martes, 29 de octubre de 2019

El Cultural CAVA en el Castillo de Sandro

Olga Garaventa, Omar Abboud (derecha) y Luis Ortiz (izquierda)
instrumentos que pertenecieron a Sandro, fotografías y
recuerdos 


(Buenos Aires)

El sábado 26 de octubre se inauguró el Cultural CAVA (Centro de las Artes y la Viticultura Argentina) en el Castillo de Sandro, proyectado por el cantante popular argentino que lo soñó para albergar su música y el estudio de grabación más grande de Latinoamérica.
El mismo Sandro dibujó los planos e hizo construir personalmente cada uno de los detalles del lugar, que ahora se pueden apreciar después de un importante trabajo de restauración y puesta en valor.
En este lugar funcionaron después las oficinas de Sandro, pero no se utilizó como estudio de grabación, ya que el cantante comprobó que había tecnologías más nuevas y sofisticadas al viajar a los Estados Unidos.
El Cultural CAVA fue declarado sitio de interés cultural de la ciudad de Buenos Aires  por la Legislatura porteña y se descubrió una placa con la presencia de Omar Abboud, Presidente de la Comisión de Cultura de la Legislatura porteña,  Olga Garaventa, la viuda de Sandro, Luis Ortiz, director del CAVA  y numeroso público, periodistas e invitados. Olga trabajó en estas oficinas durante más de diez años.
El lugar estará gestionado por una asociación civil y funcionará como centro cultural. Se podrá disfrutar de distintas actividades relacionadas con la gastronomía, el arte, el bienestar y la sustentabilidad. Entre otros talleres hay de pintura, cine, teatro, literatura, conducción de televisión, producción de contenidos para redes sociales, piano, humor gráfico, cocina sin TACC entre muchas otras actividades.
El Cultural CAVA está ubicado en el corazón del barrio de Boedo, Av. Pavón 3939, CABA.





viernes, 25 de octubre de 2019

Reinos, escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula


las autoras y directoras 



(Buenos Aires)

En el Teatro Sarmiento se estrenó Reinos, una obra escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula.
Estas tres autoras y directoras se dispusieron a escribir y dirigir una obra inspirada en el diario de la abuela de Margarita, escrito durante varios años e iniciado en los años 30.
Una mujer que vive con su familia en el campo y trabaja con la tierra y los animales va contando su experiencia en el diario.  El contacto con la naturaleza, la observación  cotidiana  de los animales y las plantas, el trabajo duro, las cosas más simples llevan a la autora del diario a volcarlas en el papel.
En el escenario hay personajes que integran una familia, y que se interrogan y piensan en conjunto acerca de lo que ocurre día a día en el campo. El nacimiento de un ternero, aserrar madera, el canto de los pájaros, el amanecer, el crepúsculo, todo da pie a filosofar.
No están ausentes los planteos actuales entre las actividades de hombres y mujeres,  ya que la autora del diario trabaja en el campo
haciendo actividades rudas, para ayudar a los padres.  Otro de los temas es la maternidad, lo que lleva a los personajes a preguntarse cómo fue que el ser humano primitivo que ni siquiera disponía de lenguaje oral llegó a  asociar  el embarazo con el acto sexual.
Hay una relación entre los personajes que abarca tres generaciones.
Con humor, Reinos invita a pensar en aquellas cosas que en la ciudad se enmascaran y cerca de la naturaleza están al desnudo.
El final, donde aparecen personajes con unas máscaras con forma de pájaro tiene algo lúdico y de ritual.
Hay que destacar la actuación de todo el elenco, la poesía y el humor, en una muy buena puesta.


El elenco está integrado por Rosario Bléfari, Mariana Chaud, Margarita Molfino, Susana Pampín, Camilo Polotto y Mariano Saborido. La música original y el diseño de sonido es de Liza Casullo, el diseño de vestuario es de Gabriela A. Fernández, y el diseño de escenografía e iluminación es de Matías Sendón.

de jueves a domingos, a las 20.30 hs.
Teatro Sarmiento  (Av. Sarmiento 2715),


Duración (aproximada): 75 minutos.


"La abuela de Margarita, Leonor, escribió un diario íntimo durante su juventud en los años '30 que nos sirvió de inspiración y guía para imaginar nuestro propio campo. La tríada formada por mujeres-naturaleza-escritura se volvió algo atractivo para nosotras, mujeres que vivimos en una ciudad en el siglo XXI pero que somos herederas de los textos que tantas mujeres escribieron mientras los hombres salían a estudiar y a gobernar. Estos materiales son para nosotras una especie de legado a desentramar. En la obra, una familia vive y trabaja en el campo y también -al igual que Leonor- honra el tiempo dedicado al pensamiento y a la imaginación. Cómo mostrar en escena algo tan huidizo como el cielo o el lenguaje de los animales, cómo pensar la escritura como una forma de existencia clandestina, una manera de registrar lo que pocos suelen detenerse a mirar. Las plantas, los animales, el trabajo, las tormentas, las palabras: escapar a la determinación aprendida y entender que un cuerpo puede ser cualquier cosa, un alma o una idea, un cuerpo sonoro, un árbol o una comunidad. Todo lo que es nombrado puede mutar".

Margarita Molfino, Agustina Muñoz, Romina Paula

LAS DIRECTORAS

Margarita Molfino nació en Rafaela, Santa Fe, en 1980, es actriz, bailarina, coreógrafa y Licenciada en Artes (UBA). Su última obra como intérprete, autora y directora es Palíndroma.

Agustina Muñoz nació en Buenos Aires en 1985, es autora, directora y actriz. Su última obra como autora y directora es Las piedras.

Romina Paula nació en Buenos Aires en 1979, es autora y directora. Sus últimas obras como autora y directora son Cimarrón en teatro, y la película De nuevo otra vez.


sábado, 12 de octubre de 2019

Kaos Pirandello en el Teatro San Martín



El Ministro de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires Enrique Avogadro con la directora del Instituto Italiano de Cultura, la directora del Teatro Coliseo, el director de Kaos Pirandello y los curadores de la muestra de fotografías presentada en la Fotogalería 
(Buenos Aires)
Ayer arrancó  Kaos Pirandello, con dirección general  de Vincenzo Pirrotta en el Teatro San Martín. Hubo diversas actividades que continúan  durante este fin de semana y se presentó la obra Sagra del Signore della Nave , de Pirandello en versión de Vincenzo Pirrota.
También se inauguró en la Fotogalería del teatro una muestra de fotografías relacionadas con el dramaturgo italiano Luigi Pirandello

Sagra del Signore della Nave

La obra transcurre el primer domingo de septiembre en la explanada de una iglesia rural, se desarrolla la Fiesta del Señor de la Nave. Ahí se dan cita nobles y plebeyos, religiosos y milagreros, comerciantes de todo tipo, músicos ambulantes, mujeres de mala vida, ladronzuelos, charlatanes de cualquier calaña. Hay tabernas al aire libre, mataderos y venta de carne de cerdo. Todos se atiborran de comida , se emborrachan, se ebrutecen.
En esa agitación se lleva a cabo el diálogo entre el señor Lavaccara, quien vendió su cerdo al carnicero Nicola, y el joven pedagogo. El señor Lavaccara quiere demostrar que su cerdo Nicola era inteligente (“sólo hablar, solo hablar  le faltaba”) . Más inteligente y más humano que muchos hombres “cerdos” entre todos los que estaban allí atragantándose y emborrachándose. “No y no”, dice el joven Pedagogo. “Un cerdo es un cerdo, porque come y se lo engorda para los demás. Un hombre, en cambio, por más que se comporte como un cerdo, come y engorda para sí mismo”.
La obra que fue representada en Italia en versión de Pirrota en 2005, producida por el Teatro de Roma, es un grotesco pirandelliano llevado al exceso. Según Vincenzo Pirrota, gracias al grotesco es posible llegar un poco más al fondo del alma de las personas y de los personajes. Y mucho más con un texto en el que aparece un fuerte contraste entre pecado y espiritualidad.
El espectáculo se divide en dos partes, en principio la feria que congrega a todos esos personajes grotescos; luego la reflexión sobre la naturaleza del hombre, en una catarsis más metafísica que no descuida la acción teatral.
El cierre es un gran ritual escrito por Pirrotta, que completó con agregados al texto de Pirandello,  que parte de una oda al cerdo como si fuera un rito antiguo. El carnicero que mató al cerdo y lleva su cabeza sobre un palo que chorrea la sangre del animal como un trofeo o una demostración de devoción, la transforma en una llama dionisíaca que puede contagiar a todos los presentes hasta destruirlos. Como se desmoronan, por su parte, sobre el escenario, las cabezas colgadas de los palos que empuñan.
Luego de esta taranta ancestral, de esta danza báquica, no queda racionalidad que pueda salvar a esas criaturas de perder la cabeza.
También hay en este espectáculo – imaginado como un conjunto de procesiones – un fuerte contenido de imágenes alusivas a la religiosidad popular. La música, está relacionada con los cantos religiosos que Pirrota escuchó en su infancia.
Hay en Sagra del Signore della Nave algo de Fellini, en esos personajes, como el señor Lavaccara y su familia, entre otras cosas.
Para Pirrota, la obra es un desafío donde se muestra al espectador el abismo al que nos asomamos.

 Sagra del Signore della Nave (Fiesa del Señor de la Nave)
Es un apólogo sobre la dignidad de la naturaleza del hombre, animal noble que en ocasiones, como las fiestas populares, se animaliza. Se vuelve un cerdo, incluso, para luego recuperar su dignidad frente al símbolo del sacrificio y del dolor, frente a la imagen del Cristo Crucificado. Sobre el espectáculo dice Vincenzo Pirrotta: “Muchos me dicen que es una locura llevar a escena un texto considerado irrepresentable (en Italia se conocen solo tres puestas en escena en casi cien años, incluida la del mismo Pirandello en 1925). Pero cuando leí el texto fue para mí como un golpe en el estómago, sin dudas por esa humanidad retratada que se derrumba, por ese contraste entre la atmósfera de celebración campesina y la aparición final del Cristo sangrante. El desafío que me atraía era jugar en escena con estos contrastes trágicos, para mostrar al espectador el abismo al que nos asomamos, que hoy me parece hasta un deber civil”.
La elección de las obras de Pirandello que confluyen en las diez instalaciones del KAOS PIRANDELLO no es casual: en cada una de ellas se produce una mutación, tanto del alma como del cuerpo. Muchas de ellas hablan del universo teatral del que Pirandello fue un profundo innovador. ¿Qué mejor ejemplo que el juego del devenir, de convertirse en otra cosa? Los personajes eligen cambiar, transformarse, por elección o porque así lo demanda la sociedad. En otros, es el sentimiento el altera las situaciones, rompiendo los esquemas ordinarios y transformando el monstruo que habita dentro de cada uno. 
Vincenzo Pirrotta



Elenco
Gastón Biagioni, Mariano Caligaris, Florencia Cappiello, Gabo Correa, Nacho de Santis, Cristina Ferrajoli, Nancy Lombardo, Gaby Paez, Mariela Passeri, Emilio Spaventa, Maximiliano Trento
Bailarines
Alejandro Alonso, Braian Bre, Carla Bugiolacchi, Paz Corinaldesi, Debon Darío,  Rodrigo García, Maya Jimenez, Efrain Rada, Armando Ressi, Lara Rodríguez
Músicos
Manuel Delrío (trombón y guitarra), Juliana Fernández (acordeón), Bruno Lo Bianco (percusión), Gonzalo Pereyra (trompeta)

Arreglos y reposición de música: Nahuel Carfi
Música Ramberto Ciammarughi
Reposición diseño de iluminación Magdalena Berretta Miguez
Reposición diseño de vestuario Lucila Rojo
Reposición diseño de escenografía Isabel Gual
Director asistente Leonardo Kreimer
Dirección Vincenzo Pirrotta


Este fin de semana (sábado 12 y domingo 13 de octubre) el Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) tendrá las siguientes actividades:

ESTACIONES DEL KAOS
Hall Central Alfredo Alcón y otros espacios del teatro
Sábado 12 y domingo 13 a las 16.30 y a las 21.30 hs.
Entrada libre y gratuita (sujeta a la capacidad del lugar)
Duración (aproximada): 60 minutos.

L’UOMO DAL FIORE IN BOCCA E NELLA MIA CARNE (EPILOGO IN SETTE MOVIMENTI)
Espectáculo con sobretitulado en español
Sala Cunill Cabanellas
Sábado 12 y domingo 13, a las 18 hs.
Platea: $300.
Duración (aproximada): 60 minutos.

SAGRA DEL SIGNORE DELLA NAVE
Espectáculo en español
Sala Martín Coronado
Sábado 12 y domingo 13, a las 19 hs.
Platea: $280. Pullman: $ 210.
Duración (aproximada): 60 minutos.

LOS PIRANDELLO
LA FAMILIA Y LA ÉPOCA EN IMÁGENES
Fotogalería
Sábado 12 y domingo 13, de 12 a 21 hs.
Entrada libre y gratuita (sujeta a la capacidad del lugar)

jueves, 3 de octubre de 2019

Ritual Electroandino: En el día de la Diversidad Cultural DYA - Desierto y Agua presenta junto al Museo Histórico Nacional



DYA - Desierto y Agua 
DYA - Desierto y Agua en uno de sus espectáculos 


Andrea Feiguin integrante de DYA - Desierto y Agua 



(Buenos Aires) 

Ritual Electroandino es una una ceremonia participativa, musical y audiovisual que  presentará el sábado 12 de octubre a las 16 con entrada gratuita - capacidad limitada - con  el Museo Histórico Nacional  DYA - Desierto y Agua.
Para celebrar el Día de la Diversidad Cultural se Invita a vivir una experiencia única un Ritual Electroandino, para esto se solicita a los asistentes llevar una piedra para formar una "apacheta" al ingreso (en caso de no llevar cuentan  con algunas para provisionar a los asistentes), como símbolo de ofrenda a la madre tierra, antes de comenzar el viaje ritual musical y audiovisual.

Podrán participar dentro de la sala quienes lo deseen activamente, la ceremonia se divide en los 4 elementos: agua, tierra, fuego y aire y cada elemento a su vez tiene un totem de la cosmovisión andina que le representa. Será complementado con una proyección visual elaborada por el Licenciado en Artes Multimediales Pablo A. Varela sobre la escena, pintando con un efecto holográfico la acción artística.
Desierto y Agua fusiona INSTRUMENTOS INDÍGENAS DE SUDAMÉRICA con música electrónica orgánica, y sus líricas son en relación al cuidado de la tierra y la igualdad entre las personas.

Podés escuchar sus producciones acá:



                                                         

Se invita  a visitar antes de la ceremonia el maravilloso Museo Histórico Nacional, especialmente la sala con 1033 piezas de arte precolombino, proveniente de la colección privada de Nicolás García Uriburu, y cedida al Estado por su hija Azul.
Antes de la llegada de los españoles a América, en 1492, distintas culturas ya se habían desarrollado desde México hasta el Cono Sur, dejando huellas permanentes en lo que hace a escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalista y pintura. Pero más allá de las expresiones artísticas, sus creaciones nos permiten tener conocimiento de la vida cotidiana de nuestras civilizaciones originarias. A esas realizaciones artísticas e intelectuales, desde una perspectiva eurocéntrica, se las conoce como Arte Precolombino.   
Museo Histórico Nacional
Defensa 1600
Ciudad Autónoma de Buenos Aires 

prensa:

Desierto y Agua: