domingo, 3 de noviembre de 2019

Campo minado, espectáculo de Lola Arias en el Teatro San Martín

Marcelo Vallejo, soldado argentino  voluntario en la Guerra de Malvinas y performer
en Campo minado 
los performers



(Buenos Aires)

Muchas obras se han escrito y filmado sobre el tema Guerra de Malvinas*.
El jueves 31 de octubre se estrenó Campo minado en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín.  El tema de Campo minado es la Guerra de Malvinas, el conflicto bélico que  mantuvieron la Argentina y el Reino Unido en 1982 por la soberanía de las Islas Malvinas, Georgias del Sur y Sandwich del Sur. Las islas fueron usurpadas  por el Reino Unido en 1833 y el archipiélago fue dominado desde entonces por el Reino Unido, algo nunca aceptado por la Argentina que las sigue reclamando como parte integral e indivisible de su territorio. El saldo que dejó la Guerra de Malvinas para la Argentina fue de más de seiscientos muertos, más de mil heridos y numerosos ex soldados padecieron secuelas psicológicas y  se suicidaron después de la guerra.
Sólo en el hundimiento del Crucero General Belgrano de la flota argentina murieron más de trescientos hombres.
En este espectáculo de Lola Arias, un grupo compuesto por tres veteranos argentinos y tres ingleses recuerdan la guerra y cada uno aporta su propia historia. Considerando lo que dice la escritora británica P.D. James acerca de la memoria en su libro “La edad de la franqueza” :
“…Y el pasado no se mantiene estático. Sólo puede revivirse en la memoria, y la memoria es un mecanismo que nos permite tanto olvidar como recordar. Tampoco es inmutable. Redescubre, reinventa, reorganiza. Como un pasaje en prosa, puede ser revisado y vuelto a puntuar. En cierta medida, toda autobiografía es una obra de ficción y toda obra de ficción es una autobiografía…”.
En este caso, al ver Campo minado como un espectáculo creo  necesario tener en cuenta las palabras citadas de P.D. James.
Síntesis:
Campo minado es un proyecto que reúne veteranos argentinos e ingleses de la guerra de Malvinas para explorar lo que quedó en sus cabezas treinta y siete años más tarde. En un set de filmación convertido en máquina del tiempo, los que combatieron se teletransportan al pasado para reconstruir sus recuerdos de la guerra y su vida de posguerra. 
Lou Armour fue tapa de todos los diarios cuando los argentinos lo tomaron prisionero el dos de abril y hoy es profesor de niños con problemas de aprendizaje. Rubén Otero sobrevivió al hundimiento del Buque General Belgrano y ahora tiene una banda de tributo a los Beatles. David Jackson pasó la guerra escuchando y transcribiendo códigos por radio y hoy escucha a otros veteranos en su consultorio de psicólogo. Gabriel Sagastume fue un soldado que nunca quiso disparar y hoy es abogado penalista. Sukrim Rai fue un Ghurka que supo usar su cuchillo y actualmente trabaja como guardia de seguridad. Marcelo Vallejo fue apuntador de mortero y ahora es campeón de triatlón. Lo único que tienen en común todos ellos es que son veteranos. Pero ¿qué es un veterano: un sobreviviente, un héroe, un loco? El proyecto confronta distintas visiones de la guerra, juntando a viejos enemigos para contar una misma historia. Campo minado indaga las marcas que deja la guerra, la relación entre experiencia y ficción, las mil formas de representación de la memoria.




Campo minado,  espectáculo escrito y dirigido por Lola Arias y traducido por Daniel Tunnard  se estrenó en 2016 en el Royal Court Theatre de Londres, y ese mismo año realizó una corta temporada en Buenos Aires a sala llena. Desde su estreno, fue presentada en 36 ciudades y en numerosos festivales internacionales.
Los performers del espectáculo son Lou Armour, David Jackson, Gabriel Sagastume, Ruben Otero, Sukrim Rai y Marcelo Vallejo. La investigación y producción es de Sofia Medici y Luz Algranti, la composición musical de Ulises Conti, el Video de IDV, el diseño de sonido de Ernesto Fara, el  diseño de vestuario de Andy Piffer, el diseño de escenografía de Mariana Tirantte, el diseño de luces y la dirección técnica de David Seldes. El asistente de iluminación es Facundo David, el asistente de dirección técnica es Martín Fernández Paponi, la asistencia técnica es de Ezequiel Paredes, la asistencia de producción de Gabriela Sofía Britos, la asistencia de vestuario de Federico Castellón Arrieta, la asistencia en Gran Bretaña de Kate O’Connor y la productora asociada es Gema Films. 

“Campo minado” es una obra comisionada por LIFT y Royal Court Theatre, Brighton Festival, Universidad Nacional de San Martín, Le Quai Angers, Athens and Epidaurus Festival, Künstlerhaus Mousonturm, Theaterformen y hTh CDN Montpellier.
Con el apoyo del British Council, la Embajada de la República Argentina en Gran Bretaña e Irlanda del Norte, Arts Council England, The Sackler Trust.
Lola Arias 

Lola Arias

Es escritora, directora de teatro y cine y performer. Colabora con personas de distintos ámbitos (veteranos de guerra, ex comunistas, niños búlgaros, etc) en proyectos de teatro, literatura, música, cine y artes visuales. Sus obras transitan la frontera entre la ficción y lo real. Escribió y dirigió Mi vida después (2009), en la que seis jóvenes reconstruyen la juventud de sus padres en los 70 a partir de fotos, cartas, cassettes, ropa usada, etc.; Familienbande (2009) sobre la vida de una familia con dos madres en el teatro Kammerspiele Munich; y That enemy with in (2010) en colaboración con dos gemelas idénticas en el teatro HAU, Berlin. En Chile, estrenó El año en que nací (2012), basada en biografías de jóvenes chilenos nacidos durante la dictadura. Melancolía y Manifestaciones (2012) es un diario sobre la melancolía de su propia madre creada en Buenos Aires y estrenada en Viena en el Festival Wiener Festwochen.
El arte de hacer dinero (2013) está protagonizada por mendigos, músicos de la calle y prostitutas de la ciudad de Bremen. En colaboración con el artista Stefan Kaegi dirigió Chácara Paraíso, una instalación biográfica con policías brasileños, y Airport kids, un proyecto sobre niños internacionales en Suiza. Entre 2010 y 2012 curaron Ciudades paralelas, un festival con 8 intervenciones en el espacio público que se realizó en Berlín, Buenos Aires, Varsovia, Zúrich, Copenhagen. Campo Minado (2016), comisionado por Lift Festival, reúne a seis veteranos argentinos e ingleses de la guerra de Malvinas. Estrenada en el Gorki Theater de Berlín, Atlas des Kommunismus (2016) reconstruye el derrotero socialista en la Alemania del último siglo a través de la vida de ocho mujeres vinculadas a la RDA. Arias creó también la exhibición interdisciplinaria Doble de Riesgo (2016), en la que repasa los últimos cuarenta años de historia argentina a través de testimonios, documentos, canciones y videos; la performance duracional Audición para una manifestación (2014 – 2017) en Berlín, Atenas, Praga y Buenos Aires; y Formas de caminar con un libro en la mano (2017), un project site-specific para lectores en librerías y espacios públicos. Su primer largometraje, Teatro de guerra (2018), protagonizada por los mismos protagonistas de su proyecto Campo minado, fue seleccionada por el 68th Forum of the Berlinale Film Festival. Además, junto con Ulises Conti, compone música y toca en vivo. Grabó el disco El amor es un francotirador (2007) y Los que no duermen (2011). Publicó poesía, teatro y narrativa: Campo minado (Oberon House), Mi vida después y otros textos (Random Penguin House), Los posnucleares (Emecé), Striptease/ Sueño con revólver/ El amor es un francotirador (Entropía), Poses para dormir (Antología dramaturgias. Entropía), La escuálida familia (Libros del Rojas), Las impúdicas en el paraíso (Tsé-Tsé). Sus textos fueron traducidos a más de siete idiomas y se presentaron en festivales en todo el mundo, tales como: Steirischer Herbst, Graz; Festival d’Avignon; Theater Spektakel, Zurich; We are here, Dublin; Spielart Festival, Munich; Alkantara Festival, Lisbon; Radicals Festival, Barcelona: Under the Radar, NY. Y en espacios de arte como: Red Cat LA, Walker Art Centre Minneapolis, Museum of Contemporary Art Chicago.

Funciones: de jueves a domingos a las 20.00
Funciones accesibles: 8 y 21 de noviembre, 1º y 6 de diciembre a las 20 hs.
Última función: domingo 15 de diciembre.



*Otras notas  relacionados con la Guerra de Malvinas publicadas en la revista Archivos del Sur:

Cine: Soldado argentino sólo conocido por Dios

Exilio de Malvinas

Canal Encuentro programación especial a 31 años de la Guerra de Malvinas

Canal Encuentro estrena el documental  Informe Rattenbach





viernes, 1 de noviembre de 2019

En su 7° temporada vuelve La Wagner con dramaturgia y dirección de Pablo Rotemberg

Belén Iniesta
Paola Evelina Gallarato












Pablo Rotemberg



(Buenos Aires)

La Wagner, con dramaturgia y dirección de Pablo Rotemberg vuelve a presentarse en el Espacio Callejón desde el 3 de noviembre
los domingos a las 21.
Es la 7° Temporada en Buenos Aires, después de su última gira internacional con funciones en el Teatro Español de Madrid.


 

SINOPSIS 

En La Wagner, cuatro mujeres, como cuatro valquirias, se montan sobre la música de Richard Wagner para denunciar estereotipos y prejuicios asociados con la femineidad, la violencia, la sexualidad, el erotismo y la pornografía. ¿Y por qué unir este propósito con la música y figura de Wagner? Porque no ha habido otro compositor más polémico. Su música es de las más prodigiosas (y sensuales) que se hayan escrito. Pero su feroz antisemitismo lo ha condenado y la apreciación de su música sufrió las consecuencias. En La Wagner bizarramente se pondrán a rodar juntos estos dos universos, y la provocación entrará en contacto con lo sublime, y lo irreverente con lo consagrado.
     
Ficha técnico-artística:

Elenco: Ayelén Clavin, Bárbara Alonso, Carla Di Grazia y Carla Rímola
Música: Richard Wagner
Iluminación: Fernando Berreta
Objetos: Mauro Bernardini
Sonido: Facundo Montoya, Guillermo Juhasz
Fotografía: Hernán Paulos, Paola Evelina Gallarato
Video: Martín Berra
Prensa: Mutuverría PR
Colaboración artística: Martín Churba
Producción y Distribución: Leila Barenboim
Asistente de dirección: Natalia Ponso
Dramaturgia y Dirección: Pablo Rotemberg 

Duración: 60 minutos
     

Espacio Callejón, Humahuaca 3759, CABA
Reservas al 4862-1167 o en Alternativa Teatral
Última función: 15 de Diciembre

PABLO ROTEMBERG

Director, coreógrafo, músico y docente argentino. Es Profesor Superior de Música egresado del Conservatorio Nacional de Música Carlos López Buchardo y Licenciado en Cinematografía egresado de la Fundación Universidad del Cine/FUC. Realizó estudios de perfeccionamiento en danza, teatro y música en Argentina, Bélgica, Alemania, Francia y Estados Unidos. Sus obras se han presentado en Europa y Latinoamérica. Recibió becas y subsidios del Fondo Nacional de las Artes, de la Fundación Antorchas, del American Dance Festival/ADF, del Instituto Prodanza, del Instituto Nacional del Teatro/INT y del Instituto Proteatro. Es titular de Cátedra en el Departamento de Artes del Movimiento de la Universidad Nacional de las Artes/UNA, y dicta regularmente seminarios y workshops tanto en Argentina como en el exterior. Ha sido jurado del Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga, XXXVI Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea Instituto Nacional de Bellas Artes/INBA y la Universidad Autónoma/UAM de México. Obras recientes: La oscuridad cubrió la tierra (co-producción entre el XII Festival Internacional de Buenos Aires/FIBA y el X Festival Buenos Aires Danza Contemporánea, 2019); Savage (Compañía de Danza de la Universidad Nacional de las Artes/UNA, 2018); El cisne  salvaje (Complejo Teatral de Buenos Aires, 2018); El verdadero arte es el que no te deja ileso (CCK, 2017); Tango Alemán (Complejo Teatral de Buenos Aires, 2016); Mujeres Enamoradas (2016); La noche obstinada (Residencia artística realizada en el Centro Cultural Gabriela Mistral/GAM, Santiago de Chile, 2015); La Wagner (Ganadora del Primer Premio en Dirección Coreográfica y Coreografía en los Premios Teatro del Mundo, 2014); Todos o Ninguno (Fondo Nacional de las Artes, 2014); Las Vírgenes (Proyecto de Graduación del Departamento de Artes Dramáticas de la Universidad Nacional de las Artes/UNA, 2013); La idea fija (Ganadora de 2 Premios Trinidad Guevara: rubros Coreografía e Iluminación; 4 Destacados de los Premios Teatros del Mundo en los rubros Coreografía, Dirección, Iluminación y Música Original, 2010); La casa del diablo y La noche más negra (Ballet Contemporáneo del Teatro General San Martín de Buenos Aires, 2008 y 2012); Joan Crawford (Ballet Argentino de Julio Bocca, 2010); Nada te turbe, nada te espante (Ciclo Óperas Primas, C.C.Ricardo Rojas, 2009); Bajo la luna de Egipto (C.C.Ricardo Rojas, 2008); Sudeste (Centro de Experimentación del Teatro Colón/CETC, 2008); El Lobo (2008). Por su trabajo como actor en Souvenir de Stephen Temperley (dirección: Ricky Pashkus) recibió el Premio María Guerrero "Categoría Estímulo", y fue nominado a los Premios ACE y Clarín como Actor Revelación.

Espacio Callejón, Humahuaca 3759, CABA

Reservas al 4862-1167 o en Alternativa Teatral
Última función: 15 de Diciembre




martes, 29 de octubre de 2019

El Cultural CAVA en el Castillo de Sandro

Olga Garaventa, Omar Abboud (derecha) y Luis Ortiz (izquierda)
instrumentos que pertenecieron a Sandro, fotografías y
recuerdos 


(Buenos Aires)

El sábado 26 de octubre se inauguró el Cultural CAVA (Centro de las Artes y la Viticultura Argentina) en el Castillo de Sandro, proyectado por el cantante popular argentino que lo soñó para albergar su música y el estudio de grabación más grande de Latinoamérica.
El mismo Sandro dibujó los planos e hizo construir personalmente cada uno de los detalles del lugar, que ahora se pueden apreciar después de un importante trabajo de restauración y puesta en valor.
En este lugar funcionaron después las oficinas de Sandro, pero no se utilizó como estudio de grabación, ya que el cantante comprobó que había tecnologías más nuevas y sofisticadas al viajar a los Estados Unidos.
El Cultural CAVA fue declarado sitio de interés cultural de la ciudad de Buenos Aires  por la Legislatura porteña y se descubrió una placa con la presencia de Omar Abboud, Presidente de la Comisión de Cultura de la Legislatura porteña,  Olga Garaventa, la viuda de Sandro, Luis Ortiz, director del CAVA  y numeroso público, periodistas e invitados. Olga trabajó en estas oficinas durante más de diez años.
El lugar estará gestionado por una asociación civil y funcionará como centro cultural. Se podrá disfrutar de distintas actividades relacionadas con la gastronomía, el arte, el bienestar y la sustentabilidad. Entre otros talleres hay de pintura, cine, teatro, literatura, conducción de televisión, producción de contenidos para redes sociales, piano, humor gráfico, cocina sin TACC entre muchas otras actividades.
El Cultural CAVA está ubicado en el corazón del barrio de Boedo, Av. Pavón 3939, CABA.





viernes, 25 de octubre de 2019

Reinos, escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula


las autoras y directoras 



(Buenos Aires)

En el Teatro Sarmiento se estrenó Reinos, una obra escrita y dirigida por Margarita Molfino, Agustina Muñoz y Romina Paula.
Estas tres autoras y directoras se dispusieron a escribir y dirigir una obra inspirada en el diario de la abuela de Margarita, escrito durante varios años e iniciado en los años 30.
Una mujer que vive con su familia en el campo y trabaja con la tierra y los animales va contando su experiencia en el diario.  El contacto con la naturaleza, la observación  cotidiana  de los animales y las plantas, el trabajo duro, las cosas más simples llevan a la autora del diario a volcarlas en el papel.
En el escenario hay personajes que integran una familia, y que se interrogan y piensan en conjunto acerca de lo que ocurre día a día en el campo. El nacimiento de un ternero, aserrar madera, el canto de los pájaros, el amanecer, el crepúsculo, todo da pie a filosofar.
No están ausentes los planteos actuales entre las actividades de hombres y mujeres,  ya que la autora del diario trabaja en el campo
haciendo actividades rudas, para ayudar a los padres.  Otro de los temas es la maternidad, lo que lleva a los personajes a preguntarse cómo fue que el ser humano primitivo que ni siquiera disponía de lenguaje oral llegó a  asociar  el embarazo con el acto sexual.
Hay una relación entre los personajes que abarca tres generaciones.
Con humor, Reinos invita a pensar en aquellas cosas que en la ciudad se enmascaran y cerca de la naturaleza están al desnudo.
El final, donde aparecen personajes con unas máscaras con forma de pájaro tiene algo lúdico y de ritual.
Hay que destacar la actuación de todo el elenco, la poesía y el humor, en una muy buena puesta.


El elenco está integrado por Rosario Bléfari, Mariana Chaud, Margarita Molfino, Susana Pampín, Camilo Polotto y Mariano Saborido. La música original y el diseño de sonido es de Liza Casullo, el diseño de vestuario es de Gabriela A. Fernández, y el diseño de escenografía e iluminación es de Matías Sendón.

de jueves a domingos, a las 20.30 hs.
Teatro Sarmiento  (Av. Sarmiento 2715),


Duración (aproximada): 75 minutos.


"La abuela de Margarita, Leonor, escribió un diario íntimo durante su juventud en los años '30 que nos sirvió de inspiración y guía para imaginar nuestro propio campo. La tríada formada por mujeres-naturaleza-escritura se volvió algo atractivo para nosotras, mujeres que vivimos en una ciudad en el siglo XXI pero que somos herederas de los textos que tantas mujeres escribieron mientras los hombres salían a estudiar y a gobernar. Estos materiales son para nosotras una especie de legado a desentramar. En la obra, una familia vive y trabaja en el campo y también -al igual que Leonor- honra el tiempo dedicado al pensamiento y a la imaginación. Cómo mostrar en escena algo tan huidizo como el cielo o el lenguaje de los animales, cómo pensar la escritura como una forma de existencia clandestina, una manera de registrar lo que pocos suelen detenerse a mirar. Las plantas, los animales, el trabajo, las tormentas, las palabras: escapar a la determinación aprendida y entender que un cuerpo puede ser cualquier cosa, un alma o una idea, un cuerpo sonoro, un árbol o una comunidad. Todo lo que es nombrado puede mutar".

Margarita Molfino, Agustina Muñoz, Romina Paula

LAS DIRECTORAS

Margarita Molfino nació en Rafaela, Santa Fe, en 1980, es actriz, bailarina, coreógrafa y Licenciada en Artes (UBA). Su última obra como intérprete, autora y directora es Palíndroma.

Agustina Muñoz nació en Buenos Aires en 1985, es autora, directora y actriz. Su última obra como autora y directora es Las piedras.

Romina Paula nació en Buenos Aires en 1979, es autora y directora. Sus últimas obras como autora y directora son Cimarrón en teatro, y la película De nuevo otra vez.


sábado, 12 de octubre de 2019

Kaos Pirandello en el Teatro San Martín



El Ministro de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires Enrique Avogadro con la directora del Instituto Italiano de Cultura, la directora del Teatro Coliseo, el director de Kaos Pirandello y los curadores de la muestra de fotografías presentada en la Fotogalería 
(Buenos Aires)
Ayer arrancó  Kaos Pirandello, con dirección general  de Vincenzo Pirrotta en el Teatro San Martín. Hubo diversas actividades que continúan  durante este fin de semana y se presentó la obra Sagra del Signore della Nave , de Pirandello en versión de Vincenzo Pirrota.
También se inauguró en la Fotogalería del teatro una muestra de fotografías relacionadas con el dramaturgo italiano Luigi Pirandello

Sagra del Signore della Nave

La obra transcurre el primer domingo de septiembre en la explanada de una iglesia rural, se desarrolla la Fiesta del Señor de la Nave. Ahí se dan cita nobles y plebeyos, religiosos y milagreros, comerciantes de todo tipo, músicos ambulantes, mujeres de mala vida, ladronzuelos, charlatanes de cualquier calaña. Hay tabernas al aire libre, mataderos y venta de carne de cerdo. Todos se atiborran de comida , se emborrachan, se ebrutecen.
En esa agitación se lleva a cabo el diálogo entre el señor Lavaccara, quien vendió su cerdo al carnicero Nicola, y el joven pedagogo. El señor Lavaccara quiere demostrar que su cerdo Nicola era inteligente (“sólo hablar, solo hablar  le faltaba”) . Más inteligente y más humano que muchos hombres “cerdos” entre todos los que estaban allí atragantándose y emborrachándose. “No y no”, dice el joven Pedagogo. “Un cerdo es un cerdo, porque come y se lo engorda para los demás. Un hombre, en cambio, por más que se comporte como un cerdo, come y engorda para sí mismo”.
La obra que fue representada en Italia en versión de Pirrota en 2005, producida por el Teatro de Roma, es un grotesco pirandelliano llevado al exceso. Según Vincenzo Pirrota, gracias al grotesco es posible llegar un poco más al fondo del alma de las personas y de los personajes. Y mucho más con un texto en el que aparece un fuerte contraste entre pecado y espiritualidad.
El espectáculo se divide en dos partes, en principio la feria que congrega a todos esos personajes grotescos; luego la reflexión sobre la naturaleza del hombre, en una catarsis más metafísica que no descuida la acción teatral.
El cierre es un gran ritual escrito por Pirrotta, que completó con agregados al texto de Pirandello,  que parte de una oda al cerdo como si fuera un rito antiguo. El carnicero que mató al cerdo y lleva su cabeza sobre un palo que chorrea la sangre del animal como un trofeo o una demostración de devoción, la transforma en una llama dionisíaca que puede contagiar a todos los presentes hasta destruirlos. Como se desmoronan, por su parte, sobre el escenario, las cabezas colgadas de los palos que empuñan.
Luego de esta taranta ancestral, de esta danza báquica, no queda racionalidad que pueda salvar a esas criaturas de perder la cabeza.
También hay en este espectáculo – imaginado como un conjunto de procesiones – un fuerte contenido de imágenes alusivas a la religiosidad popular. La música, está relacionada con los cantos religiosos que Pirrota escuchó en su infancia.
Hay en Sagra del Signore della Nave algo de Fellini, en esos personajes, como el señor Lavaccara y su familia, entre otras cosas.
Para Pirrota, la obra es un desafío donde se muestra al espectador el abismo al que nos asomamos.

 Sagra del Signore della Nave (Fiesa del Señor de la Nave)
Es un apólogo sobre la dignidad de la naturaleza del hombre, animal noble que en ocasiones, como las fiestas populares, se animaliza. Se vuelve un cerdo, incluso, para luego recuperar su dignidad frente al símbolo del sacrificio y del dolor, frente a la imagen del Cristo Crucificado. Sobre el espectáculo dice Vincenzo Pirrotta: “Muchos me dicen que es una locura llevar a escena un texto considerado irrepresentable (en Italia se conocen solo tres puestas en escena en casi cien años, incluida la del mismo Pirandello en 1925). Pero cuando leí el texto fue para mí como un golpe en el estómago, sin dudas por esa humanidad retratada que se derrumba, por ese contraste entre la atmósfera de celebración campesina y la aparición final del Cristo sangrante. El desafío que me atraía era jugar en escena con estos contrastes trágicos, para mostrar al espectador el abismo al que nos asomamos, que hoy me parece hasta un deber civil”.
La elección de las obras de Pirandello que confluyen en las diez instalaciones del KAOS PIRANDELLO no es casual: en cada una de ellas se produce una mutación, tanto del alma como del cuerpo. Muchas de ellas hablan del universo teatral del que Pirandello fue un profundo innovador. ¿Qué mejor ejemplo que el juego del devenir, de convertirse en otra cosa? Los personajes eligen cambiar, transformarse, por elección o porque así lo demanda la sociedad. En otros, es el sentimiento el altera las situaciones, rompiendo los esquemas ordinarios y transformando el monstruo que habita dentro de cada uno. 
Vincenzo Pirrotta



Elenco
Gastón Biagioni, Mariano Caligaris, Florencia Cappiello, Gabo Correa, Nacho de Santis, Cristina Ferrajoli, Nancy Lombardo, Gaby Paez, Mariela Passeri, Emilio Spaventa, Maximiliano Trento
Bailarines
Alejandro Alonso, Braian Bre, Carla Bugiolacchi, Paz Corinaldesi, Debon Darío,  Rodrigo García, Maya Jimenez, Efrain Rada, Armando Ressi, Lara Rodríguez
Músicos
Manuel Delrío (trombón y guitarra), Juliana Fernández (acordeón), Bruno Lo Bianco (percusión), Gonzalo Pereyra (trompeta)

Arreglos y reposición de música: Nahuel Carfi
Música Ramberto Ciammarughi
Reposición diseño de iluminación Magdalena Berretta Miguez
Reposición diseño de vestuario Lucila Rojo
Reposición diseño de escenografía Isabel Gual
Director asistente Leonardo Kreimer
Dirección Vincenzo Pirrotta


Este fin de semana (sábado 12 y domingo 13 de octubre) el Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) tendrá las siguientes actividades:

ESTACIONES DEL KAOS
Hall Central Alfredo Alcón y otros espacios del teatro
Sábado 12 y domingo 13 a las 16.30 y a las 21.30 hs.
Entrada libre y gratuita (sujeta a la capacidad del lugar)
Duración (aproximada): 60 minutos.

L’UOMO DAL FIORE IN BOCCA E NELLA MIA CARNE (EPILOGO IN SETTE MOVIMENTI)
Espectáculo con sobretitulado en español
Sala Cunill Cabanellas
Sábado 12 y domingo 13, a las 18 hs.
Platea: $300.
Duración (aproximada): 60 minutos.

SAGRA DEL SIGNORE DELLA NAVE
Espectáculo en español
Sala Martín Coronado
Sábado 12 y domingo 13, a las 19 hs.
Platea: $280. Pullman: $ 210.
Duración (aproximada): 60 minutos.

LOS PIRANDELLO
LA FAMILIA Y LA ÉPOCA EN IMÁGENES
Fotogalería
Sábado 12 y domingo 13, de 12 a 21 hs.
Entrada libre y gratuita (sujeta a la capacidad del lugar)

jueves, 3 de octubre de 2019

Ritual Electroandino: En el día de la Diversidad Cultural DYA - Desierto y Agua presenta junto al Museo Histórico Nacional



DYA - Desierto y Agua 
DYA - Desierto y Agua en uno de sus espectáculos 


Andrea Feiguin integrante de DYA - Desierto y Agua 



(Buenos Aires) 

Ritual Electroandino es una una ceremonia participativa, musical y audiovisual que  presentará el sábado 12 de octubre a las 16 con entrada gratuita - capacidad limitada - con  el Museo Histórico Nacional  DYA - Desierto y Agua.
Para celebrar el Día de la Diversidad Cultural se Invita a vivir una experiencia única un Ritual Electroandino, para esto se solicita a los asistentes llevar una piedra para formar una "apacheta" al ingreso (en caso de no llevar cuentan  con algunas para provisionar a los asistentes), como símbolo de ofrenda a la madre tierra, antes de comenzar el viaje ritual musical y audiovisual.

Podrán participar dentro de la sala quienes lo deseen activamente, la ceremonia se divide en los 4 elementos: agua, tierra, fuego y aire y cada elemento a su vez tiene un totem de la cosmovisión andina que le representa. Será complementado con una proyección visual elaborada por el Licenciado en Artes Multimediales Pablo A. Varela sobre la escena, pintando con un efecto holográfico la acción artística.
Desierto y Agua fusiona INSTRUMENTOS INDÍGENAS DE SUDAMÉRICA con música electrónica orgánica, y sus líricas son en relación al cuidado de la tierra y la igualdad entre las personas.

Podés escuchar sus producciones acá:



                                                         

Se invita  a visitar antes de la ceremonia el maravilloso Museo Histórico Nacional, especialmente la sala con 1033 piezas de arte precolombino, proveniente de la colección privada de Nicolás García Uriburu, y cedida al Estado por su hija Azul.
Antes de la llegada de los españoles a América, en 1492, distintas culturas ya se habían desarrollado desde México hasta el Cono Sur, dejando huellas permanentes en lo que hace a escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalista y pintura. Pero más allá de las expresiones artísticas, sus creaciones nos permiten tener conocimiento de la vida cotidiana de nuestras civilizaciones originarias. A esas realizaciones artísticas e intelectuales, desde una perspectiva eurocéntrica, se las conoce como Arte Precolombino.   
Museo Histórico Nacional
Defensa 1600
Ciudad Autónoma de Buenos Aires 

prensa:

Desierto y Agua: