Esperando el Tren, de Ricardo Hana en el Teatro del Artefacto

 

(Buenos Aires)

Se estrenó Esperando el Tren, de Ricardo Hana, en el Teatro del Artefacto. La dirección es de Manuela Serrano Bruzzo.

Elenco: Lourdes Cerdán/ Juan Salamone/ Miguel Angel Atilio Farina/ Tuco Turleone.

Las esperanzas y desilusiones políticas y sociales en un pueblo solitario, donde un vendedor ambulante se enfrenta a sus peculiares habitantes mientras esperan un tren que represente un cambio, explorando la lucha constante por llenar un vacío profundo.

Con muy buena actuación de todo el elenco y una destacada dirección, la obra transcurre en los años '90 en la Argentina.

 

Funciones viernes a las 21.

Teatro del Artefacto: Sarandí 760 - CABA

Localidades en http://panel.alternativateatral.com/obra86008-esperando-el-tren

Elenco: Lourdes Cerdán, Juan Salamone, Miguel Angel Atilio Farina y Tuco Turleone.

Dirección: Manuela Serrano Bruzzo

Co- Dirección: Lourdes Cerdán

Autor: Ricardo Hana

Vestuario/ escenografía: Teatro del Artefacto

Iluminación: Manuela Serrano Bruzzo

Fotos: Nacho Lunadei

Tema “Llega la mañana” de Esteban Morgado

 

La historia aborda sus triunfos y miserias, amores y desamores, mientras se preparan para defender su estación, esperando un tren que les permita avanzar. La trama se sitúa en los años 1990, una de las décadas que, en nuestra opinión, resultaron más complicadas para nuestro país.

"Con esta obra, deseamos reflejar el contexto político y social lleno de esperanzas y desilusiones, siempre en la espera de algo mejor y luego resignados a decisiones que resultan poco favorables. Esta situación guarda similitudes con la incertidumbre que enfrentamos en la actualidad, con el cambio de gobierno y la dirección que tomarán nuestras vidas.

La metáfora de un país que atraviesa un profundo vaciamiento se plasma en la historia de siete personajes interpretados por cuatro actores, quienes aguardan algo que los llene y revitalice para poder continuar luchando y defender su espacio, aunque sea pequeño y algo olvidado. Este espacio es donde alguna vez fueron felices y llenos de esperanza. En ocasiones, resulta difícil distinguir si este contexto es real o simplemente una construcción ilusoria para sobrevivir en un pueblo inhóspito y casi fantasmal".

 

Manuela Mora Serrano Bruzzo – Directora, nacida en Buenos Aires, es una artista multifacética. Su formación en arte dramático en la Escuela de Teatro de Buenos Aires bajo la dirección de Raúl Serrano, junto con su estudio de comedia musical con el renombrado Julio Bocca, marcaron el inicio de su apasionante carrera.

A lo largo de los años, Manuela ha participado en diversas producciones teatrales, desde "Yo amo a Shirley", donde deslumbró como bailarina bajo la dirección de Alicia Bruzzo, hasta co-dirigir "Sobre el daño que causa el tabaco a la humanidad" junto a Raúl Serrano. Su talento se ha desplegado en obras como "Éter Retornable" (asistente de dirección bajo Gerardo Begérez), "La Corista" (asistente de dirección bajo Alejandro Magnone) y "El Viaje de Don Juan" (asistente de dirección/producción bajo Raúl Serrano).

En el ámbito cinematográfico, Manuela también ha dejado su huella, destacándose en películas como "Nunca es un buen día para que un zombie toque a tu novia", donde brilló como actriz bajo la dirección y guion de Hernan Lerner y Georgina Lizarraga, así como en "Subte-Polska", donde demostró su versatilidad como actriz bajo la dirección, guion e idea de Alejandro Magnone.

Ricardo Hana, autor entre sus últimas obras estrenadas podemos destacar: La canción del vecino (Teatro Ift), El vendedor de enciclopedias (Teatro del Pueblo), Nada personal (2011, Teatro del Pueblo) La cortadora de fiambre (Teatro de la Rancheria). Cuenta con dos libros de poemas Contrasilencio y Nos habíamos escrito tanto.

Lourdes Cerdán, destacada actriz argentina, se forjó en las artes escénicas en la Escuela de Teatro de Buenos Aires E.T.B.A bajo la tutela del maestro Raúl Serrano, ampliando su formación con notables artistas como Pompeyo Audivert, Horacio Roca, Silvina Sabater, Carolina Adamowsky, y otros. Además, se embarcó en la Licenciatura en Actuación en la Universidad Nacional del Arte, U.N.A. Su versatilidad artística incluye una sólida formación en canto y técnica vocal de la mano de expertos como Carlos Di Martino y Dalila Real, junto a otros maestros de canto.

Lourdes ha deslumbrado en aproximadamente veinte obras de teatro, en roles protagónicos, destacándose en producciones como "Amor de madre" de August Strindberg, "Tres hermanas" de Antón Chéjov, "Saverio el cruel" de Roberto Arlt, "Giacomo" de Armando Disépolo, y "Las cuatro gemelas" de Copy, entre otras. Asimismo, ha incursionado con éxito en la autoría, dirección y producción de diversos espectáculos.

Además de su brillante carrera como actriz, Lourdes comparte su vasto conocimiento como docente de teatro, colaborando con el maestro Raúl Serrano y en talleres particulares.

Juan Lucas Salamone, un actor argentino con una pasión innegable por las artes escénicas, ha dedicado su vida al mundo del teatro y la actuación. Su formación actoral incluye el segundo año de actuación con el destacado docente Julián Lucero en el Espacio Sísmico, durante los años 2017 y 2018. Además, completó el primer, segundo y tercer año de Formación de Actuación Naturalista en la Escuela de Teatro de Buenos Aires (ETBA), bajo la tutela de Raúl Serrano, obteniendo su egreso en 2017.

La versatilidad de Juan Lucas no se limita al teatro, ya que también ha incursionado en la música, estudiando Bandoneón en la Escuela Popular Avellaneda (EMPA) y en el Centro Cultural Catalinas Sur en años anteriores.

Su experiencia artística es amplia y diversa, habiendo participado en obras de teatro como "Esperando el Tren" y "Comer Caca 2", dirigidas por Manuela Bruzo y Franco Vega Valiente, respectivamente. Además, ha formado parte de la serie "El Host" de Estudios Polka en 2019 y ha demostrado su talento en "Comer Caca 1" en el Teatro La Vieja Guarida, bajo la autoría de Franco Vega Valiente.

Juan Lucas también ha desempeñado roles importantes como animador en eventos deportivos, programas educativos y presentador en el Salón del Automóvil para Chevrolet en La Rural. Su habilidad en zancos y actuaciones con luces LED lo han destacado en eventos variados.

Además de su carrera en el teatro y el entretenimiento, Juan Lucas es un apasionado integrante de la banda Sarandunga, fusionando música y poesía desde 2014. Su dedicación y versatilidad artística lo han llevado a colaborar con numerosas agencias y productoras, dejando su huella en diversos proyectos.

 

Miguel Ángel Atilio Farina, es un talentoso actor y director. Su formación incluye cursos de actuación en el Teatro Brancalione con el profesor Claudio Rissi en 2010/2012 y en la Escuela de Teatro Buenos Aires bajo la dirección del renombrado Raúl Serrano en 2014/2016. Además, ha explorado la improvisación y relajación actoral con la profesora Elvira Vicario en 2012, y en la actualidad, se perfecciona en guion y dramaturgia con la profesora Mónica Salerno.

Miguel también ha incursionado en el baile latino, completando un instructorado de Baile Latino en el Estudio Salsa Fusión bajo la tutela del Profesor Alejandro Casano en 2011, y participando en un seminario de salsa cubana y son montuno a cargo del Profesor Coqui Coral en 2014. Su búsqueda constante de perfección lo llevó a realizar un curso de dirección y perfeccionamiento actoral en la Escuela Teatro Buenos Aires con el Profesor Salvador Amore en 2017.

Su destacada trayectoria teatral incluye papeles en producciones como "Las Tres Hermanas" (2017-2018), donde brilló como actor bajo la dirección de Manuela Serrano Bruzzo; "La Gaviota" (2018), en el cual deslumbró en su actuación bajo la dirección de Nicolás Pérez Costa; "La Vía Láctea" (2018), donde demostró su versatilidad actoral bajo la dirección de Roberto Ibáñez; y "La Nona" (2019), donde ejerció tanto como director como actor en la Sociedad Luz.

En 2021, dirigió y actuó en "Julito" de Fontanarrosa, nuevamente en la Sociedad Luz. En 2022, participó como actor en la obra "Eva Duarte" de Susana Barbato, realizando una gira por la Provincia de Buenos Aires, y actualmente se encuentra en cartelera en "Los Invisibles" de G. Laferrere, donde despliega su talento en el Teatro El Popular en 2023.

 

Hernando Rafael Turlione (Tuco) es un apasionado actor con una trayectoria que se ha forjado a lo largo de los años. Su formación en el mundo del teatro comenzó en la Escuela de Teatro de Buenos Aires (ETBA), donde adquirió una sólida base actoral bajo la metodología de Raúl Serrano. A lo largo de tres intensos años, perfeccionó sus habilidades y se preparó para enfrentar los desafíos del escenario.

Además de su formación en ETBA, Hernando ha ampliado su conocimiento artístico a través de diversos cursos y talleres especializados. Ha trabajado en su preparación física, flexibilidad e improvisación en El Piso Teatro, de la mano de la talentosa Cecilia Gruner. También ha perfeccionado su técnica actoral en Apacheta Sala/Estudio, bajo la tutela de Guillermo Cacace. Su compromiso con el arte lo llevó a continuar su entrenamiento actoral con destacados profesionales como Alejandro Catalan y Silvina Sabater.

Hernando no solo ha perfeccionado su técnica, sino que también ha demostrado su talento en una variedad de proyectos. Ha participado en el largometraje "Subte Polska", dirigido por Alejandro Magnone, donde contribuyó con su presencia en la pantalla grande.

En el teatro, ha interpretado roles memorables en obras como "Tres Hermanas", "Antígona Furiosa", "Querés ser feliz o tener poder", y "Lo que no se nombra". Su versatilidad actoral y dedicación son evidentes en cada uno de sus trabajos.

 

V.H.S. se estrenó en el Teatro Beckett con dramaturgia y actuación de Nicolás Capristo

 

V.H.S.

Idea, Dramaturgia e Interpretación: Nicolás Capristo

Dirección y Colaboración Dramatúrgica: Tomás Soko

 

Funciones: Viernes de Octubre y Noviembre 20:30hs

Teatro Beckett: Guardia Vieja 3556 – CABA

(Buenos Aires)

Con muy buena dramaturgia y actuación de Nicolás Capristo se

Estrenó en el Teatro Beckett, Guardia Vieja 3556, la obra V.H.S.

V.H.S. es un unipersonal teatral grotesco que invita a los espectadores a empatizar con las torpes penurias de los acontecimientos que recuerda el protagonista. En su departamento heredado y atravesado por el mundo de las películas, Sergio desplegará un sin fin de lugares y épocas de su vida, abordando temas impactantes como el bullying y los traumas. Este espectáculo se destaca por su hábil manipulación de objetos, el humor y un poderoso trabajo físico que te dejará sin aliento.

 

Idea, Dramaturgia e Interpretación: Nicolás Capristo

Dirección y Colaboración Dramatúrgica: Tomás Soko

Composición e Interpretación Musical: Malena Caporaletti (Una Malena)

Diseño de Iluminación y Asesoría en manipulación de objetos: Mariano Basile

Diseño de Vestuario: Milagros Gallo

Diseño de Escenografía: Lina Boselli

Redes Sociales: Natalia Mansueto

Diseño Gráfico: Maia Alzugaray

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Asesoría en Dramaturgia y Puesta en escena: Diego Mauriño

Asistencia Técnica: Nicole Wejcman

Producción y texto de sala: Julieta Romano

Diseño Audiovisual: Julián Gotkin

Fotografía: Enzo Cejas

 

 

 

Nicolás Capristo - Autor, intérprete

Comenzó sus estudios de teatro a la edad de 7 años en el Astrolabio Teatro, a cargo de Julieta Fassone y Hugo de Bernardi, en donde estudió hasta la edad de 11 años. Luego continuó por un año en Río Plateado a cargo de Hugo Midón. Posteriormente interrumpió los estudios de actuación hasta la edad de 17 años.

A partir de allí se formó tanto en actuación, como en la técnica de clown, de teatro físico, expresión corporal, canto, danza y acrobacia. Sus docentes fueron Nestor Navarría, Diego Mauriño, Juan Coulasso, Cristian Drut, Javier Lorenzo, Lorena Vega, Agustín Soler, Julieta Carrera, Eddy García, Eugenio Soto, Hugo de Bernardi, Jazmín Titiunik, Jesús Giraldi, Adam Feiguin, Julián Ferrari, Martina Koga, Catalina Alegre, Federico Schujman, Pompeyo Audivert, Silvina Sabater, entre otros.

Como intérprete, ha participado de Club de Caza, dirigida por Hugo de Bernardi en el Astrolabio Teatro en 2015. En Habeas Corpus, escrita y dirigida por Joaco Alonso, con funciones en Brilla Cordelia y La Manzana de las Luces. También escribió, dirigió e interpretó dos números unipersonales de clown, con la asistencia de Diego Mauriño, que interpretó en diversos espacios culturales entre el 2017 hasta el 2022, Ameló + Sifón y Fruit Killer. Así también escribió, dirigió e interpretó junto con Micaela Tapia La República, una obra en desarrollo que durante el 2019 se presentó en ciclos escénicos del teatro off. En 2019 formó parte de Cuarto Rojo, realizando presentaciones en el marco del Ciclo Tuit, en el Teatro Área 623. En 2019 se unió al grupo de investigación y creación escénica La Polena, en donde en el Espacio Sismico, mensualmente se abría el proceso de trabajo al público, y en los meses de noviembre, presentaron “Traslados”. Durante el 2020, el grupo entró en un proceso de entrenamiento interno, y virtual, y a principios del 2021, presentó el espectáculo La Polena en Vivo, en el Auditorio de Belgrano, y en el Teatro Municipal de Pinamar. Por último, durante el 2021, comenzó el proceso de creación y ensayos del material Yo, Delirio, y en paralelo, comenzó los ensayos de La Señal, obra de Circo Contemporáneo, que fue presentada en Abril del 2022, en La Arena Circo, de Vicente Lopez.

Durante el 2021, profundizó su entrenamiento en el área de danza, realizando la formación de E.M.E., dirigida por Jesús Giraldi, también tomó talleres de danza contemporánea, investigación en movimiento, expresión corporal, acrobacia de piso y parada de manos.

Actualmente cursa cuarto año de la Licenciatura en Actuación en la Universidad Nacional de las Artes, cursando la cátedra de Eugenio Soto.

 

 

Tomas Sokolowicz - Director

Egresado de la Escuela de Circo La Arena, el Centre des Arts du Cirque LE LIDO, Francia(2008-2011) y EME - Especialización en Movimiento Experimental con dirección de Jesús Guiraldi. También se formó de manera independiente en técnicas de actuación, teatro antropológico, Mimo-Teatro, Método Lecoq, danza contemporanea, yoga, bufon/clown con maestrxs como Guillermo Angelelli, Diego Starosta, Cesar Brie, Nahuel Cano,Alejandro Catalan y la escuela de Mimo-Teatro Escobar-Lerchundi, Cedric Praga, Christofe Legoffe, Lucas Condro, Eugenia Estévez, Florent Bergal, Albin Waret. La Ceremonia representa su Ópera Prima con la cual participó de diferentes festivales y teatros de América Latina y Europa, recibiendo el Premio a Mejor espectáculo de Circo Por la revista PLANEANDO SOBRE BUE, fue incluida en el TOP 10 de la cartelera porteña por Alejandro Cruz Diario La Nación y seleccionada por Mecenazgo CABA en 2016. Además participó de espectáculos como "Milagro"(2007) de Gerardo Hochman, "El Paraíso Perdido" de Cesar Brie(2015), “Aviadores” Direccion Matias Plaul y "BRUTO" Creación MIGRA (2017), Actualmente forma parte del Elenco de “Un Domingo” Dirección Florent Bergal (Francia). Se desempeña como docente, dictando seminarios y laboratorios de malabares, manipulación de objetos y teatro físico. Siempre desde un abordaje que indague en la presencia viva del performer y reflexione sobre la puesta en escena de propuestas híbridas. También ha colaborado en diversos proyectos de Arte y transformación social. Entre ellos se destacan el trabajo realizado en "The Palestinian Circus School"(2011), "Circo Social del Sur"(2014), Fundación Crear Vale La Pena en el programa Arte, Creatividad y Bienestar en la Comunidad(2012-2014), Carpa Abierta en el Espacio Cultural Nuestros Hijos (ECUNHI - 2015). Dentro de Proyecto Migra se desempeña en "ENLACE" residencia para creadores de circo(2018) y “FICICO” formación de circo contemporáneo(2019). Lleva adelante “Aliados de la Gravedad” proyecto educativo de formación artística y pedagógica en materia de malabares y manipulación de objetos. Lanzó de forma online "El Truco Que Te Parió" nueva propuesta pedagógica que involucra a todo tipo de artistas de circo interesados en reflexionar sobre la puesta en escena contemporánea y en desarrollar un lenguaje escénico particular y propio de cada performer. Ha dictado sus seminarios en diferentes Centros Culturales, festivales, convenciones y encuentros de Argentina, Chile, Brasil, México, Uruguay, Palestina, Francia, Croacia, Serbia y Alemania.

Como director ha participado en diferentes experiencias siempre vinculadas al circo contemporáneo. Trabajó con la compañía Fuoco di Strada (México) con la cual montó el espectáculo “FuocoSoko" (2016), el cual continúa presentándose hasta la actualidad. En 2017 es invitado por la compañía brasileña “Cia Do Relativo” para intervenir como director en el proceso creativo de su último espectáculo. También dirigió el espectáculo de temporada de Proyecto MIGRA 2019, “Salú!" el cual realizó 50 funciones en La Paloma Uruguay. En Noviembre 2021 estrena AMISTA’, espectáculo de circo contemporáneo ganador del premio regional CABA del Fondo Nacional de las Artes.

 

 

 

 

 

Se presenta Desde la luna, en el Espacio Callejón

 

(Buenos Aires)

Se presenta los sábados a las 17,30 la obra  “Desde la luna” con dramaturgia y dirección de Pablo Iglesias en el Espacio Callejón, Humahuaca 3759. 

En una terminal de ómnibus desolada transcurre la obra, dos personajes, César, excombatiente de Malvinas y actualmente escritor se encuentra con una mujer joven. Poco a poco, la mujer irá develando su verdadera identidad.

La obra aborda el tema de un excombatiente de la Guerra de Malvinas, César que espera reencontrarse con un antiguo amor, la Colo a quién no volvió a ver desde que regresó de  esa guerra, pero quien llega en su lugar es una extrovertida joven, quien de a poco le irá haciendo entender el padecimiento que también sufrieron las mujeres de los combatientes durante y después del conflicto bélico. Cerca del final se revelará un secreto que hará sistema con todo lo dicho y sucedido durante la pieza.

Más allá del tema de la Guerra de Malvinas como contexto de un pasado histórico, los dos personajes se encuentran en escena también mediante la poesía.  

Son muy buenas las actuaciones de Gisele Amantegui y Héctor Segura.

"Desde la luna es una comedia dramática cuya premisa es dar cuenta sobre el rol de las mujeres en el conflicto bélico de Malvinas y acercar esta temática a las nuevas generaciones desde un concepto de reparación. Un primer pretexto sobre el que escribí tiene que ver con situaciones que tuvieron que ver con mi imaginario personal: En el año 1990 realicé el servicio militar obligatorio en el regimiento Granaderos a caballo GeneralSan Martin y en diciembre de ese año fue el levantamiento carapintada por el cual estuve físicamente en situación de posible combate. En aquel momento apostado con el fusil cargado por primera vez en casi un año, apuntado hacia la avenida Luis María Campos pensé: “si yo tengo este pánico lo que habrán sentido los chicos de la guerra” y esa empatía extraña y sensorial nunca se fue de mí, lo que me llevó a escribir ya cuatropiezas teatrales sobre el tema Malvinas (las tres anteriores, premiadas: “El baile del pollito” 2005 “Imaginaria” 2019 y “La niebla de la guerra estaba en las voces” 2021) Tenía 18 años, era apenas un adolescente al que le ordenaban tirar a matar si algo se movía y solo podía pensar en escapar corriendo a mi casa. Los chicos de la guerra tenían mi edad. Este espectáculo dialoga con temas inherentes a nuestra identidad nacional: La guerra y sus secuelas. El arte. El amor. La pasión. Los vínculos familiares. La violencia.

Las pérdidas. La espera. El feminismo y la mirada de los jóvenes de hoy sobre la guerra de Malvinas".

Pablo Iglesias

Pablo Iglesias (1971), Argentina. Es actor, escritor, guionista, dramaturgo, director de teatro y docente. Además es licenciado en medios audiovisuales. En teatro tiene estrenadas más de quince de sus piezas teatrales por las cuales recibió varios premios, entre las que se destacan “El baile del pollito” “La patria submarina” “La constancia del viento”, ”Hambre” y “Rocanrol” entre otras . En TV colaboró autoralmente para varios programas entre los que se destacan “Farsantes”, “Las estrellas” y “La 1 5 18, Somos uno” Algunas de sus obras fueron publicadas y traducidas al inglés y francés. En narrativa obtuvo varios premios y menciones con algunos de sus cuentos “Febrero lluvioso” es su primera novela. Dicta clases de guion y escritura creativa en las universidades de Belgrano y La Universidad Nacional de la Matanza.

Autor: Pablo Iglesias

 

Elenco: Gisele Amantegui y Héctor Segura

Diseño de escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Diseño de iluminación: Fernando Chacoma

Entrenamiento físico: Darío Zwaig

Registro audiovisual: Matías Cabrera

Diseño gráfico: Laura Coton

Redes: Ebou – Alexis Paredes

Prensa y comunicación: Mutuverría PR

Asistente de escena: Joaquin Rodolico

Asistente de dirección: Marina Biondi

Coordinación de producción: Héctor Segura

Producción general: Espacio TBK

Dirección: Pablo Iglesias

Duración: 75 minutos

Largo viaje de un día hacia la noche, de Eugene O´Neill se estrenó en el Teatro San Martín

(Buenos Aires)                                                         

Eugene Gladstone O´Neill (1888-1953) nació en Nueva York, hijo de un actor romántico que logró cierta notoriedad.

De linaje irlandés, fue educado en pensionados católicos de diversas ciudades y finalmente, en Princeton. Su vida fue azarosa y contradictoria. Buscador de oro en Honduras, marinero en barcos norteamericanos y noruegos, vagabundo del bajo de Buenos Aires, obrero en Berisso, actor y periodista, fue asimismo asiduo lector de los trágicos griegos, de Ibsen y de Strindber. Obtuvo cuatro veces el premio Pulitzer y en 1936 el Nobel. Se casó tres veces y su hija Oona fue la mujer de Chaplin.

No menos heterogénea que su vida es su obra, que consta de más de treinta piezas de teatro y una autobiografía. Pasa del realismo al expresionismo y abunda en curiosos experimentos cuya audacia suele justificarse por el éxito. El atormentado espíritu del autor se refleja en su obra, que siempre excluye el happy ending, el final feliz.

El drama de una familia, cada uno con sus dramas individuales se presenta en escena. La luz se va modificando a medida que transcurre el día. El hilo principal de la obra es que Mary, la madre de dos hijos varones,casada con James Tyrone, un actor mediocre que ha obtenido éxito y ganado dinero con una obra y se ha pasado su vida haciendo giras sin poder formar un verdadero hogar, recurre a las drogas para amortiguar sus dolores.

A lo largo de un día, los miembros de la familia intentarán evitar que la mujer vuelva a la adicción. La mujer, que tenía vocación de ser monja o concertista de piano y canceló sus expectativas para seguir al marido en sus giras, no consigue ser feliz, ni tener amigos, ni considera que la casa donde viven sea un hogar. El hogar perdido, la casa del padre, se plantea como único lugar, en el pasado, para ser feliz.

El hombre y padre de familia, un actor mediocre, se lamenta de haber obtenido éxito con una obra que lo frustró como actor, a pesar de haber ganado mucho dinero.

Los hijos, uno, Jamie, actor frustrado, impulsado por el padre a ser actor,  ya que considera que el ambiente de teatro es el único ámbito donde tiene influencias, adicto al alcohol.

El otro hijo, Edmund, con vocación de poeta, está gravemente enfermo, y por la época en que transcurre la obra no tiene expectativas de curarse.  

La escenografía corresponde a una casa burguesa, y a una familia acomodada. Sin embargo, la tacañería del padre llega a algunos extremos.

Ninguno de los personajes parece poder influir en la vida del otro, hay reproches, lamentos, odios que se expresan, envidia, frustración. También hay afecto. La luz de un personaje puede apagar la luz del otro.

O´Neill renovó la técnica dramática del siglo pasado.

Largo viaje de un día hacia la noche, muestra una sociedad con cierto éxito económico, que incluye opresión de la mujer, opresión de los hijos, frustración de las vocaciones, y en definitiva, la búsqueda de una felicidad individual que nunca llega.

Excelentes actuaciones de todo el elenco integrado por Arturo Puig, Selva Alemán, Lautaro Delgado Tymruk, Diego Gentile y Julia Gárriz. También es  muy buena dirección de Luciano Suardi.

Bibliografía:

Jorge Luis Borges, Introducción a la literatura norteamericana, Editorial Emecé

 

 

Nuevas fechas de “Viva el teatro en familia”

 

(Buenos Aires)

El Complejo Teatral de Buenos Aires ofrece un taller gratuito para chicos de 6 a 12 años que tiene lugar mientras los adultos asisten a un espectáculo.

En esta oportunidad se ofrecerá durante las funciones de Edmond  de este sábado 16 de septiembre a las 20 horas y este domingo 17 de septiembre a las 19 horas en el Teatro Alvear (Avda. Corrientes 1659).

 Mientras los adultos asisten a una función en la sala, los chicos aprenden cómo hacer una obra de teatro: ideas, personajes, historia, dramaturgia y representación.

 El taller termina con una historia hecha por ellos mismos.

 Una alternativa entretenida y formadora para los chicos mientras los padres disfrutan de un espectáculo.

 El personal de sala conocerá la ubicación de los familiares en la sala quienes, además, contarán con un dispositivo en el caso de que el niño lo necesite.

Cada taller tiene un cupo de 15 chicos, incluye un refrigerio y tiene la misma duración que el espectáculo.

 Para mayor información y reserva de lugares para el taller www.complejoteatral.gob.ar

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 “1983/2023 - 40 años de Democracia”

Se estrena nueva versión de Largo viaje de un día hacia la noche de Eugene O´Neill en el Teatro San Martín

Arturo Puig y Selva Alemán 

(Buenos Aires)

Se estrena una nueva versión de Largo viaje de un día hacia la noche de Eugene O´Neill, en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires, con dirección de Luciano Suardi. 

El miércoles 20 de septiembre a las 20.30 horas tendrá lugar, en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530), el estreno de Largo viaje de un día hacia la noche de Eugene O’Neill, con dirección de Luciano Suardi. El elenco está integrado por Arturo Puig, Selva Alemán, Lautaro Delgado Tymruk, Diego Gentile y Julia Gárriz. La asistencia artística es de Julieta Abriola, el desarrollo creativo de Selva Alemán, Arturo Puig y Luciano Suardi, la música original y el diseño sonoro son de Carmen Baliero, el diseño de iluminación es de Jorge Pastorino y el diseño de escenografía y vestuario de Graciela Galán.  

Las funciones se ofrecerán de miércoles a domingos a las 20.30 horas. 

Duración: 115 minutos 

 

Long Day's Journey Into Night se presenta mediante un acuerdo especial con United Talent Agency, a través de The Marton Agency (New York) y la Agencia Literaria F & F (Argentina) 

 

LA OBRA

Con elementos de la vida del propio autor, Largo viaje de un día hacia la noche gira en torno a los conflictos de una familia norteamericana quebrada por las frustraciones y los vicios. Mary, una mujer presa de una adicción imposible de desarraigar, está casada con James Tyrone, un actor que ha pasado su vida haciendo giras sin poder formar un verdadero hogar y llevando frecuentemente a su esposa, que de joven soñaba con ser monja o concertista de piano, como acompañante. Tienen dos hijos, Edmund y Jamie, quienes consideran que la tacañería de su padre es la causa de muchos de los males de la familia. Edmund muestra talento para la poesía pero está gravemente enfermo, mientras que Jamie, obligado por su padre a dedicarse al teatro, no logra encaminarse y gasta todo el dinero que cae en sus manos en bebida. 

La obra transcurre en la casa de verano de los Tyrone, desde la mañana hasta la noche del mismo día y muestra las expectativas que tiene la familia de que Mary se recupere, expectativas que se van frustrando a medida que pasan las horas. Y mientras tanto, van saliendo a la luz tragedias del pasado, resentimientos, decepciones y demostraciones de afecto, a pesar de todo. 

Un enorme ventanal acompañará el paso del tiempo a través de las distintas luces del día y una neblina que llega, se disipa y vuelve a aparecer como ocultando y volviendo mostrar los tormentos del vínculo familiar. Una gran escalera central da al piso de las habitaciones y es el riesgo y la amenaza de subirla que posibilitará a la madre volver a drogarse. Desde el faro llega el ulular de una sirena que, casi como un gemido, refuerza los pesares de la historia.

 “En este viaje póstumo, suerte de testamento literario de un escritor genial que no conoció limitaciones técnicas ni de estilo o enfoque cuando quiso decir algo, de un dramaturgo personal y polifacético en grado desconcertante dentro de su unidad, culminan, quintaesenciadas, todas las características del teatro de O’Neill: una preocupación torturante por detallar el escorzo psicológico de los personajes que se refleja hasta en las acotaciones; una intensidad trágica que apenas relaja y atenúa de tarde en tarde la sombra de una sonrisa; una vehemencia y una certera precisión en los apóstrofes y las increpaciones que recuerda las cumbres del ‘sublime’ clásico alcanzado por Shakespeare, Esquilo y a veces Corneille; un soberano desdén por las limitaciones del tiempo y otras leyes del escenario y aun por la tensión nerviosa del espectador; una riqueza verbal que por momentos deslumbra con su inusitada poesía, su poderoso panteísmo, su derroche de imágenes; y, en fin, su sentido del suspenso y la tremenda fuerza del conflicto dramático”.

León Mirlas en O’ Neill y el teatro contemporáneo   

 

Eugene O’ Neill entregó una copia del manuscrito de Largo viaje de un día hacia la noche en 1945, a la editorial Random House, con la condición de que no se publicara hasta 25 años después de su muerte; y, por entonces, había decidido que nunca se representara. 

Tras morir el dramaturgo, Carlotta Monterey, su esposa y a quien había dedicado la obra, tomó la decisión de dar a conocerla. Su estreno mundial -que exigió cuatro horas y media de representación- tuvo lugar en 1956, no en los Estados Unidos, sino en el Teatro Real de Estocolmo. 

Sólo por mencionar una de las representaciones extranjeras de esta pieza, puede recordarse la de 2003, en el teatro Plymouth de Broadway, en Nueva York, con un elenco integrado por Brian Dennehy, Vanessa Redgrave, Philip Seymour Hoffman, Robert Sean Leonard y Fiana Toibin.

A O’ Neill se le entregó un Premio Pulitzer póstumo por esta obra.

 

Esta obra se estrenó también en el Teatro Regio en 2010 (y se repuso en la Sala Casacuberta en 2011) bajo la dirección de Villanueva Cosse, con un elenco integrado por Claudia Lapacó, Daniel Fanego, Sergio Surraco, Agustín Rittano y Gimena Riestra. 

 

EL AUTOR

Eugene O’ Neill (1888-1953) fue un autor dramático norteamericano, pionero del teatro moderno estadounidense, influido por Ibsen, Strindberg y la tragedia griega. Hijo del actor James O’Neill, pasó una infancia inquieta con la compañía de su padre, una juventud turbulenta con estudios interrumpidos, trabajos casuales y viajes aventureros. En colaboración con los Princetown Players, que estrenaron con gran repercusión Bound East for Cardiff (Rumbo a Cardiff) y Thirst (Sed) (1916), fue poniendo en escena sus piezas en un acto de tema marítimo (entre ellas, The Moon of the Caribbies -La luna de los Caribes- de 1916-1917), hasta su triunfo en Broadway con Beyond the Horizon (Más allá del horizonte) (1920) que obtuvo el Premio Pulitzer (uno de los cuatro que le fueron otorgados al autor). O’ Neill se convirtió en el principal autor teatral de Estados Unidos y se estableció en Broadway con Anna Christie (1919-1920) -presentada en 1978 en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, dirigida por Santángelo-, The Emperor Jones (El emperador Jones) (1920), The hairy Ape (El mono peludo) (1922), The great God Brown (El gran dios Brown) (1925), Strange Interlude (Extraño interludio) (1928), Mourning becomes Electra (A Electra le sienta bien el luto) (1931) y Ah Wilderness (1933). En 1936 fue galardonado con el Premio Nobel. 

Estilísticamente, sus dramas, que contienen muchos rasgos autobiográficos, abarcan desde el naturalismo de las piezas en un acto hasta el expresionismo sui generis de El emperador Jones y El mono peludo, y el realismo simbólico de sus obras tardías. Entre 1934 y 1946 O’ Neill no publicó ni estrenó ninguna obra, mientras escribía sus dramas de madurez: More stately Mansions (Mansiones más majestuosas) (1935-1941), A Touch of the Poet (Casi un poeta) (1936-1940), The Iceman cometh (El hombre de hielo llega) (1939-1940), A long Day’s Journey into Night (Largo viaje de un día hacia la noche) (1940), A Moon for the Misbegotten (Una luna para el bastardo) (1941-1942). Antes de morir destruyó varios dramas y fragmentos dramáticos.    

 

EL DIRECTOR

Actor, director y docente. Luciano Suardi estudió con Alejandra Boero, Augusto Fernandes y Vivi Tellas. Becado por la Fundación Antorchas se perfeccionó en el Lee Strasberg Theatre Institute de Nueva York. Como actor trabajó bajo la dirección de Alejandra Boero, Agustín Alezzo, Rubén Szuchmacher, Lía Jelín, Daniel Veronese, Alejandro Tantanian, Laurent Berger, Luis Cano, Mariana Obersztern, Ignacio Sánchez Metre y Matías Feldman, entre otros, participando de numerosos festivales y giras nacionales y en Brasil, España, Francia, Alemania, Japón y Estados Unidos. Dirigió espectáculos de su autoría y de Anton Chejov, August Strindberg, Arthur Miller, Edward Albee, Arnold Wesker, Yazmina Reza, Terence McNally, Carlo Goldoni y los argentinos Alejandro Tantanian, Sergio de Cecco y Diego Manso, entre otros, en el Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires, el Centro de Experimentación del Teatro Colón, el Teatro Nacional Cervantes, el circuito comercial, el teatro independiente, y en diferentes festivales y ciclos en el país y en Alemania, Francia y Suecia. Ha sido distinguido por su labor con numerosas nominaciones y premios (ACE, Florencio Sánchez, María Guerrero, Teatro del Mundo, Teatro XXI). Fue artista en residencia en la Akademie Schloss Solitude de Alemania y en el McCarter Theatre de Princeton en los Estados Unidos. Dictó seminarios en universidades nacionales y extranjeras. Actualmente es profesor de Actuación IV en la Licenciatura de Actuación del Departamento de Artes Dramáticas de la Universidad Nacional de las Artes.

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

“1983/2023 - 40 años de Democracia”

 

Los invisibles, de Gregorio de Laferrère se estrena en el Teatro El Popular

 

(Buenos Aires)

Los invisibles, una comedia satírica de Gregorio de Laferrère  sobre el espiritismo, con dirección de Eleonora Maristany  se estrenó ayer para la prensa en el Teatro El Popular. El estreno para el público se realizará el 9 de septiembre.

El elenco está compuesto por Anabella Valencia, Laura Dantonio, Mauro Pelle, Rubén Ramírez, Charlie Lombardi, Laura Wich, Lucas Ghiglione, Miranda Bruckner, Alejandra López Molina, Juan López, Miguel Vallcaneras y Atilio Farina.

Es muy buena la reconstrucción de la época con un excelente diseño de vestuario y escenografía. Se destaca el elenco dirigido por Eleonora Maristany con esta obra que transcurre a principios del  el siglo pasado.

 

Funciones desde el día 9 de septiembre sábados 20:30

Teatro el Popular: Chile 2080, Balvanera, CABA

Entradas por  http://www.alternativateatral.com/obra84805-los-invisibles

 

En Los Invisibles,  Laferrère aborda con lúcido sarcasmo la práctica del espiritismo. Se vale para ello de un drama familiar en donde todos sus integrantes se someten con docilidad al padre de familia, quien resulta ser el legítimo intermediario con los espíritus que vagan por esta vida. Esa ceguera colectiva trae aparejada la ruina económica de la familia y la definitiva pérdida de la cordura. La sinrazón se apodera sin piedad de todos los personajes, y los hechos de carácter fantástico se suceden sin continencia alguna.

Ramón, el padre de familia, intenta frustrar el casamiento de su hija al afirmar que él mismo, en otra vida, asesinó al ilusionado novio.

El hijo mayor intenta suministrar la cordura que perdió la familia al enfrentar duramente a sus padres, pero ningún argumento resulta válido para tal fin. La sugestión y las falsas creencias ya captaron las emociones de los personajes y las acciones consecuentes llevan a todos a la locura y a la irracionalidad.

 

Diseño de Escenografía: Héctor Calmet

Diseño de Vestuario: Jorgelina Herrero Pons

Diseño de Iluminación: Eduardo Safigueroa

Composición coreográfica: Marina Svartzman

Composición musical: Claudio Di Risio

Fotografía y Material Audiovisual: Claudio Di Risio y Lorena Lemos.

Diseño Gráfico: Sabrina Lara

Producción: Grupo Estable El Popular, Anabella Valencia, Laura Dantonio y Marilú Diz.

Realización Escenográfica: Rubén Ramirez, Charlie Lombardi, Grupo Estable El Popular.

Realización de vestuario: Sarte ( T. Suárez, S. Saez)

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Asistencia de Vestuario: Sofía Di Leo.

Asistencia de Dirección: Valentina De Carlo

Dirección: Eleonora Maristany

Palabras de la Directora: ¿Quiénes son,entonces,los muertos?

Nacen preguntas cuando Gregorio de  Laferrère nos revela con gracia y sarcasmo su última obra, Los Invisibles.

Las creencias limitantes, la sugestión desmedida y el fervor exacerbado de ideas y pensamientos nos acorralan. Les creemos ciegamente y nos entregamos a su destino. Dejamos que nos moldeen como masa blanda en manos de un niño.

Es probable que seamos nosotros, al fin y al cabo, los invisibles.

Eleonora Maristany

 

¿Por qué Los Invisibles? Poner clásicos argentinos en escena es una de las actividades que el Teatro El Popular lleva adelante para cumplir con sus objetivos que es promover, difundir, producir y enseñar Teatro Argentino. Desde sus inicios, fundado en mayo de 2012, el espacio junto con su grupo estable ha llevado a escena obras como “El Organito” de los hermanos Discépolo, “Saverio, el cruel” de Roberto Arlt, entre otros, buscando trasmitir y dar a conocer a las nuevas generaciones la dramaturgia argentina del siglo pasado, y encontrar y visibilizar nuestros orígenes identitarios. En esta oportunidad, “Los Invisibles” de Gregorio de Laferrère  nos permite tocar una tecla que no habíamos llevado a escena: “La comedia satírica”, estética que comenzó a desarrollarse entre el Sainete y la Alta Comedia, dignas representaciones de principios del siglo pasado. Como grupo, estamos convencidas y convencidos que, de la mano de esta historia desopilante, la risa es lo que estamos necesitando para comunicar y para encontrarnos con el público, sin dejar de lado la profundidad que también tiene el texto, los personajes sugestionados por la superstición y la necesidad de encontrar en el más allá lo que no se encuentra en nuestras vidas. Además, es una hermosa oportunidad para recordar cómo vivían nuestros antepasados en esta ciudad porteña, cómo eran sus costumbres, qué prevaleció y qué quedó para siempre en el pasado, qué puede ser nostalgia y qué puede ser un gran y bienvenido cambio.

Anabella Valencia

Directora Artística Teatro El Popular

Curiosidades: Esta obra se estrenó en el año 1911? Fue en el teatro Moderno, hoy conocido como Teatro Liceo, se encuentra en las calles Rivadavia y Paraná de la ciudad de Buenos Aires y es el teatro más antiguo que conserva la ciudad. La pieza fue llevada a escena por la compañía de Pablo Podestá, quien ejercía el rol protagónico. Hubo varias reposiciones a lo largo de la historia de la pieza, vamos a mencionar dos hermosas versiones, una del año 1992 en el teatro Nacional Cervantes bajo la dirección de Francisco Javier y gran elenco y otra versión llevada a escena por la actriz y directora María Maristany en el año 1995 en el teatro LYF del barrio porteño de San Telmo. Allí compartieron cartel Eleonora Maristany y Anabella Valencia realizando los personajes de “Amelia” y “Julita” respectivamente, desde entonces se propusieron volver a hacer la obra.

 Gregorio de  Laferrère Dramaturgo, periodista y político argentino, nacido en Buenos Aires en 1867, y fallecido en 1913. Se le recuerda sobre todo por su producción teatral, que está considerada como el inicio de la llamada "época de oro" del teatro argentino.

Su inclinación hacia el mundo de las Letras, manifiesta desde muy temprana edad, le llevó a fundar una publicación periódica que le sirvió para presentar sus primeros escritos, por aquel entonces firmados bajo el pseudónimo de Abel Stewart Escalada. Posteriormente, su dedicación a la política exterior de su país le permitió viajar por Europa, de donde regresó a la Argentina imbuido de una acusada formación literaria que se había enriquecido con numerosas tradiciones del Viejo Continente; así, por ejemplo, es evidente la influencia del teatro ligero francés en muchas de sus piezas dramáticas, algunas de ellas muy próximas a los más aplaudidos vodeviles que por su época se estaban representando en los escenarios parisinos.

Una vez instalado definitivamente en su lugar de origen,  Laferrère creó el llamado Conservatorio Lavardén, una institución consagrada a la conservación y difusión del teatro argentino y a la formación de los jóvenes aspirantes a convertirse en actores.

Lo más notable del teatro de Gregorio de  Laferrère es su audacia a la hora de verter en los moldes clásicos del vodevil francés una serie de personajes, situaciones y argumentos propios de la sociedad bonaerense de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Es el suyo un teatro burgués, destinado al público de esa amplia clase social y protagonizado por personajes extraídos de ella, en el que predomina el objetivo final de provocar la carcajada del espectador. Las obras más destacadas de esta producción teatral humorística -en ocasiones, abiertamente bufonesca- son las tituladas ¡Jettatore! (1905), Bajo la garra (1906), Las de Barranco (1908) y Los invisibles (1911).

 

 

Eleonora Maristany es directora, dramaturga y actriz. Se formó en dramaturgia con Mauricio Kartun, Ariel Barchilón, Román Podolsky y Marco Antonio de la Parra. En dirección con Guillermo Cacacce y Carlos Ianni. Es actriz egresada del Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Continuó sus estudios en actuación con Luis Agustoni, Rodolfo Graziano y Raúl Serrano. Como autora y directora realizó varias producciones, entre otros espacios, para Microteatro, Teatro La Máscara y el “Ciclo De a Dos” en Teatro El Popular, que coordina junto a Anabella Valencia. Como actriz realizó varios trabajos en televisión. Formó parte del elenco de una puesta de “Los Invisibles” que se presentó en el Teatro Luz y Fuerza en 1998.

Anabella Valencia es directora, actriz, dramaturga, profesora de Actuación (IUNA) y gestora cultural. Se formó con Luis Agustoni, Juan Carlos Gené y Mauricio Kartún. Desde el año 1995 trabaja ininterrumpidamente en la actividad teatral independiente en todos estos rubros. Fue miembro de la comisión directiva de Teatroxlaidentidad 2005-2014, y creadora y miembro de Teatroxlaidentidad Itinerante CABA 2005-2014. Actualmente además, es Directora Artística de Teatro El Popular y miembro del Grupo Estable El Popular, Subsecretaria General de la comisión directiva de ARTEI (que nuclea a 110 salas de Teatro Independiente de la CABA) y se desempeña en la Dirección de Derecho a la Cultura de la Defensoría  del Pueblo CABA, siendo responsable de tareas dedicadas a la difusión, promoción y defensa de Derechos Culturales.

Laura Dantonio es egresada del Cievyc con el título de realizadora de Cine. Se desempeña como actriz de teatro independiente desde 1995. Su actividad teatral también incluye la dirección y la docencia. Actualmente es parte del Grupo Estable del Teatro El Popular y de la compañía chilena de radioteatro Animal Extinto.

Mauro Pelle comenzó teatro con la técnica de improvisación que lo indujo en la técnica del clown. En su recorrido actoral, participo en varias obras, y distintos ciclos teatrales. Se formó con Osqui Guzmán, Marcelo Savignone, Gabriel Chame Buen día, Chacovachi, Toto Castiñeiras, Pablo de Nito y Pompeyo Audivert. Entre las últimas obras en la que trabajó se encuentran La farsa de los ausentes; Orillera y Preguntas de Teatro x la Identidad.

Rubén Ramírez es actor de teatro y cine. Además se ha desempeñado como autor, director y realizador de escenografía. Es egresado de la Diplomatura en Administración de Industrias Artísticas, Creativas y Culturales (Universidad Tecnológica Nacional).

Charlie Lombardi es actor y Profesor en Letras. Como actor ha trabajado en una amplia cantidad de obras, algunas de las cuales formaron parte de Microteatro, del “Ciclo De a Dos” en Teatro El Popular y del “Ciclo Dos Veces Bueno” en el Teatro La Máscara. También ha participado en una serie de cortometrajes. Se formó con  Patricia Palmer y Lorenzo Quinteros, entre otros. También se ha desempeñado como director en varias obras teatrales.

Laura Wich es Profesora y Licenciada en Arte Dramático por la Universidad Nacional de Cuyo. Es Maestranda en Teatro y Artes Performáticas de la UNA. Se ha formado en actuación, canto y danza contemporánea. Es docente de teatro. Se desempeña como actriz y directora de teatro.

Lucas Ghiglione se formó en actuación con Ezequiel Tronconi, Juan Vautista, Pompeyo Audivert, Julia Muzio, Jorge Costa, entre otros. Es actor y productor en Varonas del Grupo Zirujas, con dirección de Juan Vautista. Fue director de Cirujismo Espacio Cultural. Actuó en obras como Farsantes, Weekend, Marathon, Impro Nacional y Flashmovs, entre otras.

Miranda Bruckner se formó en teatro en el Instituto Vocacional de Arte “Manuel José de Labardén, Centro Cultural Adán Buenos Aires, taller de teatro “El cardumen” (jóvenes) y Timbre 4. Ha sido asistente de dirección en obras de Microteatro.

Alejandra López Molina es graduada de la Carrera de Comunicación Escénica, DUOC UC Chile. Se formó en actuación con Guillermo Cacacce, Alejandro Catalán, Pompeyo Audivert, Federico León y Marcelo Savignone, entre otros. Actuó en cine y obras de teatro en Chile y Argentina. Desde 2018, es actriz de Limítrofe. La pastora del sol de Bosco Cayo con dirección de Florencia Bendersky, que ha participado de varios ciclos y festivales en Chile y Argentina.

Juan López se formó como actor con Nelson Valente, Emilia Cecchet, Claudia Bueno y Gonzalo Leones, teatro físico con Milagros Colli, máscara neutra con Marcelo Savignone, clown con Walter Scalese. Actualmente cursa el Profesorado de Teatro. Ha participado en obras como La señal de mono, Nunca estuviste tan adorable, La posadera, La barca sin pescador y Médico a palos.

Miguel Vallcaneras es actor formado en la escuela de Carlos Evaristo “El Túnel”, Actors Studio, ETBA y Andamio 90. Participó en obras como La Posadera y Nunca estuviste tan adorable.

Atilio Farina se formó en actuación con Claudio Rissi, Raúl Serrano, Elvira Viccario y Salvador Amore. Estudia dramaturgia con Mónica Salerno. Entre sus últimos trabajos como actor se encuentran Las tres hermanas (Dir. Manuela Serrano Bruzzo), La gaviota (Nicolás Pérez Costa), La vía láctea (Dir. Roberto Ibáñez), La Nona (Dir. y actor), Julito (Dir. y actor) y Eva Duarte de Susana Barbato.