sábado, 26 de febrero de 2022

¿Quién es Clara Wieck?, de Bety Gambartes y Diego Vila se estrenó en el Teatro San Martín

 



(Buenos Aires)

¿Quién es Clara Wieck? Es la  historia de una gran pianista y compositora, una niña prodigio que  se casó además con otro gran músico, Robert Schumann. En escena aparece Annie Dutoit Argerich en su interpretación de Clara acompañada  por  Eduardo Delgado en el piano y por Víctor Torres como barítono.

La obra se inicia con el personaje de Clara  quien narra su historia de vida, las dificultades que tuvo para casarse con Schumann a quién conoció en su  casa a los nueve años y se enamoró de él. El matrimonio no se pudo concretar hasta unos días antes de cumplir Clara los veintiún años, debido a la oposición del padre, y debió recurrir a los tribunales de París para poder hacerlo. El juicio duró tres años hasta que el tribunal falló a su favor.

La disciplina que le impuso padre, también músico, a Clara para lograr que fuera una pianista y compositora brillante originó dificultades en su vida afectiva. Clara describe a su padre como un hombre rígido y autoritario, tanto, que su madre escapó de la casa cuando ella tenía cuatro años.

A pesar de haber tenido ocho hijos, Clara Wieck quien adoptó el apellido Schumann, continuó su carrera musical ofreciendo conciertos por toda Europa. El dinero que ganaba, decía, contribuía al mantenimiento de su hogar.

Muchas  veces, para cumplir con sus obligaciones profesionales Clara debía dejar a su familia y viajar sola a diferentes ciudades. Pero nunca quiso abandonar su carrera musical.

También tuvo que afrontar la enfermedad mental  de su marido, quien por propia voluntad estuvo internado en un asilo hasta que murió.

En escena aparece Clara lamentando no haber podido ver a su marido durante la internación hasta el día en que la llaman y ese día muere. Una situación extremadamente dolorosa.

El personaje mantiene además una relación con el joven músico Johanes Brahms, catorce años menor que Clara,  a quien conoció en su casa. Esa relación la sostiene ante las dificultades que debe enfrentar.

Clara fue también inspiración, sostén y amor tanto para Schumann como para Brahms.

No sólo la enfermedad y la muerte de Schumann golpean a Clara, sino además la muerte de varios de sus hijos.

La música del piano interpretada por Eduardo Delgado y el canto de Víctor Torres, se va entrelazando y dialoga con el relato de Clara, quien se interpela a sí misma, como intérprete y compositora brillante y como mujer y madre.

Clara Wieck, una mujer excepcional que trascendió más allá de los límites que le imponía su contexto histórico.

La escenografía es acertada como también el vestuario y la iluminación. 

La actuación de Aniie Dutoit Argerich es excelente como también el acompañamiento de Eduardo Delgado y Víctor Torres. Se trata de un excepcional espectáculo de Betty Gambartes y Diego Vila.

 

Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530), perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires

 La obra está protagonizada por Annie Dutoit Argerich como Clara acompañada por Eduardo Delgado en el piano y con Víctor Torres o Hernán Iturralde como barítonos. 

 

Diseño de sonido y video: Miguel Álvarez, Gabriel Busso. Asesor musical:  Diego Vila. Diseño de iluminación: David Seldes. Diseño de vestuario: Graciela Galán. Diseño de escenografía: Gastón Joubert. Dirección general: Betty Gambartes

  Funciones: miércoles a domingos, 19 horas

Duración: 100 minutos

 

 

LA AUTORA Y DIRECTORA

Betty Gambartes es autora y directora de teatro y ópera. Creó numerosos espectáculos musicales basados en la teatralidad que surge de los versos de la canción popular, como Arráncame la vida –escrita junto con Chico Novarro–, uno de los musicales más exitosos del teatro argentino. Asimismo, en complicidad artística con el músico Diego Vila estrenó No te prometo amor eterno (Teatro Metropolitan Sura, 2007), Manzi, la vida en orsai (Teatro La Comedia, 2013), Lo prohibido (Paseo La Plaza, 2017) y la ópera Orestes, último tango, presentada en Holanda y Bélgica. En el Complejo Teatral de Buenos Aires montó Discepolín y yo, inspirado en el universo poético de Enrique Santos Discépolo y La ópera de tres centavos de Bertolt Brecht (Teatro Presidente Alvear, 2003 y 2004). 

 

 

sábado, 19 de febrero de 2022

Las cautivas, de Mariano Tenconi Blanco se repuso en el Teatro de la Ribera






(Buenos Aires)

La obra de Mariano Tenconi Blanco y su Compañía Teatro Futuro se repuso en el Teatro de la Ribera 

En el Teatro de la Ribera  (Avda. Pedro de Mendoza 1821)perteneciente  al Complejo Teatral de Buenos Aires,   se repuso  Las cautivas, con dramaturgia y dirección de Mariano Tenconi Blanco, primera obra de la tetralogía “La Saga Europea” de la Compañía Teatro Futuro.

 

Funciones: jueves y viernes, 19 horas. Sábados y domingos, 17 horas

Hasta el sábado 30 de abril

Duración: 90 minutos

 

 El elenco de Las cautivas está integrado por Laura Paredes y Lorena Vega, con Ian Shifres como músico en escena, también responsable de la música original y el diseño sonoro. Producción artística de Compañía Teatro Futuro: Carolina Castro. Diseño de movimiento: Jazmín Titiunik. Diseño de vestuario: Magda Banach. Diseño de luces: Matías Sendón. Diseño de escenografía: Rodrigo González Garillo.

 nota de Archivos del Sur:

https://archivosdelsur-teatro.blogspot.com/2021/09/se-estreno-las-cautivas-de-mariano.html


Algunas reseñas críticas sobre el espectáculo: 

 

“Como en Antígona Vélez de Marechal, como en los relatos borgeanos, Celine (el personaje que interpreta con delicadeza, con una variedad de detalles Laura Paredes) decide cambiarse de bando, irse con la india Rosalila (a cargo de Lorena Vega, contundente y enérgica), transformarse en otra como la manifestación suprema del amor”. (Alejandra Varela, Revista Ñ, 1° de octubre de 2021)

 

“(…) sus monólogos se suceden a un ritmo veloz, casi de western, de travesía por el paisaje mientras enfrentan aventuras y se entienden, encendidas cuerpo a cuerpo, a pura pasión. Con dos actrices que dan todo, entregadas al juego con alegría que traspasa y se festeja en el aplauso”. (Leni González, La Nación, 17 de septiembre de 2021)

 

“La potencia del estallido proviene de las actuaciones de Vega y Paredes, que revelan un trabajo minucioso para encontrar el ritmo preciso, la tensión, la comicidad y los pasajes emotivos a través de sus cuerpos y el vínculo con ese espacio delimitado por algunas rocas y un telón pintado que evoca el “páramo de tierra y bosta” donde transcurre la acción”. (Laura Gómez, Página 12, 9 de octubre de 2021) 

 

LA SAGA EUROPEA – LAS CAUTIVAS

La Compañía Teatro Futuro realiza una residencia artística en el Complejo Teatral de Buenos Aires con su proyecto “La Saga Europea”, conformada por un grupo de cuatro obras ambientadas en el siglo XIX que se proponen explorar la relación entre Latinoamérica y Europa a través del tamiz de la literatura. Desde el teatro de Shakespeare o La Divina Comedia, pasando por Goethe, Chateaubriand, Esteban Echeverría, Sara Gallardo o Copi, “La Saga Europea” confía en la ficción como modo de construcción del mundo. La serie está integrada por las obras Las cautivas, Las Ciencias Naturales, Las Invasiones Inglesas y Las traducciones.

 

En Las cautivas, la primera de las obras que se estrenó en el Teatro de la Ribera, un malón irrumpe en una boda y secuestra a la novia, una joven mujer francesa llamada Celine. Ya entre la tribu, en pleno festín, Celine será salvada por un inesperado protector: una india llamada Rosalila. Las dos mujeres se fugarán juntas a través de la monótona geografía de la Pampa. Atravesarán soles, lluvias, hambre, peleas, un tigre, un mono, dos soldados, una niña enferma y varios ríos. Si el origen del teatro, la tragedia griega, se propuso fundar mitos, este regreso al origen de la literatura argentina propone repensar la mitología nacional, siempre marcada por la admiración positivista francesa y la negación indigenista latinoamericana. Así, Las cautivas se ofrece como una refundación, como una metafísica, como una naturaleza, como pura ficción y como el afán de regresar a un lugar que hemos perdido definitivamente.

 

MARIANO TENCONI BLANCO
Dramaturgo y director de teatro, Mariano Tenconi Blanco (Buenos Aires, 1982) integra desde 2013 la Compañía Teatro Futuro junto con el músico Ian Shifres y la productora Carolina Castro. Como autor y director estrenó diez obras entre las que se destacan Quiero decir te amo, La fiera, Todo tendría sentido si no existiera la muerte y La vida extraordinaria. Participó de las residencias internacionales de escritura IWP 2016 de la Universidad de Iowa, Estados Unidos, el programa de escritura más antiguo del mundo, y IWP 2019 en Beijing, China.  Fue ganador del Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia 2015 (FIBA-UBA) y del Concurso Nacional del Instituto Nacional del Teatro (2016). Fue destacado por los Premios Konex como uno de los cinco mejores directores de la década (2010-2020). Sus obras han recibido numerosas nominaciones y premios como Trinidad Guevara, ACE, Teatros del Mundo, Teatro XXI, Premios Hugo, entre otros. Fue régisseur de las óperas La libertad total de Fagin-Katchadjian y Le malentendu de Panisello-Camus. Su obra fue traducida al inglés, francés, portugués, rumano, alemán y chino.



 


Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

viernes, 18 de febrero de 2022

Cine en el Teatro El Plata; La recuperada sala del barrio de Mataderos volverá durante este mes al que fue su destino original: el de la proyección de grandes películas


 

(Buenos Aires)

En el Cine Teatro El Plata perteneciente al  Complejo Teatral de Buenos Aires, organizado con  la Fundación Cinemateca Argentina el sábado 19 de febrero a las 19,30 se realizará  la primera función del ciclo Cine + Música, en el Cine  Teatro "El Plata" (Avda. Juan Bautista Alberdi 5765).

El Cameraman de Buster Keaton será proyectado con música de Marcelo Katz en vivo, evocando la forma en que se exhibían las películas en los inicios del cine como espectáculo


viernes, 11 de febrero de 2022

¿Quién es Clara Wieck? - Betty Gambartes estrena su espectáculo sobre la pianista más influyente y aclamada del siglo XIX

Annie Dutoit Argerich interpreta a Clara Wiek



 


Annie Dutoit Argerich como Clara Wieck y Betty Gambartes

Betty Gambartes y Diego Vila




(Buenos Aires)

El próximo sábado 19 de febrero a las 19 horas tendrá lugar en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530), perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires el estreno de ¿Quién es Clara Wieck?, un espectáculo de teatro musical creado por Betty Gambartes y Diego Vila. 

 La obra está protagonizada por Annie Dutoit Argerich como Clara acompañada por Eduardo Delgado en el piano y con Víctor Torres o Hernán Iturralde como barítonos. 

 

Diseño de sonido y video: Miguel Álvarez, Gabriel Busso. Asesor musical:  Diego Vila. Diseño de iluminación: David Seldes. Diseño de vestuario: Graciela Galán. Diseño de escenografía: Gastón Joubert. Dirección general: Betty Gambartes

  Funciones: miércoles a domingos, 19 horas

Duración: 100 minutos

 

LA OBRA 

A través de la presencia de una mujer, Clara Wieck, la pianista más influyente y aclamada de la Europa del siglo XIX, el espectador accede al mundo artístico y musical de su época. 

La vehemente Clara comparte sus pasiones y sus temores, su relación profunda con la música y con los dos grandes amores de su vida: Robert Schumann y Johannes Brahms. Ella fue inspiración, sostén y amor de ambos compositores, además de su más apasionada divulgadora. 

La obra toma vida a través del diálogo que se establece entre Clara y la música de Schumann y Brahms, interpretada por el pianista y el barítono. En ese diálogo Clara revive momentos de su vida: sus comienzos como niña prodigio, su temprano enamoramiento de Schumann a los nueve años y su lucha por independizarse de un padre posesivo y manipulador para casarse con el hombre que amaba; su firmeza para sostener su carrera profesional siendo madre de ocho hijos; la trágica enfermedad mental y temprana muerte de su esposo; su cuestionada y extensa relación amorosa con Johannes Brahms, catorce años menor que ella; su empeño en difundir la obra de quienes ella consideraba los compositores más importantes de su época; la enfermedad y muerte de varios de sus hijos y, al mismo tiempo, el éxito abrumador de sus innumerables giras por toda Europa.

Clara Wieck, una mujer excepcional que trascendió más allá de los límites que le imponía su contexto histórico.

 

LA AUTORA Y DIRECTORA

Betty Gambartes es autora y directora de teatro y ópera. Creó numerosos espectáculos musicales basados en la teatralidad que surge de los versos de la canción popular, como Arráncame la vida –escrita junto con Chico Novarro–, uno de los musicales más exitosos del teatro argentino. Asimismo, en complicidad artística con el músico Diego Vila estrenó No te prometo amor eterno (Teatro Metropolitan Sura, 2007), Manzi, la vida en orsai (Teatro La Comedia, 2013), Lo prohibido (Paseo La Plaza, 2017) y la ópera Orestes, último tango, presentada en Holanda y Bélgica. En el Complejo Teatral de Buenos Aires montó Discepolín y yo, inspirado en el universo poético de Enrique Santos Discépolo y La ópera de tres centavos de Bertolt Brecht (Teatro Presidente Alvear, 2003 y 2004). 



sábado, 5 de febrero de 2022

Festival Temporada Alta en Buenos Aires - TABA





 (Buenos Aires)

El Festival Temporada Alta en Buenos Aires - TABA es, desde 2013, la cita teatral de referencia en el verano. En la edición 2022 se celebran los 10 años de festival y los 20 años de vida de Timbre4, sede de este Festival.

Con el objetivo fijado de mantener el compromiso con la cultura, la creación y el público, el festival se realizará entre el 16 y el 27 de febrero del 2022, contemplando una línea de programación presencial internacional, acompañada de algunas obras en formato online, además del ya tradicional Torneo de Dramaturgia y diversos seminarios escénicos realizado por artistas nacionales.

 



Programación presencial

El SEÑOR ARMAND, ALIAS GARRINCHA

Perú

De cómo el Sr. Armand, jugador oscuro del Júnior Olímpico de Marsella, salvó la vida del mejor futbolista brasileño, Manoel Francisco dos Santos, apodado Garrincha, impidiéndole enfrentar en el Estadio Velódromo en junio de 1955, y de cómo al mismo tiempo salvó a todo el equipo de Botafogo de la muerte. De cómo también provocó la muerte de treinta y cuatro médicos automobilófilos en el terrible accidente de las Veinticuatro Horas de Le Mans el 11 de junio de 1955 a las 18.28.

 

Una coproducción de la Alianza Francesa de Lima.

 

Este proyecto cuenta con el apoyo del programa para las artes escénicas en Sudamérica hispanoparlante (Ministerio de Europa y Asuntos Exteriores, Ministerio de Cultura de Francia y Institut Français).

 

Duración: 70 minutos

Traducción: Miguel Iza (Perú) y Gilbert Rouvière (Francia)

Dramaturgia: Serge Valletti

Dirección, diseño de iluminación y escenografía: Gilbert Rouvière

Actor: Jorge Armas.

Producción: Paola Alcántara

Funciones: Miércoles 16 de febrero 20.30hs y jueves 17 de febrero 22.30hs.

LIVALONE

ESPAÑA - CATALUÑA

Francesc Cuéllar encarna el prototipo de joven de veintitantos que intenta la gran hazaña de independizarse, sin compartir piso, en Barcelona. Utilizando la conferencia como formato vehiculador se construye un relato en primera persona, con lucidez y humor, sobre los caminos para conseguir la autosuficiencia antes de los treinta. Una disección de las adversidades y los obstáculos que deben afrontar, para sobrevivir con cierta dignidad, una generación de jóvenes millenials que viven indefinidamente en precario: la especulación, la gentrificación, la burbuja inmobiliaria, el turismo de masas... Un repaso minucioso y sarcástico de los usos y costumbres, derechos y necesidades de la sociedad contemporánea. En cuanto a maneras de vivir se refiere.

Una coproducción de Temporada Alta, FiraTàrrega 2019 y Fundación Agrupación Colectiva, con el apoyo de El Graner - Centre de Creació de Dansa i Arts Vives y la Nau Ivanow. Fecha de estreno: Septiembre 2019 en Cal Trepat, Fira Tàrrega 2019.

Duración: 60 minutos

Creación: Alejandro Curiel y Francesc Cuéllar

Intérpretes: Francesc Cuéllar y Alejandro Curiel

Audiovisuales: Alejandro Curiel

Producción ejecutiva: Anna Maruny.

Funciones: Jueves 17 y viernes 19 de febrero 20.30hs.

 

POCAHONTAS

España - Cataluña

Pocahontas un día fue alguien, pero ahora se ha convertido en un símbolo. Pocahontas

son todas esas mujeres que hay dentro de cada individuo, esa enorme fila de vivencias

impregnadas en cada poro de nuestra piel. Pocahontas es resentimiento, odio, pero

también es pureza, luz, ironía y libertad. Así que, la Pocahontas que veremos no es una víctima salida directa del siglo XVI sino, una víctima salida del siglo XVI que ha tenido que presenciar el transcurso de la historia hasta el día de hoy. Ha tenido que ver segundo a segundo, minuto a minuto de nuestra “brillante” evolución.

No pretenderemos mostrar un espacio lleno de simbolismo porque Pocahontas ya encierra en sí misma todas las caras posibles de una moneda. La tendremos a ella, solo. A ella expulsando toda su historia, transformándose, convirtiéndose. Y no necesitaremos nada más que unos buenos amplificadores para que pueda poner su música, y no necesitaremos nada más que un proyector para proyectar encima de ella todas aquellas imágenes que necesite usar para mostrarnos su mundo, su visión, su versión. Los iconos más kitsch aparecerán proyectados en escena mientras la música trap y hip-hop, que tanto nos representa ahora, sonara a todo trapo por los amplificadores.

Aunque el panorama pueda parecer agresivo, sobrio, seco, huiremos totalmente de todo aquello que pueda alejarnos del espectador ya que, Pocahontas, lo único que quiere es respeto, empatía, y creemos que la única manera de realmente conseguir todo esto es a través del humor.

 

Una producción de Bàrbara Mestanza con el apoyo de la Sala Beckett.

Esta obra es una Creación colectiva de todo el equipo.

 

Agradecimientos: Vicenç Colomer, Ariadna Giné, Mireia Vila, Marta Jutglar, Laia Viñes, Mariona Riera, Íngrid Mas, Griselda Ramon i Òscar Palenque

 

Duración: 80 minutos

Texto, dirección e interpretación: Bàrbara Mestanza

Ayudante de dirección: Laia Alberch

Dirección trabajo corporal: Carla Tovias

Diseño de luces: Rubén Homar

Escenografía: Judit Colomer

Audiovisuales: Rubén Homar

Confección de vestuario: Núria Milà

Foto: Laia Alberch y Miguel Triano

Funciones: Sábado 19 y domingo 20 de febrero 20.30hs.

 

SE RESPIRA EN EL JARDÍN COMO EN UN BOSQUE

España – Cataluña

e respira en el jardín como en un bosque es una pieza de teatro que esencialmente podría definirse como ejercicio escénico para una sola persona, donde quien asiste a la obra ocupa el rol de intérprete y público consecutivamente. En esta pieza se proponen las dos acciones básicas del acto teatral: alguien mira en silencio mientras alguien lleva a cabo una coreografía de acciones en un escenario. Y a partir de esta convención teatral primitiva que ha perdurado durante miles de años hasta nuestros días, se propone un juego escénico a través de una narración sostenida por simples acciones que confrontan al participante con la convención representada. En esta experiencia afloran algunas cuestiones alrededor de cómo se comprende la realidad, quien es capaz de construirla y por qué nos encanta observar en silencio, al igual que hacemos cuando vamos al teatro, el artificio del mundo que hemos creado.

 

Una producción de Santarcangelo Festival, CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli Venezia Giulia, Cielo Drive. Con el apoyo de Mas Nyam Nyam, Mieres

 

Duración: 30 minutos

Idea: El Conde De Torrefiel

Texto: Pablo Gisbert

Creación: El Conde De Torrefiel

Diseño sonoro: Rebecca Praga

Voz: Tanya Beyeler

Imágenes: Olga Fedorova

Dirección técnica: Isaac Torres

Funciones: Sábado 19 y domingo 20 a las 19, 19.35, 20.10, 20.45, 21.30, 22.15hs.

 

TORNEO DE DRAMATURGIA

El torneo de dramaturgia es un evento clásico de Temporada Alta. En este encuentro compiten textos de Cataluña y Argentina. Como en cada edición, el Mediterráneo y el Río de la Plata se medirán en este torneo transatlántico. El público decide en cada semifinal quién pasa a la final. Los espectadores son quienes escogen al ganador.

 

SEMIFINALES

Jueves 24 y viernes 25 de febrero 21.30hs.

Entrada flexible desde $400.

 

GRAN FINAL

Domingo 27 de febrero 20.30h.

 

Programación ONLINE 2022

PRELUDIO, de la compañía Teatro Niño Proletario - Chile

uesta en pantalla a partir de testimonios y textos del poeta Maximiliano Andrade.

En PRELUDIO confluyen tres relatos en torno a la mirada. Hablan de la imagen y el virus, en el caso del actor Jorge Becker que estuvo ciego varios meses a causa de una grave enfermedad y ahora su campo visual es muy limitado; de la imagen y el tiempo, en el caso de la actriz Luz Jiménez que ha perdido progresivamente su visión producto de su avanzada edad; y de la imagen y el poder, en el caso de Fabiola Campillai, quien sufre ceguera como consecuencia de un disparo de bomba lacrimógena en su rostro por parte de un carabinero durante el estallido social.

La séptima creación de la compañía chilena Teatro Niño Proletario, es un proyecto escénico-audiovisual que investiga y reflexiona en torno a la importancia de la percepción visual y la memoria, en un momento histórico marcado por el consumo y abuso extremo del cuerpo y de la imagen, y en un contexto político social que ha enfrentado a la sociedad chilena a la violación de derechos humanos más terribles de los últimos tiempos.

Esta pieza audiovisual, concebida originalmente como un proyecto escénico, fue realizada y exhibida en Chile en diversas instancias como una experiencia inmersiva, donde los espectadores podían asistir a una instalación realizada en un espacio especialmente escogido para ello.

Ficha artística

Dirección: Francisco Medina Donoso.

Asistente de Dirección: Daniela Contreras López.

Dramaturgismo: Teatro Niño Proletario a partir del texto "Miedo a Olvidar la luz" de Maximiliano Andrade.

Elenco: Luz Jiménez, Jorge Becker, Rodrigo Velásquez, Graciela Reyes y Fabiola Campillai.

Participación Especial: Marco Espinoza y Benjamín Espinoza.

Equipo Actoral de Investigación: Luz Jiménez, Jorge Becker, Rodrigo Velásquez, Graciela Reyes, Ema Pinto, Ivo Luz, Beatriz Souza.

Espacio Escénico: Francisco Medina y Catalina Devia.

Iluminación y vestuario: Catalina Devia.

Música: Daniel Marabolí.

Exposición Fotográfica: Paz Errázuriz.

Registro Fotográfico: Jorge Villa.

Realización Audiovisual: Daniela López Lugo.

Sonido: Macarena Veas.

Registro y edición de voces: Carlos Barros.

Diseño Gráfico: Ornamenta Studio.

Producción General: Erna Molina.

Localidades a la gorra

 

FLACA ALEJADA, de la Compañía Geografía Teatral,

Chile

 

Esta obra sonora en formato podcast es una creación de la compañía trasandina Geografía Teatral.

Una mujer escapa hasta Rapa Nui, la isla más alejada del planeta, arrancando de un horroroso pasado, dónde fue víctima y victimaria de los crímenes más horribles que uno pueda imaginar. En la isla ella intentará ser una persona común y corriente, pero su pasado es un monstruo que no perdona, y al iniciar la obra ha llegado hasta este excéntrico escondite para delatarla y exponer ante todo los isleños quien es o fue ella realmente.

La protagonista y su historia de FLACA ALEJADA, es del dramaturgo Tomás Espinosa y la ficción está inspirada en la ya icónica historia y personaje real de “La Flaca Alejandra”, la mujer que pasó de trabajar para MIR a la DINA, tras ser torturada por los agentes de la dictadura militar chilena.

 

Ficha artística:

Dirección y dramaturgia: Tomás Espinosa Bertrán

Elenco: Paula Bravo, Bárbara Vera, Felipe Zepeda, Juan José Acuña

Diseño de Vestuario: Carola Chacón Zuloaga

Diseño de Escenografía e Iluminación: Tobías Díaz Doll

Música: Juan José Acuña

Producción General: Camila Provoste Cid

Asistente de dirección: Valentina Torrealba

Asistentes de vestuario: Amanda Cornejo y Cote Valenzuela Olguín

Diseño Gráfico: Javier Pañella

Prensa: Claudia Palominos

Fotografías: Len Hurtado

Videos: José Miguel Araya

Edición sonora: David Cáceres

Localidades a la gorra

 

LA HIBERNACIÓN DEL OSO PARDO

De Obradoras escénicas

Argentina – España

Esta es una pieza audiovisual que fue realizada durante el 2021 por OBRADORAS escénicas.

¿A dónde nos lleva la introspección?

"La hibernación del oso pardo" constituye la etapa V del PROYECTO TRAMA y es una pieza audiovisual generada a partir de testimonios y materiales de artistas que residen en distintas partes del mundo, que reflexiona en torno al encierro y los procesos creativos.

OBRADORAS escénicas es una dupla creadora conformada por Mónica Acevedo (actriz, directora, docente, performer y gestora) y María García de Oteyza (directora, dramaturga y docente) en el año 2016 con actividad regular hasta la actualidad.

Su trabajo creativo se caracteriza por tener un enfoque investigativo, por adoptar una metodología de trabajo que generalmente parte de materiales no dramatúrgicos (que derivan en una dramaturgia escénica o audiovisual a través de ensamblajes) y por gestionar y generar proyectos artísticos que convocan a diversos colaboradores.

Con el objetivo de compartir su metodología de trabajo, han implementado varias ediciones del Seminario de investigación y creación escénica en Teatro Timbre4, orientado a teatristas, donde ofrecen herramientas creativas de trabajo para la escena a partir de materiales no dramatúrgicos (y, en ocasiones, no textuales).

Paralelamente, Mónica Acevedo ha realizado talleres de entrenamiento actoral (Espacio 33 y diversas instituciones en Santiago de Chile) y María García de Oteyza de asistencia de dirección teatral (Teatro Timbre4 y Fundación Sagai).

OBRADORAS escénicas desarrolla desde el 2016 el PROYECTO TRAMA, una serie de puestas performativas que se van sucediendo en etapas y que a su vez van entretejiendo conceptos y un entramado de investigación que apunta a la generación de nuevos lenguajes y la experimentación de diversas maneras de vincularse con los espectadores.

 

Ficha artística:

Idea original, realización y edición: OBRADORAS ESCÉNICAS (Moni Acevedo y María García de Oteyza)

Ilustración y animación: Nuria Moris

Este proyecto cuenta con el apoyo de PROTEATRO y la colaboración de los siguiente artistas: Pablo Bellocchio, Juan Francisco Berri, Verónica Bozzano, Marigela Ginard, Matías Marshall, Nuria Moris, Renata Serna Hosie, Macarena Trigo y Andrea China Villagrán.

 

Localidades gratuitas

 

Las esenciales, Teatro radio de Timbre4,por Claudio Tolcachir,

María García de Oteyza, y Moni Acevedo

Argentina

eatro-Radio es el nombre que le hemos dado a esta experiencia de grabar por primera vez en nuestra sala, la versión audible de esta obra dramatúrgica en formato podcast, en la que se ha involucrado al equipo organizador del ciclo al completo.

En la línea de corte de un matadero, de pronto, no solo hay vacas; también está el cuerpo de una mujer colgando cabeza abajo. Es una de las trabajadoras. A raíz de este accidente, sus compañeros proclaman una huelga e intentan hacerse oír frente a la directora, mientras que el propietario se rehúsa a hacerse presente. Las vacas son las testigos silenciosas de esta movilización obrera. Un relato conmovedor y divertido que evidencia el absurdo en el que a veces nos vemos inmersos como sociedad.

Esta es la segunda obra de la autora, directora y dramaturga Faustine Noguès. Nacida en Toulouse en 1993, se formó en clases preparatorias para el ingreso a la École Normale Supérieure y a la École Normale Supérieure des Lettres y obtuvo un máster en estudios teatrales en la Sorbonne Nouvelle. Las esenciales fue seleccionada por el sello Jeunes Textes en Liberté en 2019.

Este proyecto formó parte del segundo ciclo Teatro sin teatro: La France! 2021, y fue posible gracias al apoyo de la Embajada de Francia en Buenos Aires y el Instituto Francés en Argentina.

Ficha artística:

Dramaturgia; Faustine Nogués

Dirección: Moni Acevedo, María García de Oteyza, Claudio Tolcachir

Producción: Timbre4

Elenco: Moni Acevedo, María García de Oteyza, Maxime Seugé, Claudio Tolcachir, Jonathan Zak

Diseño sonoro y edición: José Binetti.

 

Localidades gratuitas

Timbre4 desde cuatro costados

Serie audiovisual de Timbre4

Argentina

Este proyecto ha sido pensado en formato audiovisual y está formado por cuatro cápsulas que dan cuenta del proyecto Timbre4, desde los testimonios de sus propios creadores, teniendo cuatro capítulos: Historia, creación, docencia y gestión.

 

Ficha artística:

Testimonios: Claudio Tolcachir, Lautaro Perotti, Diego Faturos, Melisa Hermida, Tamara Kiper, Maxime Seugé, Jonathan Zak

Producción Ejecutiva: Maxime Seugé, Jonathan Zak

Dirección: Francisco Castro Pizzo

Coordinación General: Moni Acevedo

Fotografía Y Cámara: Ignacio Codino, Francisco Castro Pizzo

Iluminación: Adrián Grimozzi

Sonido Y Post Producción De Sonido: Félix Marano

Montaje Y Corrección De Color: Francisco Castro Pizzo

Música: Nicolás Benítez

Producción: Timbre4, Proyecto Excursus

En Coproducción con Buenos Aires Ciudad Vivamos Cultura

 

Localidades gratuitas

https://www.timbre4.com/festivales/10-festival-temporada-alta-2022-taba.html