una decena de libros publicados para niños y jóvenes y ha sido distinguida con numerosos premios nacionales e internacionales. Ha sido jurado en varias oportunidades.
Actualmente integra el Consejo de dirección de Argentores junto a José María Paolantonio, Beatriz Mosquera, Daniel Dalmaroni y Susana Torres Molina y junto a Ana Ferrer es responsable de las ediciones de la institución. Representa a Argentores en la Comisión de Cultura de la Fundación El Libro.










lunes, 17 de junio de 2019

Colaboración/Tomar partido se presenta en el Teatro San Martín

Osmar Nuñez interpreta al director de orquesta
 Whilhelm Furtwängler.y Boy Olmi al Mayor Arnold
Boy Olmi como el escritor Stefan Zweig y Osmar nuñez como el músico Richard Strauss 




(Buenos Aires)

En la Sala Casacuberta del Teatro San Martín se presentan dos obras del dramaturgo y guionista sudafricano Ronald Harwood, reunidas en un mismo espectáculo. Colaboración/Tomar partido, están interpretadas en los roles protagónicos por Osmar Nuñez y Boy Olmi.
En Colaboración, los personajes principales son el músico Richard Strauss y el escritor Stefan Zweig quienes  establecen una relación de amistad y artística durante el ascenso del nazismo. Sin embargo, cuando el poder de los nazis llega a un momento culminante, impregnando y controlando todas las actividades culturales, Richard Strauss debe elegir entre seguir trabajando con los libretos que el escritor de origen judío Stefan Zweig escribe para sus óperas o someterse al poder de las autoridades nazis. Stefan Zweig se exilia en Brasil.
Posteriormente, Strauss, en la posguerra es enjuiciado por un comité de desnazificación.
En Tomar partido los personajes principales son el director de orquesta Wilhelm Furtwängler y el Mayor Arnold, del ejército norteamericano que ya en el período de posguerra, lo somete a interrogatorios para que explique cómo progresó en su carrera durante el nazismo. El escenario presenta ruinas, son las ruinas de Alemania destruida por el ejército de los aliados.
En la segunda obra, Tomar partido, el Mayor Arnold que interroga y busca pruebas de colaboración con los nazis a Furtwängler es un hombre al que nada le importa la cultura y por eso lo han puesto en ese lugar, advierte. Por eso maltrata una y otra vez al director de orquesta, para él es un hombre como cualquier otro.  Busca pruebas y no las encuentra. Dos personajes que participan durante los interrogatorios, la secretaria y un suboficial del ejército aliado, muestran su simpatía por Furtwängler, al que admiran como artista e intentan defenderlo del maltrato al que lo somete el oficial.
El mayor busca entonces destruir a Furtwängler a través de la prensa.
En estas dos obras, con traducción de Jorge Fondebrider el rol de Stefan Zweig está a cargo de Boy Olmi, quien interpreta en la segunda obra al Mayor Arnold que interroga a Furtwängler.
Y el rol de Richard Strauss está a cargo de Osmar Nuñez quien interpreta en la segunda obra al director de orquesta Whilhelm Furtwängler.
Las actuaciones son excelentes en las dos obras y están acompañados por un muy buen elenco que también realiza un trabajo destacable.



Colaboración / Tomar partido, integrado por dos piezas del dramaturgo y guionista sudafricano Ronald Harwood. La obra, que cuenta con dirección de Marcelo Lombardero y traducción de Jorge Fondebrider, se ofrecerá en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). El elenco de ambas piezas cuenta con los roles protagónicos de  Osmar Nuñez y Boy Olmi, y el reparto está integrado por Lucila Gandolfo, Néstor Sánchez, Sebastián Holz y Romina Pinto. Vicky Gaeta en canto, Mariano Manzanelli en piano y Agostina Sémpolis en violín, confoman el equipo musical. La asistencia de iluminación es de Agustín Di Grazia, la asistencia de escenografía es de Martina Nosetto, la asistencia de vestuario es de Josefina Minond, la asistencia artística es de Florencia Ayos, la iluminación es de Horacio Efrón, el vestuario es de Luciana Gutman, y la escenografía es de Gastón Joubert. Diseño y puesta de sonido y video: Gabriel Busso, Marcelo Manente.

Las funciones se ofrecerán de miércoles a domingos a las 19.30

Duración (aproximada): 180 minutos. Incluye un intervalo.


Días populares (miércoles y jueves)

Sobre el autor y las obras

Ronald Harwood (Ciudad del Cabo, Sudáfrica; 1934) escribió 24 piezas teatrales, 19 guiones cinematográficos llevados al cine por importantes directores y una treintena de libros. Buena parte de ese material tiene como protagonistas a músicos, actores y artistas, como es el caso de El vestidor (The dresser, 1980), su pieza más famosa. Otras se centran en el período nazi y presentan dos núcleos perfectamente diferenciados: por un lado, la películas Siete hombres al amanecer (Operation Daybreak, 1975; sobre el asesinato de Reinhard Heydrich, principal impulsor del Holocausto), 7 crímenes (The Statement, 2003; recreación ficcional de la postguerra del colaboracionista francés Paul Touvier) y El pianista (The Pianist, 2002), de Roman Polanski, que, basada en la autobiografía de Wladyslaw Szpilman, le valió a Harwood un Oscar y la Palma de Oro del Festival de Cannes. Del otro lado hay tres piezas teatrales: Tomar partido (Taking Sides, 1995), Colaboración (Collaboration, 2008) y An English Tragedy (2008, sobre el  fascista inglés John Amery). Las dos primeras plantean el dilema moral de artistas que construyeron su propia realidad por encima de la realidad común, creyendo poder superar las contingencias de la historia. Los personajes, respectivamente, son el gran director alemán Wilhelm Furtwängler, quien debe explicar cómo prosperó durante el Tercer Reich, y el compositor Richard Strauss, quien debe elegir entre colaborar con el escritor judío Stefan Zweig o con los nazis. Ambas historias, basadas en documentos, permiten reflexionar sobre el lugar que les cabe a los intelectuales y artistas cuando el mundo no admite medias tintas; examinan la idea del compromiso desde todos los ángulos posibles, y tientan los límites de la condición humana planteando más de un interrogante sobre el pretendido altruismo de nuestra especie.
Autor Ronald Harwood
Traducción Jorge Fondebrider
Elenco

COLABORACIÓN
Richard Strauss Osmar Nuñez
Stefan Zweig Boy Olmi
Pauline Strauss Lucila Gandolfo
Lotte Altman Romina Pinto
Hans Hinkel Sebastián Holz
Paul Adolph Néstor Sánchez

TOMAR PARTIDO
Mayor Steve Arnold Boy Olmi
Dr. Wilhelm Furwängler Osmar Nuñez
David Wills Sebastián Holz
Helmut Rode Néstor Sánchez
Emmi Straube Romina Pinto
Tamara Sachs Lucila Gandolfo
Cantante Vicky Gaeta
Pianista Mariano Manzanelli
Violinista Agostina Sémpolis

coordinación de producción Federico Lucini, Lucía Hourest
Producción técnica Emilia Martínez Dómina
Asistencia de dirección Tamara Gutiérrez, Lucas Pulido
Asistencia artística Florencia Ayos
Asistencia de iluminación Agustín Di Grazia
Asistencia de vestuario Josefina Minond
Asistencia de escenografía Martina Nosetto
Diseño y puesta de sonido y video Gabriel Busso, Marcelo Manente
Iluminación Horacio Efrón
Vestuario Luciana Gutman
Escenografía Gastón Joubert
Dirección Marcelo Lombardero 




Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar



jueves, 13 de junio de 2019

Púgil, quién dice hasta dónde, de Bernardo Morico en el Almagro Boxing Club



(Buenos Aires)

Púgil, quién dice hasta dónde,  escrita, dirigida y donde también actúa Bernardo Morico, se
presenta los sábados en el Almagro Boxing Club.
La obra con una estética realista está interpretada además de Bernardo Morico
(el Pibe) por Gabriel Kogan (Atilio, el entrenador), Esteban Bortnik e Ignacio
D´Onofrio.
En una habitación vive el Pibe, a quien lo aconseja y entrena Atilio, un hombre ya
vencido por el peso de la vida. El Pibe boxea en el escenario preparándose para una
pelea que aspira ganar y así salir de la miseria. Pero el Pibe es joven, se deja llevar
y en lugar del descanso necesario concurre a una fiesta con los amigos donde hay
golpes y trompadas y se transforma en un escándalo.
El mundo del boxeo, las aspiraciones y sueños, pero también la realidad de los boxeadores
y su entorno se retrata en la obra, donde el entrenador traiciona al Pibe pero no logra
doblegarlo.
Son los sueños del Pibe, que lo impulsan a seguir, a decir quién dice hasta dónde , a no
abandonar su meta de seguir entrenándose y pelear hasta ganar.
La obra es una metáfora de la vida, donde un hombre todavía joven no se deja vencer y sigue
luchando porque ¿quién dice hasta dónde ? como el título de la obra.
Es muy buena la dramaturgia, dirección y actuación de Bernardo Moricco y de todo el elenco.
Escenografía: Soledad Chavarría
Vestuario: Wande Siri
Asistente de dirección: Rocío Sarandón

Horario: sábados a las 21
Reservas a púgil.la.obra@gmail.com
Almagro Boxing Club
Av. Díaz Vélez 4422
Ciudad Autónoma de Buenos Aires





miércoles, 12 de junio de 2019

La reina de la belleza en teatro El Tinglado



el dramaturgo Martin Faranan McDonagh
Oscar Barney Finn 
(Buenos Aires) 
La reina de la belleza del dramaturgo Martin Faranan McDonagh dirigida por Oscar Barney Finn es un drama entre una madre anciana y la hija soltera y cuarentona que convive con ella. La obra transcurre en un pueblo irlandés al que no ha llegado la globalización y donde los jóvenes aspirar a  emigrar para trabajar a los Estados Unidos o bien a Londres.
Otros dos personajes, los hermanos Pato y Ray, vecinos de Maureen, la hija, y de Madge, la madre, tienen sus ambiciones puestas en emigrar a alguno de esos lugares. La relación entre Magde y Maureen que conviven en un ambiente sórdido está empantanada en la crueldad y la violencia.
El sarcasmo participa en la mayoría de los diálogos entre estas dos mujeres y la tensión dramática llega a un clima asfixiante que interrumpen las intervenciones de Pato y de Ray, con motivo de invitarlas a una fiesta familiar primero y a la despedida de uno
de ellos después. La relación de uno de los hermanos con Maureen, es efímera, y no llega a concretarse por la intervención de la madre.
Además del cansancio y la falta de compasión y de caridad de Maureen con la madre, que llega a extremos como la tortura y el crimen, el personaje arrastra una serie de problemas que se develan hacia el final. Maureen, quien ya ha trabajado en Inglaterra y ha vuelto después de sufrir marginación y desprecio, se escuda en el vínculo de sometimiento que la mantiene cerca de su madre y a la que sus hermanas han abandonado, como pretexto para no haber
realizado una vida propia.
La reina de la belleza aborda una serie de problemas sociales como el desempleo en los jóvenes, la soledad y la dependencia de las personas mayores, el maltrato y la violencia que se pueden llegar a ejercer sobre ellas. Los personajes de Pato y Ray, parecen más preocupados en escapar de un lugar en el que no vislumbran destino alguno que por cualquier otra cosa.
Son muy destacables las actuaciones de todo el elenco y la dirección de Oscar Barney Finn.

Dirección
Oscar Barney Finn

Con
Marta Lubos
Pablo Mariuzzi
Cecilia Chiarandini
Sebastián Dartayete

Síntesis:
La reina de la belleza es una historia con un texto intenso y violento, en que se cuenta la relación de una madre y su hija en Leenane, un pueblo irlandés en la comarca de
Connemara, al que no ha llegado aún la globalización.
Maureen ha dedicado veinte años de su vida al cuidado de su madre Madge, pero el encierro obligado por esos cuidados, han terminado por establecer un rencor frío e implacables contra la anciana.
Sin embargo, este conflicto seco y brutal, se complica con la llegada de Pato y Ray, dos hermanos que cargan con una vida de problemas. La eclosión de estos cuatro personajes, da la posibilidad de Mc Donagh de escribir una obra feroz e irreverente.

Voz en off: Pablo Flores Maini
Asistente de dirección: Florencia Laval
Escenografía: Eduardo Spíndola
Diseño de iluminación: Claudio del Bianco
Asistente de iluminación: Estefanía Piotrkowsky
Vestuario: Isabel Zuccheri
Asistente de vestuario: Josefina Veliz
Producción ejecutiva: Alberto Teper / Cynthia Nejamkis
Prensa: Duche&Zárate
Diseño gráfico: Leandro Correa
Fotografía: Lucas Suryano

Funciones: viernes y sábados a las 20 

Teatro El tinglado - Mario Bravo 948 - CABA

Palabras del director: “La Reina de la belleza de Leenane. Hace veinte años descubrí esta obra de Martin Mc Donagh y viaje a Galway ,en donde se había estrenado (1º de febrero 1996), para verla en el Druid Theatre con puesta de Garry Hynes, la directora de este mítico teatro de Irlanda. El viaje tenía también que ver con
búsquedas de identidades irlandesas y lugares desconocidos que me cargaron de expectativas y ansiedades, que encontraron su cauce con el correr de estos años. Sin embargo no pude ver la obra en la sede del Druid, la trouppe había partido en gira, y tuve que esperar llegar a Broadway para poder disfrutarla, con los derechos
obtenidos al pasar por Londres. En New York conseguí localidades para una matine en el Walter Kerr Theatre en donde me enfrenté al fin con "La Reina", con esos inolvidables personajes, y por si fuera poco a la salida conocí y hable con el mismo Martin McDonagh. Si bien este "enfant terrible " no era muy conocido en ese tiempo,
en pocos meses obtendría tres importantes premios londinenses y los deseados Tonys de Broadway, que lo encaminarían en el 2005 hacia el cine y los Oscares con "Tres anuncios para un crimen". El marco escénico de su historia me remitió a una típica cocina irlandesa, refugio familiar cómo podíamos encontrar en obras de John Synge o Sean O Casey, pero donde los personajes y los objetos adquirían un significado distinto. Era una imagen
de los años 50 bajo la mirada y sensibilidad de un hombre de 25 años, teñido por una cultura Pop .
Era un  melodrama sobre la relación caótica y compulsiva entre una madre y su hija atrapadas en una Irlanda "rural, marginal y globalizada", en donde no dejaban de ser violentos,  imprevisibles, y cómicas. Tenían un humor que la platea festejaba y me acercaba el recuerdo de personajes y situaciones de una obra de Beckett. Los personajes me impactaron: Mag era una campesina obligada a consumir productos y series de TV que le impone la globalización, Maureen es una mujer atrapada en tareas domésticas y la rutina de un lugar en donde no ocurre nada, Pato es un emigrante en Londres que añora Irlanda, y Ray otro desarraigado que prefiere vivir en Londres o cualquier lugar lejos de su tierra, reflejaban distintas miradas de esa Irlanda que sobrevive en las baladas tradicionales de Delia Murphy que suenan en la radio. Con ellos McDonagh va entrelazando lo dramático con lo cómico e irónico para acercarnos a un final ambiguo en donde uno elige. Regresé a Buenos Aires con todo ese bagaje de sensaciones contradictorias de lo visto y con muchas más certezas para ponerla en Buenos Aires. Aquí se sumaron para producirla Carlos Rotemberg y Federico González del Pino y Fernando Masllorens con su aportes a los derechos y traducción.
Fue en el teatro Ateneo en 1999 con un importante elenco, con una sorprendente Aída Luz, una potente Leonor Manso, un recordado Pato de Alejandro Awada, un creativo Pablo Rago y un inolvidable equipo técnico: María Julia Bertotto, Félix Monti , Luis María Serra y Dora Milea. Por supuesto que uno se pregunta ¿por qué volver a este texto? Y las respuestas son varias pero una prevalece: Porque los años favorecen a las obras y en sus lecturas se descubren aristas no visible en esas primeras incursiones. También la realidad actúa sobre ellas y la distancia y la perspectiva, las enriquece, aunque hay que sumarle decisiones personales que ayudan. En este caso el deseo de volver a encarar algo con Marta Lubos luego de nuestro afortunado encuentro para montar "El diccionario ", una experiencia renovada cada temporada. Por todo esto pensé junto con Alberto Teper que sería ideal volver a este texto y con aquella traducción de Masllorens - González del Pino. También es para reflexionar sobre aquella realidad irlandesa de los 90 con cambios notorios en su desarrollo económico que en forma directa o indirecta beneficiaron al teatro y al cine, al mismo tiempo que daban una mayor conciencia de identidad nacional y cultural. Etapa que con el tiempo fue conocida como "Celtic Tiger", denominación que se dio también a esa generación de dramaturgos como sus representantes. Casualmente el teatro que se genera en estos últimos veinte años huye de la imagen romántica y estereotipada del cliché y tratará de subvertirlo. “Las obras de este período se hacen eco de los rápidos cambios sociales que se están produciendo e intentan incorporar la nueva realidad del país: la migración, la post colonización, el desinterés por la religión católica, los prejuicios y los conflictos raciales. No existe ya un teatro irlandés, sino una serie de teatros irlandeses cuyas formas no dejan de evolucionar, dejando atrás la imagen de una Irlanda única, casi exclusivamente nacionalista y predominantemente católica". Por todo esto y algunas cosas más es que estamos trabajando hace tiempo en este proyecto al que se sumaron como actores: Marta Lubos, Cecilia Chiarandini, Pablo Mariuzzi y Sebastián Dartayete.

Prensa Duche&Zárate
Walter Duche – Alejandro Zarate


Martin Faranan McDonagh
Nacido el 26 de marzo de 1970 en CamberwellLondresDramaturgo y director de cine angloirlandés, conocido en sus inicios por la gran brutalidad y estilo cinematográfico de algunas de sus piezas teatrales. Se considera que cultiva una vertiente extrema del teatro de la crueldad, conocida como In-yer-face, que destaca el aspecto violento y grotesco de las obras para captar la atención del espectador.
En 1996, su ópera prima, La reina de belleza de Leenane (The Beauty Queen of Leenane), le valió el premio del Círculo de la Crítica Teatral británica al dramaturgo más prometedor del año y en 1998 fue nominada el Premio Tony como la mejor obra de ese año en NY.
En 2003 escribe su obra más famosa hasta la fecha The Pillowman, que fue galardonada en 2004 con los premiosLaurence Olivier y el del Círculo de la Crítica de Nueva York a la mejor obra extranjera, así como con el Tony 2005 al mejor texto teatral.
También tiene una exitosa carrera en el cine, que lo llevaron a ganar el Oscar por su cortometraje Six Shooter en 2005, así como también en 2017, gracias a su película Tres anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri), que le valió 32 premios internacionales, entre ellos los Globo de Oro a Mejor Película Dramática y Mejor Guión, y los Premios BAFTA del cine inglés como Mejor Película, Mejor Película Británica y Mejor Guión, y fue nominada al Oscar a la Mejor Película.

Oscar Barney Finn
Docente, guionista, productor y director en Cine, Teatro, Televisión y Ópera.
En los años ´60, durante su formación, fue becado por los gobiernos de Francia y Estados Unidos. Fue Director de la carrera de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. Integró el Consejo Asesor del Instituto de Cine y fue Presidente de la Asociación de Directores de Cine (1990-92 y 1994-96). Participó como jurado de los Festivales de Biarritz y Mar del Plata; fue designado Director Artístico del Festival de Mar del Plata en sus ediciones de 1995 y 1996. En el 2001 recibió el premio a la trayectoria del Fondo Nacional de las Artes.
En el año 2016 con motivo de cumplir 50 años de trayectoria, fue homenajeado con los Premios María Guerrero y el Premio Cóndor de Plata; declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad De Buenos Aires y el Museo del Cine organizó un ciclo con sus películas “Oscar Barney Finn: Función Aniversario”.
En teatro realizó la puesta de recordadas obras, entre las que se destacan en los últimos años “Poder absoluto”, “Noches romanas”, “La gata sobre el tejado de zinc caliente”, “El príncipe de Homburg”, la aclamada “El diccionario” (aún en cartel), “Dulce pájaro de juventud” y las recientes tres temporadas de “Juegos de amor y de guerra” . Tras su paso por Chile y EEUU la obra “Poder absoluto” fue galardonada en Nueva York por la crítica especializada con el premio ACE. En 2017 fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.