Se estrenó El suelo que sostiene a Hande, de Paco Gámez en el Teatro Regio

 

La directora Corina Fiorillo y parte del elenco

 

(Buenos Aires)

 

El viernes 11 de abril se estrenó con la presencia del autor, en el Teatro Regio (Av. Córdoba 6056) El suelo que sostiene a Hande, una pieza del español Paco Gámez que dirige Corina Fiorillo –responsable también de la adaptación– con un elenco integrado por Payuca, Mario Alarcón, Mariana Genesio Peña, Marcelo Savignone, Paula Mbarak, Antonia Bengoechea, Diego Gentile, Gustavo Pardi, Inda Lavalle, Sofía Diéguez y Tomás Pol. 

 El suelo que sostiene a Hande se inspira en la vida de Hande Kader, una activista transgénero turca asesinada en 2016. “Me encontré con esta historia que me pareció interesante de contar: una mujer que luchó y perdió la vida por la defensa de sus derechos. Aunque se hizo muy conocida allí, no se sabe nada de su asesinato, tampoco de su pasado. Todo su origen ha sido borrado por el contexto social”, explica Paco Gámez, una de las voces más potentes de la nueva dramaturgia española.

La obra empieza con el nacimiento de Hande,  que no se llama así sino Jonás.

A medida que transcurre el tiempo, Jonás va descubriéndose y se va transformando.

Varias personas se entrecruzan con Hande en distintos momentos de su vida y aportan un mapa de su camino y de su desaparición. Aunque parte de su asesinato, el autor no intenta tanto una recreación del hecho como un viaje por su vida, en el cual lo documental se mezcla con lo poético para transformar a Hande en una heroína de una tragedia contemporánea. Ella se esconde en los silencios y en todo lo que su entorno borra, evita y omite.

 El suelo que sostiene a Hande es una historia de pérdidas y de búsquedas: las de la propia identidad, las de un cuerpo, las de los culpables de un asesinato atroz.

Con muy buenas actuaciones y puesta en escena, la iluminación, el vestuario y la música contribuyen a la realización de este espectáculo.

 Realización musical y diseño de sonido: Tomás Pol. Diseño de movimiento: Marcelo Savignone. Diseño audiovisual: Moreno Pereyra. Diseño de iluminación: Ricardo Sica. Diseño de escenografía y vestuario: Marlene Lievendag y Micaela Sleigh. 

 

Las funciones serán de jueves a domingos a las 20 horas hasta el domingo 8 de junio.

 

Duración: 90 minutos

 

 

Paco Gámez (Úbeda, 1982) es dramaturgo, actor, director y docente. Licenciado en Filología Inglesa por la Universidad de Jaén y en Interpretación por la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla, entre sus obras destacan El fin, Inquilino (Numancia 9, 2º A), Katana y El suelo que sostiene a Hande, además de versiones como Eneida: playlist para un continente a la deriva o Las Calatravas. Sus obras se estrenaron en el Centro Dramático Nacional, el Teatro Real, los Teatros del Canal, el Teatro Circo Price, La Joven, el Pavón Kamikaze, el Gala Theater (Washington D. C.), el Teatro de la Zarzuela, el Arriaga de Bilbao, el Principal de Vitoria, el Victoria Eugenia de San Sebastián y el Staatstheater Mainz (Alemania), entre otros. Fue autor residente en la Sala Beckett de Barcelona, en los laboratorios de la SGAE, en el Programa Nuevas Dramaturgias del INAEM (Ministerio de Cultura de España) y el Antzerkigintza Berriak del Gobierno Vasco. Sus textos fueron traducidos al inglés, francés, alemán, italiano, portugués, euskera, catalán, rumano, polaco y chino.

 

Corina Fiorillo (1965) es directora teatral y docente. De la gran cantidad de montajes que realizó destacan Miembro del jurado de Roberto Perinelli (Teatro Cervantes, 2013), Nerium Park de Josep María Miró Coromina (Timbre 4, 2015), Tebas Land de Sergio Blanco (Timbre 4, 2016), Seis personajes en busca de un autor de Luigi Pirandello (Teatro Real de Córdoba, 2017), El vestidor de Ronald Harwood (Paseo La Plaza, 2018), Carcajada salvaje de Christopher Durang (Multitabarís, 2019), Caníbal de Sebastián Suñé (Teatro Picadero, 2020). En las salas del Complejo Teatral de Buenos Aires estrenó El principio de Arquímedes de Josep María Miró Coromina (Teatro San Martín, 2014), El arquitecto y el emperador de Asiria de Fernando Arrabal (Teatro San Martín, 2015) y El avaro de Molière (Teatro Regio, 2017). Recibió entre otras distinciones varios Premios ACE, incluyendo el de Oro, siendo la primera directora mujer en obtenerlo, además del Konex, el Trinidad Guevara, el María Guerrero, el Estrella de Mar y el Premio del Público del Centro Cultural Ricardo Rojas.

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

Se estrenó Juana, en el Teatro Regio, con Juana Viale, una creación de Chevi Muraday

 

(Buenos Aires)

Se estrenó Juana con la actriz argentina Juana Viale en el Teatro Regio, Av. Córdoba 6056, Ciudad de Buenos Aires. Es una creación de Chevi Muraday, uno de los artistas más importantes en el panorama teatral de España.

Con una excelente actuación de Juana Viale, y una excelente puesta y coreografía, acompañmiento de los bailarines Nicolás Baroni, Rodrigo Bonaventura, Emiliano Pi Alvarez y Andrés Rosso, el espectáculo  tiene dramaturgia de Juan Carlos Rubio con textos de Juan Carlos Rubio, Marina Seresesky y Clarice Lispector.

El espectáculo es un viaje simbólico a través de la memoria, de la historia y los personajes femeninos como Juana la Loca, Juana de Arco, la Papisa Juana, Sor Juana Inés de la Cruz, Juana Azurduy, Juana Doña, mujeres a las que une un nombre como el de la protagonista.

Cada uno de esos personajes tiene una historia de lucha, ideales y resistencia.

La coreografía es también protagonista del espectáculo,  va mutando de acuerdo con las situaciones que presenta cada una de las historias y personajes.

 

“Al atravesar los bosques de la memoria encontramos a una mujer, a muchas mujeres, unidas por un mismo nombre, que se preguntan incesantemente si hay un destino femenino en la Tierra”. Con esta premisa, el prestigioso bailarín y coreógrafo español Chevi Muraday presenta Juana, un espectáculo en el que ciertas Juanas de la historia (Juana la Loca, Juana de Arco, la Papisa Juana, Sor Juana Inés de la Cruz, Juana Azurduy o Juana Doña) dejan “los vestigios de un legado que retumba una y otra vez en esos, a menudo, sordos oídos del presente”.

Este espectáculo, explora “los ciclos del mundo, la naturaleza salvaje y profunda de la mujer, el camino de vuelta a casa”, según dice Muraday (autor de la idea original, y de la coreografía y dirección) .

Juana tiene dramaturgia de Juan Carlos Rubio con textos de Juan Carlos Rubio, Marina Seresesky y Clarice Lispector. Está protagonizada por Juana Viale, a quien acompañan los bailarines Nicolás Baroni, Rodrigo Bonaventura, Emiliano Pi Alvarez y Andrés Rosso. El asistente de escena es Gonzalo Leonel Arancibia.

La música original es de Mariano Marín, el diseño y puesta de sonido de Pablo “El Ruso” Aidelman, el diseño de iluminación es de Nicolás Fischtel (con adaptación de Adrián Grimozzi), el diseño de vestuario es Chevi Muraday (adaptado por La Polilla), el diseño de escenografía es de Curt Allen y Chevi Muraday (con adaptación escenográfica de Vanesa Abramovich), la dirección actoral es de Eduardo Gondell, la producción para Club Media es de Tomás Bru, y el diseño de coreografía y la dirección general y artística es de Chevi Muraday.

 En el estreno para la prensa e invitados estuvo presente la actriz Mirta Legrand, abuela de Juana Viale.  

Las funciones son  de jueves a sábados a las 20 horas, y los domingos a las 19 horas.

Duración: 80 minutos

 

Juana es una coproducción entre Club Media y el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad.

 

El madrileño Chevi Muraday es un bailarín, coreógrafo, docente e incansable creador contemporáneo. En 1997 crea Losdedae, su propia compañía de danza, con el propósito de generar movimiento en torno a la danza contemporánea en España. Desde 1997 dirigió más de 40 piezas, entre las que se cuentan Juana (2019, con la actriz Aitana Sanchez Gijon) y El perdón (2022, con Juana Acosta), que hicieron temporada en el Teatro Español de Madrid con gran éxito de crítica y de público, y en 2024 estrena Pandataria con Cayetana Guillen Cuervo, estrenada en el Teatro Romano del Festival Internacional de Mérida. Losdedae bailó en los principales escenarios y festivales tanto a nivel nacional como internacional, pasando –entre otros países- por Brasil, Bulgaria, Filipinas, Chile, Argentina, Ecuador o Polonia. Entre otros reconocimientos, Chevi Muraday recibió el premio como coreógrafo en el certamen nacional de Maspalomas - Masdanza (2000); el Premio Nacional de Danza (2006); el premio Ceres a la Mejor Coreografía por Cuerpo Fronterizo (Chile, 2015); fue finalista a los Premios Max en los rubros Mejor Bailarín y Mejor Espectáculo por Cenizas (2015), galardón que recibió al Mejor Espectáculo de Danza por En el Desierto (2016). Chevi Muraday es socio fundador de la Academia de las Artes Escénicas de Madrid desde 2014, y recibió el premio Shangay a toda su carrera como creador, y el Reconocimiento Académico de Honor de la Academia de las Artes Escénicas (2024).

 

Juana Viale es una actriz argentina, conocida por su versatilidad en el teatro, el cine y la televisión. Aunque inicialmente alcanzó la fama en la pantalla chica, Juana construyó una sólida carrera en el teatro, donde demostró su talento para interpretar una amplia gama de personajes con profundidad y emoción. En 2013 debutó con la pieza La celebración, dirigida por Daniel Barone, por la que recibió elogios por su interpretación y compartió escenario con actores de renombre. Luego continuó su ascenso con obras como La sangre de los árboles (2016), dirigida por Luis Barrales, donde mostró una faceta más madura y comprometida y en la que exploró temas intensos y complejos. Con El ardor (2018) y 40 días y 40 noches (2019), dirigida en ambas por Luciano Cáceres, reafirmó su presencia en la escena teatral argentina con una interpretación apasionada y llena de matices. En 2024, Juana Viale asume el desafío de protagonizar Juana, en la que encarna diferentes mujeres históricas que comparten su nombre, y en la que muestra su habilidad para sumergirse en personajes diversos y memorables, uno de sus proyectos teatrales más ambiciosos hasta la fecha.

 

El Teatro Regio integra el Complejo Teatral de Buenos Aires, organismo inaugurado en el 2000 que reúne seis salas teatrales dependientes del Ministerio de Cultura de la Ciudad: San Martín, Presidente Alvear, Regio, De la Ribera, Sarmiento y El Plata.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Se presenta Manual para armar un sueño de la compañía andaluza La Zaranda en el Teatro Regio

 

Eusebio Calonge 

(Buenos Aires)

Se estrenó Manual para armar un sueño, de la compañía andaluza La Zaranda en el Teatro Regio.

 Entre el 21 de agosto y el 8 de septiembre, en el Teatro Regio se presenta La Zaranda, Teatro Inestable de Ninguna Parte, con su espectáculo Manual para armar un sueño, con texto de Eusebio Calonge y dirección de Paco de La Zaranda.

Con su particular estilo, La Zaranda interpreta esta obra con texto de Eusebio Calonge donde además de ser poético, hace una crítica al mundo del espectáculo,  las excesivas expectativas, la fama y la burocracia.

Además tiene humor y transcurre en un breve espacio, el que va del camarín al escenario.

En ese trayecto, los personajes se burlan de casi todo. Utilizan  la parodia, la sátira, el sarcasmo para criticar a aquellos que  tienen puestos de responsabilidad relacionada con el espectáculo y entorpecen la creación.

Los personajes atraviesan las puertas de la fama, la envidia, la usura, la burocracia y el lamento.

 La obra es una oda a la esperanza que intenta echar luz en las tinieblas de un mundo hostil. El texto obliga al espectador a estar atento al texto mismo y al trabajo de los actores.

Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos son los intérpretes de esta nueva experiencia escénica de La Zaranda que cuenta con texto de Eusebio Clonge, dirección y espacio escénico de Paco de La Zaranda, iluminación de Peggy Bruzual, vestuario de Encarnación Sancho, realización artística de Eduardo Saborido y asistencia de dirección de Andrea Delicado.

Las actuaciones son muy buenas, así como la escenografía y la iluminación y puesta en escena.

Las funciones tendrán lugar de miércoles a domingos a las 20 horas

 

Teatro Regio (Av. Córdoba 6056)

 

En sus más de cuatro décadas de existencia, La Zaranda realizó una intensa y coherente labor creadora que le valió prestigio internacional. Su trayectoria tiene como constantes el compromiso existencial y partir de sus raíces tradicionales para revelar una simbología universal. Sus recursos dramáticos son la búsqueda de una poética trascendente sin perder la cotidianidad, el uso simbólico de los objetos, la expresividad visual, la encarnación de textos en situaciones puramente teatrales y la búsqueda por plasmar personajes vivos. En cuanto a su método de trabajo, se basa en un riguroso proceso de creación en comunidad. La Zaranda, como tamiz que preserva lo esencial y desecha lo inservible, desarrolla una poética teatral que, lejos de fórmulas estereotipadas o efímeras, se consolidó a partir de un lenguaje propio, que siempre intenta evocar a la memoria e invitar a la reflexión.

 El repertorio de la Zaranda está integrado por las obras La batalla de los ausentes (2021), El desguace de las musas (2019), Ahora todo es noche (2017), El grito en el cielo (2014), El régimen del pienso (2012), Nadie lo quiere creer (2010), Futuros difuntos (2008), Los que ríen los últimos (2006), Homenaje a los malditos (2004), Ni sombra de lo que fuimos (2002), La puerta estrecha (2000), Cuando la vida eterna se acabe (1997), Obra póstuma (1995), Perdonen la tristeza (1992), Vinagre de Jerez (1989), Mariameneo Mariameneo (1985), Los tinglaos de Maricastaña (1983).

 

El Teatro Regio integra el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad.

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Se estrenó El entenado, versión libre de Irina Alonso, de la novela de Juan José Saer en el Teatro Regio

 

 

 

(Buenos Aires)

 

Con muy buenas actuaciones, vestuario, música y diseño sonoro  e iluminación se estrenó en el Teatro Regio El entenado, versión libre de Irina Alonso de la novela de Juan José Saer. El elenco está integrado por Claudio Martínez Bel, Iride Mockert, Pablo Finamore y Aníbal Gulluni.

La música y el diseño sonoro son de Aníbal Gulluni, la coreografía y el diseño de movimiento de Damián Malvacio, el diseño de iluminación de Santiago Badillo, el diseño de vestuario de Magda Banach y el diseño de escenografía de Cecilia Zuvialde. La dirección es de la propia Irina Alonso.                          

 

Las funciones tendrán lugar de jueves a domingos a las 20 horas.

Última función: domingo 11 de agosto

Duración: 85 minutos

 

El Teatro Regio (Av. Córdoba 6056) es una de las salas que integran el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad.

Sobre la versión teatral de la magnífica novela de Juan José Saer, su directora explica que “cuenta dos historias: la de una compañía teatral española en 1570 y, a su vez, la que ellos vienen a relatarnos. Una obra dentro de una obra. Un teatro de telones pintados. Una compañía renacentista y un hombre que, como en una suerte de antiguo biodrama, cuenta la desmesurada historia de su vida, que es a la vez la de la conquista de América. En la llegada de los españoles a nuestra tierra, en el exterminio de los indios, palpita, sin dudas, algo de nuestro origen, de nuestra identidad. Pero el hombre que cuenta esta historia no camina sobre seguro. Sus conclusiones son sólo conjeturas. Importa lo que ha quedado en él luego del encuentro con los indios, ese encuentro trascendente con el otro, lo radicalmente distinto. Y queda una tarea: contar lo incontable, recordar cada día la vida de esos seres exterminados. El universo singular e irrepetible que inevitablemente se extinguió junto con ellos”.

 

El escritor argentino Juan José Saer (Serodino, provincia de Santa Fe, 1937) está considerado no sólo como uno de los grandes escritores argentinos, sino que figura también entre los mejores del siglo XX, en cualquier idioma. Enseñó Historia del Cine y Crítica y Estética Cinematográfica en la Universidad Nacional del Litoral, en Santa Fe, y en 1960 publicó su primer libro de cuentos, En la zona. Entre 1962 a 1968 vivió en Coslatiné Norte, en el campo santafecino, donde escribió su primera novela, Responso, publicada en 1964, a la que siguió La vuelta completa (1967), ambas obras influidas por el realismo y el regionalismo. En 1968 viajó a París para permanecer unos meses, aunque terminó radicándose definitivamente en esa ciudad, donde trabajó como profesor de literatura latinoamericana en la Universidad de Rennes. En esos años su producción tomó una dirección más afín con la nouveau roman francesa, en la que el texto y la forma resultan más relevantes que los personajes o el argumento: claros ejemplos de esta tendencia son El limonero real (1974) y La ocasión (1988). Publicó además La mayor (1976), Nadie nada nunca (1980), Glosa (1986) y El río sin orillas (1993), un recorrido por la historia argentina a través de un curso fluvial. Con La pesquisa (1995) incursionó en el policial y en Las nubes (1997) reflexionó sobre el tiempo, el espacio y la historia. El concepto de ficción (1997) recoge sus ensayos literarios. Juan José Saer murió en París en 2005 y al año siguiente apareció su novela póstuma: La grande. Publicada en 1983, El entenado es un ejemplo perfecto de novela moderna: contiene una trama clásica, reflexiones dignas del mejor ensayo y una forma trabajada hasta el límite en busca de la palabra precisa. Especie de relato de iniciación con aires de crónicas de Indias, resulta asimismo una fascinante disquisición sobre la diferencia entre lo civilizado y lo primitivo. Sobre el lenguaje y el poder de la palabra, la memoria y la escritura.

 

Actriz, directora teatral y docente, Irina Alonso se formó en actuación con Raúl Serrano, Ricardo Bartís y Rubén Szuchmacher; en danza con Roxana Grinstein, Guadalupe Cejas y Ernesto Carmona; y en canto con Eugenia Trino, Gabriel Yamil y Marcelo Armenti. Entre sus recientes trabajos de dirección figuran La mudita (2022), León y Sarita (2019) y La violencia de las horas (2018), basada en poemas de César Vallejo. Como resultado de su investigación sobre el cruce entre literatura y teatro estrenó Los muertos, sobre la novela de Mario Levrero y Sombras sobre vidrio esmerilado, a partir del relato de Juan José Saer. Como actriz protagonizó Medea de Eurípides (dirigida por Cecilia Meijide, 2017) y 24 horas viraje de Gilda Bona (Francisco Civit, 2020), trabajos por los que obtuvo importantes distinciones. Integró también los elencos de Ifigenia en Áulide de Eurípides, Lo que pasó cuando Nora dejó a su marido de Elfriede Jelinek y Enrique IV de Shakespeare, obras estrenadas en salas del Complejo Teatral de Buenos Aires y Las Troyanas, de JP Sartre, con dirección de Rubén Szuchmacher, en el Teatro Coliseo. Irina Alonso integra un linaje de grandes artistas: es hija de Ernesto Bianco, uno de los más grandes actores argentinos, y de Iris Alonso, actriz y hermana de los actores Tito y Pola Alonso, figuras emblemáticas de la época de oro del cine argentino, casados a su vez con María Rosa Gallo y Osvaldo Dragún, respectivamente. Además, su hermana es Ingrid Pelicori, también actriz y con quien en 2020 estrenó Papá Bianco y los Alonso, un biodrama sobre su familia de actores. Asimismo, desarrolla su labor docente en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático, el Centro Cultural Ricardo Rojas y en otros espacios privados.

 

 

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Carnicera, de Javier Daulte se estrenará en el Teatro Regio con dirección de Mariano Stolkiner

(Buenos Aires)

Se estrena en el teatro Regio la última creación de Javier Daulte presentada en 2021 en Barcelona, dirigida por Daulte y Mariano Stolkiner.

Javier Daulte y Mariano Stolkiner

A  partir del jueves 31 de agosto, se presentará Carnicera, pieza escrita por Javier Daulte y dirigida por Javier Daulte y Mariano Stolkiner, en el Teatro Regio (Av. Córdoba 6056), perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires.

Carnicera cuenta con la actuación de Karina K, Marcos Montes, Florencia Raggi y Agustín Daulte, más la voz en off de Héctor Díaz. La coach al idioma ruso es Ekaterina Balaneva, la música original es de Sami Abadi, el diseño lumínico es de Matías Sendón, el diseño de vestuario es de Gabriella Gerdelics, y el diseño escenográfico es de Gonzalo Córdoba Estévez.

Funciones: de jueves a domingos a las 20 horas. Duración: 90 minutos. Una presencia misteriosa acompaña a la soledad de Porcia en su rutina como trabajadora en un frigorífico industrial de carne. Esa presencia podría ser un peligroso terrorista que altera genéticamente la carne, un fugitivo, o podría ser un gato. Lo que aún no sabe Porcia es que ella y su obrador se convertirán en el escenario de lucha entre dos bandos, bandos que creen que un mundo mejor sólo es posible si se elimina al enemigo.

Carnicera, la última propuesta de Javier Daulte, utiliza este pretexto conspiranoico para cuestionar el mundo de las creencias y certezas que sustentan nuestra vida. Creencias que generan bandos y que necesitan de un pueblo convencido al que se obliga a tomar partido, a convertirlo en daño colateral o, incluso, a hacerle partícipe del sacrificio que supone creer sólo en una versión, sin fisuras.

Sobre Javier Daulte

Dramaturgo, guionista, director y docente. Por su trabajo ha recibido más de un centenar de distinciones a nivel nacional e internacional. De sus trabajos, cabe destacar: Me gusta, Las irresponsables, Luz testigo, Después de casa de muñecas, Valeria radioactiva, Clarividentes, Los vecinos de arriba, Nuestras Mujeres, Venus en piel, Personitas, Amadeus, Una relación pornográfica, Macbeth, Lluvia constante, 4D Óptico, Filosofía de Vida, Vestuarios, Un Dios Salvaje, Baraka, La Felicidad, Nunca estuviste tan adorable, ¿Estás ahí?, Martha Stutz, Bésame Mucho, La Escala Humana y Criminal. Es autor, entre otras, de la serie Para Vestir Santos. Dirige el Espacio Callejón. En 2017 publicó su primera novela, El circuito escalera.

 

Sobre Mariano Stolkiner

Licenciado en dirección de artes escénicas, actor, docente y dramaturgo. Entre sus trabajos de dirección se destacan L.U.I.S. (Las últimas imágenes soñadas), Cleansed, Amor de Fedra, Shopping and Fucking, Adiós todavía, Iván y los perros, Biolenta. Delicado emparche femenino, Bajo el bosque de leche, Zorayda. La reina del Abasto, El año de Ricardo, Rota, Canción de Carnaval y Proyecto Toño, algunos de estos de su propia autoría. Dirige el Teatro El Extranjero y la Compañía “El Balcón de Meursault” con quien se ha presentado en numerosos teatros y festivales internacionales.  Por su labor ha sido distinguido en los premios ACE, Trinidad Guevara, Teatro del Mundo, Luisa Vehil y Teatro XXI entre otros.

 

 

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 “1983/2023 - 40 años de Democracia”

Títeres en el Teatro Regio: El rayo verde, la versión de la pieza inmortal de Julio Verne

 

(Buenos Aires)

Vuelve la versión de la pieza inmortal de Julio Verne, adaptada y dirigida por Adelaida Mangani para el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. Se presentará en el Teatro Regio, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires.

 El rayo verde, de Julio Verne, que con adaptación para teatro de títeres y dirección de Adelaida Mangani pondrá en escena el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín en el Teatro Regio (Avda. Córdoba 6056).

El elenco de El rayo verde está integrado por Ariadna Bufano, Eleonora Dafcik, Morgana Marchesi, Bruno Gianatelli, Fernando Morando, Mariano Pichetto y Esteban Quintana. El diseño de escenografía y vestuario de titiriteros es de Carlos Di Pasquo; el diseño de video y realización audiovisual es de Pablo Varela; el diseño de iluminación es de Adrían Grimozzi; el diseño de títeres y vestuario de títeres es de Mariana Díaz; el diseño de mecanismos y realizacion de títeres es de Alejandra Farley, Katy Raggi; la realización de vestuario de títeres es de Ayelen Laxalt; los objetos son de Estanislao Ortíz; la musicalización es de Adelaida Mangani y Esteban Quintana; el diseño de sonido es de Alan Guarinacci; la directora ayudante es Mariana Díaz; y la dirección es de Adelaida Mangani.

 

 

 

 

Del martes 18 al domingo 23 a las 15 horas.

Duración: 50 minutos.

 

Pocos segundos antes de que se ponga el sol, un rayo de color verde brillante atraviesa el cielo. Pero ¿alguien lo ha visto alguna vez? ¿Se sabe qué efectos produce en quien lo ha visto? Se dice que quien haya podido contemplarlo recibirá el don de comprender el misterio del amor. Elena, nuestra heroína, se niega a casarse sin antes tener la oportunidad de contemplar, una vez en su vida, el rayo verde y así poseer la sabiduría para encontrar a la persona amada. Para ello emprende junto a sus tíos y un ama de llaves travesías marítimas a bordo de distintas embarcaciones. Recorre playas, islas y grutas, disfrutando al mismo tiempo de magníficas puestas de sol. Durante esas travesías conocerá personas que la inspirarán, correrá enormes peligros, ayudará a quienes tienen necesidades, superará problemas. En fin, hará un viaje de sabiduría. ¿Al final? Al final se habrá divertido mucho, habrá encontrado el amor, y habrá descubierto, por una especial circunstancia, que es a través del arte que se logra comprender, al menos en parte, el misterio del universo.

 

Sobre El rayo verde dice Adelaida Mangani: “En esta nueva aventura queremos hablarle a la infancia, con humor y complicidad, del valor de la curiosidad, de la investigación, y de la naturaleza. Contamos esta historia con Títeres de Manipulación Directa sobre Mesa, acompañados, esta vez, con imágenes proyectadas. Ellas nos permiten destacar las maravillas del Cielo y el misterio del Universo”. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Elsa Tiro, la obra de Gonzalo Demaría en torno a Eugene O´Neill se presenta en el Teatro Regio

 

(Buenos Aires)

Elsa Tiro, la obra de Gonzalo Demaría en torno a Eugene O’Neill se presenta  en el Teatro Regio, con dirección de Luciano Cáceres. 

El sábado 11 de marzo a las 20 se estrenará para el público  en el Teatro Regio (Avda. Córdoba 6056) integrante del Compleo Teatral de Buenos Aires,  la obra  Elsa Tiro de Gonzalo Demaría, con dirección de Luciano Cáceres. El elenco está integrado (por orden alfabético) por Luciano Cáceres, Alejandra Radano y Josefina Scaglione. Las bailarinas son Federica Wankiewicz y Rosina Heldner, egresadas del Taller de Danza Contemporánea (TDC) del Teatro San Martín, y la pianista en vivo es Gabriela Bernasconi. La asistencia artística es de Rubén De la Torre, el diseño y la puesta audiovisual son de Iván Grigoriev, el diseño sonoro es de Gustavo Rodríguez, el diseño de movimiento y las coreografías son de Damián Malvacio (codirector del TDC del Teatro San Martín), la música original y la musicalización de Diego Vila, el diseño de vestuario es de Sofía Di Nunzio y el diseño de iluminación y escenografía de Gonzalo Córdova. 

 Las funciones se ofrecerán de jueves a domingos a las 20 horas. 

Duración: 75 minutos 

 Durante el espectáculo se proyectan imágenes con contenido sexual. 

La función del sábado 4 de marzo de Elsa Tiro forma parte de la programación del FIBA 2023 (Festival Internacional de Buenos Aires). 

 

Elsa Tiro

El padre del drama moderno, el norteamericano Eugene O’Neill, se inició como poeta en Buenos Aires. Era joven y un marginal de alma: los marineros inmigrantes de La Boca fueron sus amigos, las prostitutas del Paseo de Julio sus novias. Inspirado por una de ellas, La Renguita, el muchacho escribe su primera obra. Veinticinco años más tarde, ya consagrado como autor serio, un maduro y convaleciente O’Neill recibe el Premio Nobel. Su esposa Carlotta aprovecha los efectos del cloroformo para conocer aquel pasado y recuperar la misteriosa obra perdida.

Éste es el segundo espectáculo que Gonzalo Demaría y Luciano Cáceres presentan juntos en el CTBA como autor y director, respectivamente. En 2011 presentaron El cordero de ojos azules, también en el Teatro Regio.

 

Gonzalo Demaría es dramaturgo, novelista, compositor y director. Sus obras han sido estrenadas principalmente en Buenos Aires y en París. Escribió y dirigió La Anticrista y las langostas contra los vírgenes encratitas, Cabo verde, Novia con tulipanes y Lo que habló el pescado. Se inició como autor de teatro musical con Nenucha, la envenenadora de Monserrat (en colaboración con Damián Dreizik), a la que siguieron Houdini y Rita la salvaje, además de una ópera contemporánea en París, en el Thèâtre National de Chaillot, Mambo místico. Adaptó para la escena nacional los musicales Chicago, Zorba y Cabaret. Sus letras musicales para éste último fueron consideradas por los autores originales, Kander and Ebb, entre las mejores versiones de la obra en el mundo. Escribió Tarascones, que fue dirigida por Ciro Zorzoli y estrenada en el Teatro Cervantes y en El Picadero. Con Alfredo Arias colaboró en Relaciones tropicales y Trois Tangos. También es el autor de Happyland y el adaptador de Chanchadas, dirigidas por el mismo Arias y presentadas en el Teatro San Martín. Asimismo, en el marco de la programación del Complejo Teatral de Buenos Aires, escribió la versión libre de Don Gil de las calzas verdes de Tirso de Molina, Siglo de oro trans, dirigida por Pablo Maritano. 

 

Luciano Cáceres es uno de los directores y actores más reconocidos de su generación. Sus proyectos se reparten entre el cine, la televisión y el teatro. Como director teatral, ha estrenado en las mejores salas del país más de 40 textos de autores contemporáneos de prestigio como Sarah Kane, Javier Daulte, Gonzalo Demaría, Marius Von Mayenburg y René Pollesch (de él dirigió Esposas de dictadores I en el CTBA), entre otros; muchos de los cuales participaron de festivales nacionales e internacionales como Festival Grec de Barcelona, Festival Bretagne (Rennes, Francia), Festival de Manizales (Colombia), Festival Internacional de las Artes (Costa Rica), Festival de Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), Festival del Mercosur (Córdoba), Fiesta CABA del Teatro y Fiesta Nacional del Teatro.

Como actor de teatro, ha trabajado en más de 50 montajes desde 1989 bajo la dirección de Javier Daulte, Helena Tritek, Rafael Spregelburd, Rubén Szuchmacher y Alejandra Boero, entre otros. En cine ha protagonizado más de 20 películas tanto comerciales como independientes, nacionales e internacionales como Gato negro, Cien años de perdón, Carne de neón, La mosca en la ceniza, Operación México, Corralón, Mujer conejo, El amor (primera parte), con presencia en festivales de Venecia, Shanghái, San Sebastián, Berlín y Milán, entre otros.

En televisión participó y protagonizó ficciones como El elegido, Graduados, Signos, Los ricos no piden permiso, Señores Papis y La 1/5/18. Por este último trabajo fue galardonado como Mejor Actor protagónico de ficción en los premios Martín Fierro 2022. 

A lo largo de su trayectoria como actor y director recibió más de 50 distinciones y nominaciones a premios internacionales y nacionales como los del Festival Internacional de Milán y los Martín Fierro, Trinidad Guevara, Teatro del Mundo, A.C.E, Tato, María Guerrero, Florencio Sánchez, Cóndor de Plata, Estrella de Mar, y los del Festival Rojo Sangre, entre otros.

 

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1983/2023 – 40 años de Democracia.

 

Se estrenó La batalla de los ausentes, de la Compañía La zaranda, en el Teatro Regio

 

(Buenos Aires)

Se estrenó en el Teatro Regio, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires la obra La batalla de los ausentes, de la compañía andaluza La zaranda. Los intérpretes de esta nueva creación son Francisco Sánchez, Gaspar Campuzano y Enrique Bustos. El texto es de Eusebio Calonge y la dirección de Paco de La Zaranda.

En un ambiente fantasmal tres personajes irrumpen en la escena, son tres excombatientes de una guerra que ellos se aprestan a conmemorar, sin nadie que asista al acto recordartorio. Con una bandera, un atril y una ofrenda, los personajes ritualizan la conmemoración que va adquiriendo características de farsa. Sólo ellos recuerdan el frente de batalla, el enemigo, y la guerra.

Mientras transcurre la obra, que va encaminándose al absurdo, con cierta influencia de Beckett y su obra Esperando a Godot, los personajes esperan al enemigo, invisible, que puede presentarse en cualquier momento y lugar, dicen.

Mientras reflexionan acerca de la vida y la muerte y el poder. Los intérpretes se acompañan de muñecos en el escenario, se cambian de ropa, se acuestan en catres de campaña mientras esperan y recuerdan que hay que estar preparado para la batalla.

La obra se puede interpretar como una metáfora de la vida y el combate hasta el final, la resistencia ante las adversidades y la espera de la muerte, la última batalla, siempre atentos, ya que los enemigos, según dicen los personajes, somos nosotros mismos.

Son muy buenas las interpretaciones de todos los actores de la compañía, La zaranda, que ha estrenado varias obras en  escenarios argentinos.

Iluminación: Eusebio Calonge. Espacio escénico: Paco de La Zaranda. Vestuario: Encarnación Sancho y Morgan Surplus. Efectos militares y ayudantía de dirección: Andrea Delicado. Sonido: Torsten Weber. Fotografía y cartel original: Víctor Iglesias. Producción artística: Eduardo Martínez. Realización de objetos en Argentina: Ariel Vaccaro. Coordinación técnica en Argentina: Alberto López Sierra. Producción ejecutiva en Argentina: Luciano Greco. Producción general para Argentina: Sebastián Blutrach.

 Días y horarios de funciones: miércoles a domingos a las 20 horas

Última función: 28 de agosto

 

Aasidua visitante de los escenarios argentinos, la prestigiosa compañía andaluza tiene en esta ciudad una legión de fervientes seguidores de cada uno de sus espectáculos, muchos de ellos estrenados en nuestros salas. En La batalla de los ausentes, que presentan ahora en el Teatro Regio, "los sobrevivientes, vencidos por el tiempo y derrotados por las hostilidades del destino, no han abandonado la esperanza de realizar una última gesta gloriosa contra el olvido".

 

Elenco: 

Francisco Sánchez, Gaspar Campuzano y Enrique Bustos

Efectos militares y ayudantía de dirección: Andrea Delicado. Sonido: Torsten Weber. Iluminación: Eusebio Calonge. Vestuario: Encarnación Sancho, Morgan Surplus. Espacio escénico y dirección: Paco de La Zaranda

 Desde el miércoles 10

 Miércoles a domingos, 20 horas

 

Hasta el domingo 28

 

Duración: 90 minutos