Largo viaje de un día hacia la noche, de Eugene O´Neill se estrenó en el Teatro San Martín

(Buenos Aires)                                                         

Eugene Gladstone O´Neill (1888-1953) nació en Nueva York, hijo de un actor romántico que logró cierta notoriedad.

De linaje irlandés, fue educado en pensionados católicos de diversas ciudades y finalmente, en Princeton. Su vida fue azarosa y contradictoria. Buscador de oro en Honduras, marinero en barcos norteamericanos y noruegos, vagabundo del bajo de Buenos Aires, obrero en Berisso, actor y periodista, fue asimismo asiduo lector de los trágicos griegos, de Ibsen y de Strindber. Obtuvo cuatro veces el premio Pulitzer y en 1936 el Nobel. Se casó tres veces y su hija Oona fue la mujer de Chaplin.

No menos heterogénea que su vida es su obra, que consta de más de treinta piezas de teatro y una autobiografía. Pasa del realismo al expresionismo y abunda en curiosos experimentos cuya audacia suele justificarse por el éxito. El atormentado espíritu del autor se refleja en su obra, que siempre excluye el happy ending, el final feliz.

El drama de una familia, cada uno con sus dramas individuales se presenta en escena. La luz se va modificando a medida que transcurre el día. El hilo principal de la obra es que Mary, la madre de dos hijos varones,casada con James Tyrone, un actor mediocre que ha obtenido éxito y ganado dinero con una obra y se ha pasado su vida haciendo giras sin poder formar un verdadero hogar, recurre a las drogas para amortiguar sus dolores.

A lo largo de un día, los miembros de la familia intentarán evitar que la mujer vuelva a la adicción. La mujer, que tenía vocación de ser monja o concertista de piano y canceló sus expectativas para seguir al marido en sus giras, no consigue ser feliz, ni tener amigos, ni considera que la casa donde viven sea un hogar. El hogar perdido, la casa del padre, se plantea como único lugar, en el pasado, para ser feliz.

El hombre y padre de familia, un actor mediocre, se lamenta de haber obtenido éxito con una obra que lo frustró como actor, a pesar de haber ganado mucho dinero.

Los hijos, uno, Jamie, actor frustrado, impulsado por el padre a ser actor,  ya que considera que el ambiente de teatro es el único ámbito donde tiene influencias, adicto al alcohol.

El otro hijo, Edmund, con vocación de poeta, está gravemente enfermo, y por la época en que transcurre la obra no tiene expectativas de curarse.  

La escenografía corresponde a una casa burguesa, y a una familia acomodada. Sin embargo, la tacañería del padre llega a algunos extremos.

Ninguno de los personajes parece poder influir en la vida del otro, hay reproches, lamentos, odios que se expresan, envidia, frustración. También hay afecto. La luz de un personaje puede apagar la luz del otro.

O´Neill renovó la técnica dramática del siglo pasado.

Largo viaje de un día hacia la noche, muestra una sociedad con cierto éxito económico, que incluye opresión de la mujer, opresión de los hijos, frustración de las vocaciones, y en definitiva, la búsqueda de una felicidad individual que nunca llega.

Excelentes actuaciones de todo el elenco integrado por Arturo Puig, Selva Alemán, Lautaro Delgado Tymruk, Diego Gentile y Julia Gárriz. También es  muy buena dirección de Luciano Suardi.

Bibliografía:

Jorge Luis Borges, Introducción a la literatura norteamericana, Editorial Emecé

 

 

Nuevas fechas de “Viva el teatro en familia”

 

(Buenos Aires)

El Complejo Teatral de Buenos Aires ofrece un taller gratuito para chicos de 6 a 12 años que tiene lugar mientras los adultos asisten a un espectáculo.

En esta oportunidad se ofrecerá durante las funciones de Edmond  de este sábado 16 de septiembre a las 20 horas y este domingo 17 de septiembre a las 19 horas en el Teatro Alvear (Avda. Corrientes 1659).

 Mientras los adultos asisten a una función en la sala, los chicos aprenden cómo hacer una obra de teatro: ideas, personajes, historia, dramaturgia y representación.

 El taller termina con una historia hecha por ellos mismos.

 Una alternativa entretenida y formadora para los chicos mientras los padres disfrutan de un espectáculo.

 El personal de sala conocerá la ubicación de los familiares en la sala quienes, además, contarán con un dispositivo en el caso de que el niño lo necesite.

Cada taller tiene un cupo de 15 chicos, incluye un refrigerio y tiene la misma duración que el espectáculo.

 Para mayor información y reserva de lugares para el taller www.complejoteatral.gob.ar

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 “1983/2023 - 40 años de Democracia”

Se estrena nueva versión de Largo viaje de un día hacia la noche de Eugene O´Neill en el Teatro San Martín

Arturo Puig y Selva Alemán 

(Buenos Aires)

Se estrena una nueva versión de Largo viaje de un día hacia la noche de Eugene O´Neill, en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires, con dirección de Luciano Suardi. 

El miércoles 20 de septiembre a las 20.30 horas tendrá lugar, en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530), el estreno de Largo viaje de un día hacia la noche de Eugene O’Neill, con dirección de Luciano Suardi. El elenco está integrado por Arturo Puig, Selva Alemán, Lautaro Delgado Tymruk, Diego Gentile y Julia Gárriz. La asistencia artística es de Julieta Abriola, el desarrollo creativo de Selva Alemán, Arturo Puig y Luciano Suardi, la música original y el diseño sonoro son de Carmen Baliero, el diseño de iluminación es de Jorge Pastorino y el diseño de escenografía y vestuario de Graciela Galán.  

Las funciones se ofrecerán de miércoles a domingos a las 20.30 horas. 

Duración: 115 minutos 

 

Long Day's Journey Into Night se presenta mediante un acuerdo especial con United Talent Agency, a través de The Marton Agency (New York) y la Agencia Literaria F & F (Argentina) 

 

LA OBRA

Con elementos de la vida del propio autor, Largo viaje de un día hacia la noche gira en torno a los conflictos de una familia norteamericana quebrada por las frustraciones y los vicios. Mary, una mujer presa de una adicción imposible de desarraigar, está casada con James Tyrone, un actor que ha pasado su vida haciendo giras sin poder formar un verdadero hogar y llevando frecuentemente a su esposa, que de joven soñaba con ser monja o concertista de piano, como acompañante. Tienen dos hijos, Edmund y Jamie, quienes consideran que la tacañería de su padre es la causa de muchos de los males de la familia. Edmund muestra talento para la poesía pero está gravemente enfermo, mientras que Jamie, obligado por su padre a dedicarse al teatro, no logra encaminarse y gasta todo el dinero que cae en sus manos en bebida. 

La obra transcurre en la casa de verano de los Tyrone, desde la mañana hasta la noche del mismo día y muestra las expectativas que tiene la familia de que Mary se recupere, expectativas que se van frustrando a medida que pasan las horas. Y mientras tanto, van saliendo a la luz tragedias del pasado, resentimientos, decepciones y demostraciones de afecto, a pesar de todo. 

Un enorme ventanal acompañará el paso del tiempo a través de las distintas luces del día y una neblina que llega, se disipa y vuelve a aparecer como ocultando y volviendo mostrar los tormentos del vínculo familiar. Una gran escalera central da al piso de las habitaciones y es el riesgo y la amenaza de subirla que posibilitará a la madre volver a drogarse. Desde el faro llega el ulular de una sirena que, casi como un gemido, refuerza los pesares de la historia.

 “En este viaje póstumo, suerte de testamento literario de un escritor genial que no conoció limitaciones técnicas ni de estilo o enfoque cuando quiso decir algo, de un dramaturgo personal y polifacético en grado desconcertante dentro de su unidad, culminan, quintaesenciadas, todas las características del teatro de O’Neill: una preocupación torturante por detallar el escorzo psicológico de los personajes que se refleja hasta en las acotaciones; una intensidad trágica que apenas relaja y atenúa de tarde en tarde la sombra de una sonrisa; una vehemencia y una certera precisión en los apóstrofes y las increpaciones que recuerda las cumbres del ‘sublime’ clásico alcanzado por Shakespeare, Esquilo y a veces Corneille; un soberano desdén por las limitaciones del tiempo y otras leyes del escenario y aun por la tensión nerviosa del espectador; una riqueza verbal que por momentos deslumbra con su inusitada poesía, su poderoso panteísmo, su derroche de imágenes; y, en fin, su sentido del suspenso y la tremenda fuerza del conflicto dramático”.

León Mirlas en O’ Neill y el teatro contemporáneo   

 

Eugene O’ Neill entregó una copia del manuscrito de Largo viaje de un día hacia la noche en 1945, a la editorial Random House, con la condición de que no se publicara hasta 25 años después de su muerte; y, por entonces, había decidido que nunca se representara. 

Tras morir el dramaturgo, Carlotta Monterey, su esposa y a quien había dedicado la obra, tomó la decisión de dar a conocerla. Su estreno mundial -que exigió cuatro horas y media de representación- tuvo lugar en 1956, no en los Estados Unidos, sino en el Teatro Real de Estocolmo. 

Sólo por mencionar una de las representaciones extranjeras de esta pieza, puede recordarse la de 2003, en el teatro Plymouth de Broadway, en Nueva York, con un elenco integrado por Brian Dennehy, Vanessa Redgrave, Philip Seymour Hoffman, Robert Sean Leonard y Fiana Toibin.

A O’ Neill se le entregó un Premio Pulitzer póstumo por esta obra.

 

Esta obra se estrenó también en el Teatro Regio en 2010 (y se repuso en la Sala Casacuberta en 2011) bajo la dirección de Villanueva Cosse, con un elenco integrado por Claudia Lapacó, Daniel Fanego, Sergio Surraco, Agustín Rittano y Gimena Riestra. 

 

EL AUTOR

Eugene O’ Neill (1888-1953) fue un autor dramático norteamericano, pionero del teatro moderno estadounidense, influido por Ibsen, Strindberg y la tragedia griega. Hijo del actor James O’Neill, pasó una infancia inquieta con la compañía de su padre, una juventud turbulenta con estudios interrumpidos, trabajos casuales y viajes aventureros. En colaboración con los Princetown Players, que estrenaron con gran repercusión Bound East for Cardiff (Rumbo a Cardiff) y Thirst (Sed) (1916), fue poniendo en escena sus piezas en un acto de tema marítimo (entre ellas, The Moon of the Caribbies -La luna de los Caribes- de 1916-1917), hasta su triunfo en Broadway con Beyond the Horizon (Más allá del horizonte) (1920) que obtuvo el Premio Pulitzer (uno de los cuatro que le fueron otorgados al autor). O’ Neill se convirtió en el principal autor teatral de Estados Unidos y se estableció en Broadway con Anna Christie (1919-1920) -presentada en 1978 en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, dirigida por Santángelo-, The Emperor Jones (El emperador Jones) (1920), The hairy Ape (El mono peludo) (1922), The great God Brown (El gran dios Brown) (1925), Strange Interlude (Extraño interludio) (1928), Mourning becomes Electra (A Electra le sienta bien el luto) (1931) y Ah Wilderness (1933). En 1936 fue galardonado con el Premio Nobel. 

Estilísticamente, sus dramas, que contienen muchos rasgos autobiográficos, abarcan desde el naturalismo de las piezas en un acto hasta el expresionismo sui generis de El emperador Jones y El mono peludo, y el realismo simbólico de sus obras tardías. Entre 1934 y 1946 O’ Neill no publicó ni estrenó ninguna obra, mientras escribía sus dramas de madurez: More stately Mansions (Mansiones más majestuosas) (1935-1941), A Touch of the Poet (Casi un poeta) (1936-1940), The Iceman cometh (El hombre de hielo llega) (1939-1940), A long Day’s Journey into Night (Largo viaje de un día hacia la noche) (1940), A Moon for the Misbegotten (Una luna para el bastardo) (1941-1942). Antes de morir destruyó varios dramas y fragmentos dramáticos.    

 

EL DIRECTOR

Actor, director y docente. Luciano Suardi estudió con Alejandra Boero, Augusto Fernandes y Vivi Tellas. Becado por la Fundación Antorchas se perfeccionó en el Lee Strasberg Theatre Institute de Nueva York. Como actor trabajó bajo la dirección de Alejandra Boero, Agustín Alezzo, Rubén Szuchmacher, Lía Jelín, Daniel Veronese, Alejandro Tantanian, Laurent Berger, Luis Cano, Mariana Obersztern, Ignacio Sánchez Metre y Matías Feldman, entre otros, participando de numerosos festivales y giras nacionales y en Brasil, España, Francia, Alemania, Japón y Estados Unidos. Dirigió espectáculos de su autoría y de Anton Chejov, August Strindberg, Arthur Miller, Edward Albee, Arnold Wesker, Yazmina Reza, Terence McNally, Carlo Goldoni y los argentinos Alejandro Tantanian, Sergio de Cecco y Diego Manso, entre otros, en el Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires, el Centro de Experimentación del Teatro Colón, el Teatro Nacional Cervantes, el circuito comercial, el teatro independiente, y en diferentes festivales y ciclos en el país y en Alemania, Francia y Suecia. Ha sido distinguido por su labor con numerosas nominaciones y premios (ACE, Florencio Sánchez, María Guerrero, Teatro del Mundo, Teatro XXI). Fue artista en residencia en la Akademie Schloss Solitude de Alemania y en el McCarter Theatre de Princeton en los Estados Unidos. Dictó seminarios en universidades nacionales y extranjeras. Actualmente es profesor de Actuación IV en la Licenciatura de Actuación del Departamento de Artes Dramáticas de la Universidad Nacional de las Artes.

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

“1983/2023 - 40 años de Democracia”

 

Los invisibles, de Gregorio de Laferrère se estrena en el Teatro El Popular

 

(Buenos Aires)

Los invisibles, una comedia satírica de Gregorio de Laferrère  sobre el espiritismo, con dirección de Eleonora Maristany  se estrenó ayer para la prensa en el Teatro El Popular. El estreno para el público se realizará el 9 de septiembre.

El elenco está compuesto por Anabella Valencia, Laura Dantonio, Mauro Pelle, Rubén Ramírez, Charlie Lombardi, Laura Wich, Lucas Ghiglione, Miranda Bruckner, Alejandra López Molina, Juan López, Miguel Vallcaneras y Atilio Farina.

Es muy buena la reconstrucción de la época con un excelente diseño de vestuario y escenografía. Se destaca el elenco dirigido por Eleonora Maristany con esta obra que transcurre a principios del  el siglo pasado.

 

Funciones desde el día 9 de septiembre sábados 20:30

Teatro el Popular: Chile 2080, Balvanera, CABA

Entradas por  http://www.alternativateatral.com/obra84805-los-invisibles

 

En Los Invisibles,  Laferrère aborda con lúcido sarcasmo la práctica del espiritismo. Se vale para ello de un drama familiar en donde todos sus integrantes se someten con docilidad al padre de familia, quien resulta ser el legítimo intermediario con los espíritus que vagan por esta vida. Esa ceguera colectiva trae aparejada la ruina económica de la familia y la definitiva pérdida de la cordura. La sinrazón se apodera sin piedad de todos los personajes, y los hechos de carácter fantástico se suceden sin continencia alguna.

Ramón, el padre de familia, intenta frustrar el casamiento de su hija al afirmar que él mismo, en otra vida, asesinó al ilusionado novio.

El hijo mayor intenta suministrar la cordura que perdió la familia al enfrentar duramente a sus padres, pero ningún argumento resulta válido para tal fin. La sugestión y las falsas creencias ya captaron las emociones de los personajes y las acciones consecuentes llevan a todos a la locura y a la irracionalidad.

 

Diseño de Escenografía: Héctor Calmet

Diseño de Vestuario: Jorgelina Herrero Pons

Diseño de Iluminación: Eduardo Safigueroa

Composición coreográfica: Marina Svartzman

Composición musical: Claudio Di Risio

Fotografía y Material Audiovisual: Claudio Di Risio y Lorena Lemos.

Diseño Gráfico: Sabrina Lara

Producción: Grupo Estable El Popular, Anabella Valencia, Laura Dantonio y Marilú Diz.

Realización Escenográfica: Rubén Ramirez, Charlie Lombardi, Grupo Estable El Popular.

Realización de vestuario: Sarte ( T. Suárez, S. Saez)

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Asistencia de Vestuario: Sofía Di Leo.

Asistencia de Dirección: Valentina De Carlo

Dirección: Eleonora Maristany

Palabras de la Directora: ¿Quiénes son,entonces,los muertos?

Nacen preguntas cuando Gregorio de  Laferrère nos revela con gracia y sarcasmo su última obra, Los Invisibles.

Las creencias limitantes, la sugestión desmedida y el fervor exacerbado de ideas y pensamientos nos acorralan. Les creemos ciegamente y nos entregamos a su destino. Dejamos que nos moldeen como masa blanda en manos de un niño.

Es probable que seamos nosotros, al fin y al cabo, los invisibles.

Eleonora Maristany

 

¿Por qué Los Invisibles? Poner clásicos argentinos en escena es una de las actividades que el Teatro El Popular lleva adelante para cumplir con sus objetivos que es promover, difundir, producir y enseñar Teatro Argentino. Desde sus inicios, fundado en mayo de 2012, el espacio junto con su grupo estable ha llevado a escena obras como “El Organito” de los hermanos Discépolo, “Saverio, el cruel” de Roberto Arlt, entre otros, buscando trasmitir y dar a conocer a las nuevas generaciones la dramaturgia argentina del siglo pasado, y encontrar y visibilizar nuestros orígenes identitarios. En esta oportunidad, “Los Invisibles” de Gregorio de Laferrère  nos permite tocar una tecla que no habíamos llevado a escena: “La comedia satírica”, estética que comenzó a desarrollarse entre el Sainete y la Alta Comedia, dignas representaciones de principios del siglo pasado. Como grupo, estamos convencidas y convencidos que, de la mano de esta historia desopilante, la risa es lo que estamos necesitando para comunicar y para encontrarnos con el público, sin dejar de lado la profundidad que también tiene el texto, los personajes sugestionados por la superstición y la necesidad de encontrar en el más allá lo que no se encuentra en nuestras vidas. Además, es una hermosa oportunidad para recordar cómo vivían nuestros antepasados en esta ciudad porteña, cómo eran sus costumbres, qué prevaleció y qué quedó para siempre en el pasado, qué puede ser nostalgia y qué puede ser un gran y bienvenido cambio.

Anabella Valencia

Directora Artística Teatro El Popular

Curiosidades: Esta obra se estrenó en el año 1911? Fue en el teatro Moderno, hoy conocido como Teatro Liceo, se encuentra en las calles Rivadavia y Paraná de la ciudad de Buenos Aires y es el teatro más antiguo que conserva la ciudad. La pieza fue llevada a escena por la compañía de Pablo Podestá, quien ejercía el rol protagónico. Hubo varias reposiciones a lo largo de la historia de la pieza, vamos a mencionar dos hermosas versiones, una del año 1992 en el teatro Nacional Cervantes bajo la dirección de Francisco Javier y gran elenco y otra versión llevada a escena por la actriz y directora María Maristany en el año 1995 en el teatro LYF del barrio porteño de San Telmo. Allí compartieron cartel Eleonora Maristany y Anabella Valencia realizando los personajes de “Amelia” y “Julita” respectivamente, desde entonces se propusieron volver a hacer la obra.

 Gregorio de  Laferrère Dramaturgo, periodista y político argentino, nacido en Buenos Aires en 1867, y fallecido en 1913. Se le recuerda sobre todo por su producción teatral, que está considerada como el inicio de la llamada "época de oro" del teatro argentino.

Su inclinación hacia el mundo de las Letras, manifiesta desde muy temprana edad, le llevó a fundar una publicación periódica que le sirvió para presentar sus primeros escritos, por aquel entonces firmados bajo el pseudónimo de Abel Stewart Escalada. Posteriormente, su dedicación a la política exterior de su país le permitió viajar por Europa, de donde regresó a la Argentina imbuido de una acusada formación literaria que se había enriquecido con numerosas tradiciones del Viejo Continente; así, por ejemplo, es evidente la influencia del teatro ligero francés en muchas de sus piezas dramáticas, algunas de ellas muy próximas a los más aplaudidos vodeviles que por su época se estaban representando en los escenarios parisinos.

Una vez instalado definitivamente en su lugar de origen,  Laferrère creó el llamado Conservatorio Lavardén, una institución consagrada a la conservación y difusión del teatro argentino y a la formación de los jóvenes aspirantes a convertirse en actores.

Lo más notable del teatro de Gregorio de  Laferrère es su audacia a la hora de verter en los moldes clásicos del vodevil francés una serie de personajes, situaciones y argumentos propios de la sociedad bonaerense de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Es el suyo un teatro burgués, destinado al público de esa amplia clase social y protagonizado por personajes extraídos de ella, en el que predomina el objetivo final de provocar la carcajada del espectador. Las obras más destacadas de esta producción teatral humorística -en ocasiones, abiertamente bufonesca- son las tituladas ¡Jettatore! (1905), Bajo la garra (1906), Las de Barranco (1908) y Los invisibles (1911).

 

 

Eleonora Maristany es directora, dramaturga y actriz. Se formó en dramaturgia con Mauricio Kartun, Ariel Barchilón, Román Podolsky y Marco Antonio de la Parra. En dirección con Guillermo Cacacce y Carlos Ianni. Es actriz egresada del Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Continuó sus estudios en actuación con Luis Agustoni, Rodolfo Graziano y Raúl Serrano. Como autora y directora realizó varias producciones, entre otros espacios, para Microteatro, Teatro La Máscara y el “Ciclo De a Dos” en Teatro El Popular, que coordina junto a Anabella Valencia. Como actriz realizó varios trabajos en televisión. Formó parte del elenco de una puesta de “Los Invisibles” que se presentó en el Teatro Luz y Fuerza en 1998.

Anabella Valencia es directora, actriz, dramaturga, profesora de Actuación (IUNA) y gestora cultural. Se formó con Luis Agustoni, Juan Carlos Gené y Mauricio Kartún. Desde el año 1995 trabaja ininterrumpidamente en la actividad teatral independiente en todos estos rubros. Fue miembro de la comisión directiva de Teatroxlaidentidad 2005-2014, y creadora y miembro de Teatroxlaidentidad Itinerante CABA 2005-2014. Actualmente además, es Directora Artística de Teatro El Popular y miembro del Grupo Estable El Popular, Subsecretaria General de la comisión directiva de ARTEI (que nuclea a 110 salas de Teatro Independiente de la CABA) y se desempeña en la Dirección de Derecho a la Cultura de la Defensoría  del Pueblo CABA, siendo responsable de tareas dedicadas a la difusión, promoción y defensa de Derechos Culturales.

Laura Dantonio es egresada del Cievyc con el título de realizadora de Cine. Se desempeña como actriz de teatro independiente desde 1995. Su actividad teatral también incluye la dirección y la docencia. Actualmente es parte del Grupo Estable del Teatro El Popular y de la compañía chilena de radioteatro Animal Extinto.

Mauro Pelle comenzó teatro con la técnica de improvisación que lo indujo en la técnica del clown. En su recorrido actoral, participo en varias obras, y distintos ciclos teatrales. Se formó con Osqui Guzmán, Marcelo Savignone, Gabriel Chame Buen día, Chacovachi, Toto Castiñeiras, Pablo de Nito y Pompeyo Audivert. Entre las últimas obras en la que trabajó se encuentran La farsa de los ausentes; Orillera y Preguntas de Teatro x la Identidad.

Rubén Ramírez es actor de teatro y cine. Además se ha desempeñado como autor, director y realizador de escenografía. Es egresado de la Diplomatura en Administración de Industrias Artísticas, Creativas y Culturales (Universidad Tecnológica Nacional).

Charlie Lombardi es actor y Profesor en Letras. Como actor ha trabajado en una amplia cantidad de obras, algunas de las cuales formaron parte de Microteatro, del “Ciclo De a Dos” en Teatro El Popular y del “Ciclo Dos Veces Bueno” en el Teatro La Máscara. También ha participado en una serie de cortometrajes. Se formó con  Patricia Palmer y Lorenzo Quinteros, entre otros. También se ha desempeñado como director en varias obras teatrales.

Laura Wich es Profesora y Licenciada en Arte Dramático por la Universidad Nacional de Cuyo. Es Maestranda en Teatro y Artes Performáticas de la UNA. Se ha formado en actuación, canto y danza contemporánea. Es docente de teatro. Se desempeña como actriz y directora de teatro.

Lucas Ghiglione se formó en actuación con Ezequiel Tronconi, Juan Vautista, Pompeyo Audivert, Julia Muzio, Jorge Costa, entre otros. Es actor y productor en Varonas del Grupo Zirujas, con dirección de Juan Vautista. Fue director de Cirujismo Espacio Cultural. Actuó en obras como Farsantes, Weekend, Marathon, Impro Nacional y Flashmovs, entre otras.

Miranda Bruckner se formó en teatro en el Instituto Vocacional de Arte “Manuel José de Labardén, Centro Cultural Adán Buenos Aires, taller de teatro “El cardumen” (jóvenes) y Timbre 4. Ha sido asistente de dirección en obras de Microteatro.

Alejandra López Molina es graduada de la Carrera de Comunicación Escénica, DUOC UC Chile. Se formó en actuación con Guillermo Cacacce, Alejandro Catalán, Pompeyo Audivert, Federico León y Marcelo Savignone, entre otros. Actuó en cine y obras de teatro en Chile y Argentina. Desde 2018, es actriz de Limítrofe. La pastora del sol de Bosco Cayo con dirección de Florencia Bendersky, que ha participado de varios ciclos y festivales en Chile y Argentina.

Juan López se formó como actor con Nelson Valente, Emilia Cecchet, Claudia Bueno y Gonzalo Leones, teatro físico con Milagros Colli, máscara neutra con Marcelo Savignone, clown con Walter Scalese. Actualmente cursa el Profesorado de Teatro. Ha participado en obras como La señal de mono, Nunca estuviste tan adorable, La posadera, La barca sin pescador y Médico a palos.

Miguel Vallcaneras es actor formado en la escuela de Carlos Evaristo “El Túnel”, Actors Studio, ETBA y Andamio 90. Participó en obras como La Posadera y Nunca estuviste tan adorable.

Atilio Farina se formó en actuación con Claudio Rissi, Raúl Serrano, Elvira Viccario y Salvador Amore. Estudia dramaturgia con Mónica Salerno. Entre sus últimos trabajos como actor se encuentran Las tres hermanas (Dir. Manuela Serrano Bruzzo), La gaviota (Nicolás Pérez Costa), La vía láctea (Dir. Roberto Ibáñez), La Nona (Dir. y actor), Julito (Dir. y actor) y Eva Duarte de Susana Barbato.

Estado de Shock, una obra con trama policial en el Teatro Código Montesco

 

 (Buenos Aires)

En el Teatro Código Montesco, Gorriti 3956, CABA se puede ver Estado de shock, una obra con trama policial con dramaturgia y dirección de Martín Arias. En la primera escena una mujer esposada y cubierta de sangre es interrogada por un hombre que la presiona para que confiese un crimen, la mujer no recuerda nada. La víctima es el marido de la mujer, asesinado de veinte puñaladas.

Luego se incorpora una fiscal, una abogada que interroga a la acusada acerca del crimen. Nada se sabe de esta mujer ni de su historia anterior a que conociera al hombre asesinado y se casara con él. La acusada tiene un hermano autista que aparece en escena pero es poco lo que puede aportar, en principio, para que la trama se vaya develando.

Con ritmo van apareciendo diversos personajes: una abogada defensora que sabe interrelacionarse con los medios de comunicación y se ofrece a la acusada para defenderla. Es una mujer manipuladora, hábil y se va imponiendo en la trama.

Simultáneamente, una presentadora de televisión a cargo de un noticiero va presentando el caso, entrevistando a vecinos de la acusada y del hombre asesinado y construyendo una posible realidad de lo que ocurrió para llegar al crimen del hombre, que se dedicaba a la gastronomía.

Poco a poco se va develando la verdad de lo ocurrido mientras  se mantiene el interés del espectador y cada personaje aporta su testimonio, en algunos casos producto de la imaginación a partir de lo escuchado o de lo supuesto. Cada uno de estos testigos, intentan obtener para sí alguna ganancia de lo ocurrido sin que importe llegar a la verdad.

Es una obra de actualidad, con un trasfondo donde las víctimas a veces son muchas más de las que aparecen en un caso policial que se transforma en mediático.

Muy buena  la actuación de todo el elenco, la dramaturgia y la dirección.

 

 

Funciones Sábados a las 21.30 hs

Teatro Código Montesco: Gorriti 3956 - CABA

Duración: 1.45 hs

https://www.alternativateatral.com/obra84711-estado-de-shock

 

Elenco: Alejandro Mel, Claudia Valenzuela, Claudio Cid, Eliana Bisagne, Guadalupe Pérez, Gustavo Gilberto, Laura Proto, Leandro Bara, Leandro Santillán, Leonardo Salom, Lourdes Ayarde, Ludmila Magnone.

 

 

“Estado de Shock” es un policial intrigante, que mantiene la atención hasta el último minuto. Donde el espectador deberá mantenerse alerta para unir las piezas del rompecabezas y así descubrir la verdad.

El 911 recibe un llamado extraño de un joven pidiendo ayuda. Al llegar la policía encuentra a un hombre asesinado de 20 puñaladas, al lado, su esposa en estado de shock, paralizada, bañada en sangre y con un cuchillo en la mano. Su hermano, un joven autista camina desesperadamente por el living balbuceando palabras incomprensibles. Ella no recuerda nada de lo que sucedió, solo sabe que amaba a su marido.

No todo es lo que parece ser, no todo lo que nos cuentan es la realidad. Una obra que interpela nuestro rol como sociedad, la influencia de los medios de comunicación, que habla de nuestros miedos y el valor que se necesita para vencerlos. Porque “vivir con miedo es como estar muerto” y la única manera de dejar el pasado atrás, no es correr y escapar  sino enfrentarlo.

Siempre podemos cambiar, sobre todo cuando no queda nada por perder…

 

 

Dramaturgia y dirección: Martín Arias

Elenco: Maria Lourdes Ayarde, Leandro Barattucci, Eliana Bisagne, Claudio Ceballos Cid, Gustavo Gilberto, Ludmila Magnone, Alejandro Mel, Guadalupe Pérez, Laura Proto, Leonardo Salom, Leandro Santillán, Claudia Valenzuela

Diseño De Iluminación: Martín Arias

Dirección de arte: Yuruani Rodriguez

Diseño gráfico: Yuruani Rodriguez

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Asistencia de dirección: Eliana Bisagne

Producción: Ingrid Ross

 

 

 

 

ELENCO POR ROLES

Javier (víctima): Leandro Bara

Ana Filkenstein (acusada):  Lourdes Ayarde

Fabián Costa: Gustavo Gilberto 

Tomás Filkenstein (hermano de la acusada): Leandro Santillán 

Silvina Roca (abogada): Guadalupe Pérez

Fiscal: Ludmila Magnone

Alvarez (detective -ex policía): Leonardo Salom

Psiquiatra perito:  Alejandro Mel

Soledad (periodista): Laura Proto

Carmen (hermana de la víctima): Eliana Bisagne

Sarita (vecina): Claudia Valenzuela

Ricky (vecino): Claudio Cid

Martín Arias

Actor, Director, Dramaturgo, Coach y Profesor de Actuación

Comienza a estudiar teatro a los 12 años de edad. En 1991 ingresa a la escuela de actuación de Agustín Alezzo donde se forma sólidamente como actor durante 10 años.

En el año 2001 funda LA ODISEA Escuela de Formación Integral para el Actor, una de las más prestigiosas y reconocidas de Buenos Aires. Desde hace 22 años y hasta la actualidad dicta seminarios para actores y es el director general de la escuela.

También estudió actuación con Oscar Martinez, Joy Morris, Susana Randón. Realizó seminarios  con Anna Strasberg, actuación para cine con Pino Solanas y complementó su formación entrenando diferentes disciplinas como clown, doblaje, foniatría, canto y muchas otras.

Algunas de las obras de teatro donde participó como actor fueron; “Romeo y Jeanette” (de J.Anohuil) 1995: Dirección Alberto San Juan - EMAD, “Recuerdo de dos lunes” (de Arthur Miller) 1996: Dirección Agustin Alezzo - Andamio '90, “Ricardo III” (de W.Shakespeare) 1997: Dirección Agustín Alezzo - Teatro Municipal General San Martín, “Los justos” (de Albert Camus) 2001: Dirección Marcelo Cosentino - Teatro Bajo Corrientes, “Testigos” (de Joaquín Bonet) 2007: Dirección Joaquín Bonet - Teatro del Abasto.

En cine actuó en “Buenos Aires me Mata” 1997: Dirección Beda D'Ocampo Feijo, “Cenizas del Paraíso”: Dirección Marcelo Piñeiro, “Seven Up” 2002: Dirección Diego Enriquez, “La Promesa” 2004: cortometraje: Dirección Joaquín Bonet.

Trabajó intensamente en televisión, participando en tiras, series y unitarios como: “Cuéntame” 2016: Tv Pública - Canal 7, “Guapas” 2014: Canal 13, “Farsantes” 2013: Canal 13, “Sueña Conmigo” 2011: Canal “Epitafios” 2010: Segunda Temporada HBO-Pol-Ka, “Niní” 2009: Telefe, “Amas de Casa Desesperadas” 2008 (Colombia): Pol-ka, “Casi Angeles” 2008: Telefe,“Casi Angeles” 2007: Telefe, “Patito Feo” 2007: Canal 13, “Romeo y Julieta” 2007: Canal 9, “Amor en Custodia” 2005 : Telefe,“Floricienta” 2005: Canal 13, “DobleVida” 2005: América, "Son Amores" 2003: Canal 13, "El Precio del Poder" 2002: Canal 9, "Ilusiones" 2000: Canal, "Primicias" 2000: Canal 13, "Mamitas" 1999: Azul Televisión, "La Nocturna”: Canal 13, "De Corazón" 1998: Canal 13, "Aprender a Vivir" (Protagónico) 1997: Canal 9, "Archivo Negro" 1997: Canal 13, "Mi Familia es un Dibujo" 1997: Telefe, "De Corazón" 1997: Canal 13, "Mamá x Dos" 1996: Canal 9, "Aprender a Volar" 1995: Canal 13, "Mi Cuñado" 1994: Telefe, "Para Toda la Vida" 1994: Telefe, "Grande Pá" 1994: Telefe, "Déjate Querer"1994: Telefe, 1993, "Amigos son los Amigos" 1993: Canal 9.      

Como director y dramaturgo estrenó; “Tensión en el Aire” 2017: Teatro Código Montesco, “Irreversible” 2018: Teatro Código Montesco, “Palermo Freud” 2019: Teatro Código Montesco, “#155 Días” 2020: representada por Streaming (pandemia), “Estado de Shock” 2023: Teatro Código Montesco.

 

Medida por medida (La culpa es tuya);de William Shakespeare se estrenó en el Teatro Sarmiento

 

 

(Buenos Aires)

Medida por medida, una tragicomedia de William Shakespeare se estrenó con gran éxito en el Teatro Sarmiento, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires.

La versión de Gabriel Chamé Buendía, uno de los clowns más destacados de la Argentina y del mundo le aporta el humor necesario para hacer de esta obra una pieza teatral de inusual atractivo.

En Medida por medida se aborda el tema del abuso de poder sexual. El texto de Shakespeare no pierde vigencia. La visión sobre la ley, la corrupción, la piedad y la culpa,  entre otros temas son abordados en la obra. En una Viena corrupta, donde nadie cumple con la ley, se castiga con la muerte el tener relaciones sexuales sin estar casado.

En la trama, una novicia es puesta a prueba ya que para salvar la vida de su hermano tiene que tener relaciones sexuales con un juez. Pero la novicia no quiere ser violentada, a pesar de querer salvar al hermano.

La religión y la corrupción, también la compasión, son algunos de los temas de Medida por medida.

La obra no decae sino que va atrapando al espectador con recursos de clown, escenografía, música, luces y vestuario.

 Teatro Sarmiento (Avenida Sarmiento 2715) Medida por medida (La culpa es tuya), adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida por Gabriel Chamé Buendia, el elenco está integrado por  integrado por Matías Bassi, Nicolás Gentile, Elvira Gómez, Agustín Soler y Marilyn Petito.

El entrenamiento de baile es de Damián Malvacio, la asistencia artística de Lorena Booth, el diseño sonoro de Sebastián Furman y Gabriel Chamé Buendia, el diseño de vestuario de Cecilia Allassia y el diseño de iluminación y escenografía de Jorge Pastorino.

 

Carnicera, de Javier Daulte se estrenará en el Teatro Regio con dirección de Mariano Stolkiner

(Buenos Aires)

Se estrena en el teatro Regio la última creación de Javier Daulte presentada en 2021 en Barcelona, dirigida por Daulte y Mariano Stolkiner.

Javier Daulte y Mariano Stolkiner

A  partir del jueves 31 de agosto, se presentará Carnicera, pieza escrita por Javier Daulte y dirigida por Javier Daulte y Mariano Stolkiner, en el Teatro Regio (Av. Córdoba 6056), perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires.

Carnicera cuenta con la actuación de Karina K, Marcos Montes, Florencia Raggi y Agustín Daulte, más la voz en off de Héctor Díaz. La coach al idioma ruso es Ekaterina Balaneva, la música original es de Sami Abadi, el diseño lumínico es de Matías Sendón, el diseño de vestuario es de Gabriella Gerdelics, y el diseño escenográfico es de Gonzalo Córdoba Estévez.

Funciones: de jueves a domingos a las 20 horas. Duración: 90 minutos. Una presencia misteriosa acompaña a la soledad de Porcia en su rutina como trabajadora en un frigorífico industrial de carne. Esa presencia podría ser un peligroso terrorista que altera genéticamente la carne, un fugitivo, o podría ser un gato. Lo que aún no sabe Porcia es que ella y su obrador se convertirán en el escenario de lucha entre dos bandos, bandos que creen que un mundo mejor sólo es posible si se elimina al enemigo.

Carnicera, la última propuesta de Javier Daulte, utiliza este pretexto conspiranoico para cuestionar el mundo de las creencias y certezas que sustentan nuestra vida. Creencias que generan bandos y que necesitan de un pueblo convencido al que se obliga a tomar partido, a convertirlo en daño colateral o, incluso, a hacerle partícipe del sacrificio que supone creer sólo en una versión, sin fisuras.

Sobre Javier Daulte

Dramaturgo, guionista, director y docente. Por su trabajo ha recibido más de un centenar de distinciones a nivel nacional e internacional. De sus trabajos, cabe destacar: Me gusta, Las irresponsables, Luz testigo, Después de casa de muñecas, Valeria radioactiva, Clarividentes, Los vecinos de arriba, Nuestras Mujeres, Venus en piel, Personitas, Amadeus, Una relación pornográfica, Macbeth, Lluvia constante, 4D Óptico, Filosofía de Vida, Vestuarios, Un Dios Salvaje, Baraka, La Felicidad, Nunca estuviste tan adorable, ¿Estás ahí?, Martha Stutz, Bésame Mucho, La Escala Humana y Criminal. Es autor, entre otras, de la serie Para Vestir Santos. Dirige el Espacio Callejón. En 2017 publicó su primera novela, El circuito escalera.

 

Sobre Mariano Stolkiner

Licenciado en dirección de artes escénicas, actor, docente y dramaturgo. Entre sus trabajos de dirección se destacan L.U.I.S. (Las últimas imágenes soñadas), Cleansed, Amor de Fedra, Shopping and Fucking, Adiós todavía, Iván y los perros, Biolenta. Delicado emparche femenino, Bajo el bosque de leche, Zorayda. La reina del Abasto, El año de Ricardo, Rota, Canción de Carnaval y Proyecto Toño, algunos de estos de su propia autoría. Dirige el Teatro El Extranjero y la Compañía “El Balcón de Meursault” con quien se ha presentado en numerosos teatros y festivales internacionales.  Por su labor ha sido distinguido en los premios ACE, Trinidad Guevara, Teatro del Mundo, Luisa Vehil y Teatro XXI entre otros.

 

 

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar

 

 “1983/2023 - 40 años de Democracia”